10 Canciones Subestimadas de David Bowie (2 de 2)

Teenage Wildlife (Scary Monsters, 1980)

Aunque no pertenezca a la llamada trilogía berlinesa, Scary Monsters establece como álbum un difícil equilibrio entre las pretensiones intelectuales de aquellos discos y la comercialidad de la que Bowie haría gala en los ochenta. El Duque Blanco se sentía muy amenazado a finales de los setenta por las emergentes estrellas como Gary Numan que homenajeaban bordeando el plagio el lenguaje musical que Bowie había desarrollado en la década anterior. Teenage Wildlife es el mejor ejemplo de ello, ya que se inspira descaradamente en Heroes cambiando el romanticismo épico por el miedo a quedar desfasado en el cambiante mundo de la música pop. Hablamos de una canción que no para de crecer, escondiendo emocionantes sorpresas y rivalizando con nada menos que Ashes To Ashes por el puesto como mejor canción del álbum.

Escucha Teenage Wildlife en youtube

Cat People (Putting Out Fire) (Let's Dance, 1983)

La canción de la que hablamos fue un encargo que Paul Schrader hizo a David Bowie para la banda sonora de la película Cat People. Hablamos de un film de terror erótico de principios de los ochenta protagonizado por Nastassja Kinski y retitulado en España como El Beso de la Pantera. El mítico Giorgio Moroder compuso casi la totalidad de la banda sonora y ejerció como productor para el tema principal compuesto por Bowie. La canción Cat People se encuentra incluida en el álbum Let's Dance en una versión distinta a la de la película, ya que MCA impidió a Bowie hacer uso de la canción original al ser artista de EMI. Cat People es una oscura obra maestra en todas sus encarnaciones que contrasta enormemente con la música que el Duque Blanco publicaba por la misma época para sus álbumes.

Escucha Cat People (Putting Out Fire) en youtube

Strangers When We Meet (Outside 2.0, 1995)

Strangers When We Meet no es quizá una canción oculta en su discografía, ya que salió publicada como single para el álbum Outside 2.0 en 1996. Sin embargo, la he traído aquí porque me he dado cuenta de que casi nadie la conoce cuando hablo de ella. El tema apareció incluido en la banda sonora de la película The Buddha Of Suburbia de 1993, interpretada por un jovencísimo Naveen Andrews (Sayid Jarrah en Perdidos). David Bowie la rescataría con muy buen criterio para el álbum Outside 2.0 publicando una versión mejorada con Brian Eno en la producción al final de la cara B. Strangers When We Meet es para mí su canción más lograda de las últimas décadas, al mismo nivel que sus clásicos más conocidos. Resulta extraño escuchar una canción tan redonda en una década en la que el músico no se encontraba en su mejor momento.

Escucha Strangers When We Meet en youtube

New Angels Of Promise (Hours..., 1999)

El álbum Hours supuso para David Bowie el retorno al clasicismo pop después de coquetear en los noventa con el soul, el drum'n'bass o el álbum como obra conceptual en Outside 2.0. En la portada del disco aparecen referencias concretas a este hecho, ya que en ella se puede ver a un Bowie de apariencia juvenil consolando a un exhausto Bowie maduro con el peinado que lucía en el álbum Earthling. New Angels Of Promise tiene un comienzo instrumental arrollador y unas enigmáticas letras con connotaciones bíblicas y apocalípticas. Si anteriormente dijimos que Hours se decanta por el clasicismo pop, la canción que nos ocupa es la excepción a la regla, encerrando buena parte del nervio del que Bowie hizo gala a finales de los setenta y remitiéndonos a texturas ya conocidas en Lodger o Scary Monsters.

Escucha New Angels Of Promise en youtube

Valentine's Day (The Next Day, 2013)

Desde la primera vez que escuché The Next Day, Valentine's Day se impuso para mí como la mejor canción de todas sin dejar lugar a dudas. Ya comenté en otra entrada del año pasado que el último trabajo de Bowie no me decía demasiado, pero esta canción encierra toda la magia inherente a lo mejor de su obra. Me extrañó que apareciera como cuarto single, cuando era manifiestamente superior a los otros tres temas extraídos con anterioridad. Una canción que abre con uno de sus mejores riffs de guitarra y que finaliza con un tour de force vocal realmente épico. El videoclip es también impresionante, grabado en una especie de almacén abandonado, la imponente presencia de Bowie con casi setenta años llena todo el espacio vacío ataviado tan sólo con una simple e impoluta camisa blanca.

Escucha Valentine's Day en youtube

10 Canciones Subestimadas de David Bowie (1 de 2)

Conversation Piece (single The Prettiest Star, 1970)

Canción publicada en 1970 como cara B de The Prettiest Star, el single que sucedió al exitoso Space Oddity. The Prettiest Star fracasó en las listas, aunque sería rescatada tres años después en el álbum Aladdin Sane. Conversation Piece por su parte fue condenada al ostracismo hasta que fue reinterpretada por Bowie en la edición limitada del álbum Heathen de 2001. Era un bonus track, pero provenía en realidad de las sesiones para el álbum Toy en el que Bowie rescataba temas de su pasado más remoto. Conversation Piece sería publicada de nuevo en su versión original años después para la edición remasterizada del álbum Space Oddity de 2009. Hablamos de una obra maestra que fue cara B de un single relegado al olvido, pero que escuchada a día de hoy se reivindica por derecho propio entre sus canciones más clásicas.

Escucha Conversation Piece en youtube

Lady Grinning Soul (Aladdin Sane, 1973)

Fascinante balada al piano que cierra el álbum Aladdin Sane de forma inmejorable. El pianista Mike Garson, cuya participación en el álbum aporta su más reconocible seña de identidad, vuelve a lucirse en este corte con su particular forma de tocar el piano repleta de influencias latinas y jazzisticas. La canción está inspirada en un encuentro de David Bowie con Claudia Lennear, cantante soul americana que colaboró durante los años setenta con gente como Joe Cocker, Leon Russell o George Harrison y que también inspiraría el clásico de los Rolling Stones Brown Sugar. La letra de Lady Grinning Soul es una oda a la tremenda sensualidad de Claudia Lennear en aquella época. Tan sólo hay que buscar imágenes en cualquier buscador de internet para verificar tal afirmación de primera mano.

Escucha Lady Grinning Soul en youtube

Sweet Thing/Candidate/Sweet Thing (Reprise) (Diamond Dogs, 1974)

La canción Station To Station podría ser casi con total seguridad el medley más conocido en la carrera de Bowie, pero el más intenso de todos, teniendo en cuenta que nunca se prodigó en enlazar canciones, está formado por estos tres temas incluidos en la cara A del subestimado álbum Diamond Dogs. Este trío de ases llama poderosamente la atención desde la primera escucha por su extraña atmósfera, intensas melodías y dramáticos coros interpretados por él mismo. La letra tampoco deja indiferente a nadie, ya que habla de extraños encuentros con connotaciones sexuales, lugares de reunión para difundir mentiras o tiendas en las que se venden caras de escayola con la efigie de Charles Manson. Hacer mención para terminar del bonus track Candidate que salió en la edición de los noventa publicada por Rykodisc y que poco tiene que ver con la versión final publicada en el álbum.

Escucha Sweet Thing/Candidate/Sweet Thing Reprise en youtube

Win (Young Americans, 1975)

David Bowie no recibió el apodo de camaleón en vano durante la década de los setenta. Después del futuro post-apocalíptico de Diamond Dogs, el cambio de tercio hacia el soul y la música negra no era demasiado previsible. Win es una intensa canción que se sumerge de lleno en el género y en la que Bowie ofrece una de sus interpretaciones más memorables. Rodeado por un coro de reconocibles voces negras y un elegante swing instrumental, el tema pasa de la quietud de las estrofas al épico tour de force de los estribillos, los cuales aterrizan suavemente al finalizar con la frase "all you've got to do is win". Lo único que se le puede achacar a Win es estar tan ligada a un estilo tan contemporáneo que a día de hoy se nota sobre ella el paso del tiempo con menos clemencia que en el resto de la obra del Duque Blanco.

Escucha Win en youtube

Sons Of The Silent Age ("Heroes", 1977)

Brian Eno, el productor del álbum "Heroes", indicó en una entrevista que Sons Of The Silent Age era el único tema que ya estaba compuesto antes de entrar a grabar en el estudio. El propio Bowie dijo que el álbum iba a llamarse en un primer momento Sons Of The Silent Age. El resto de temas fue improvisado utilizando las novedosas técnicas de Eno en las que el azar jugaba un papel crucial. De ahí que la canción que nos ocupa se diferencie tanto del resto de cortes de la cara A, mostrando una estructura más convencional frente al caos personificado en Joe The Lion o Black Out. Siempre he tenido la sensación de que si esta canción no se hubiera incluido en un álbum tan arriesgado y experimental, podríamos estar hablando ahora de otro clásico fácilmente reconocible de David Bowie.

Escucha Sons Of The Silent Age en youtube

10 canciones subestimadas de U2 (2 de 2)

Heartland (Rattle And Hum, 1988).

Dentro de un album con un sonido tan enraizado en lo americano como Rattle And Hum, siempre sobresalió la hermosa Heartland. Una canción que proviene de las sesiones de grabación de The Joshua Tree y que tiene todo el aroma y la pompa de aquel disco. De hecho, escuchándola, uno también puede oír ecos del sonido atmosférico de un disco como The Unforgettable Fire. Canción envolvente que jamás ha sido recuperada para el directo por parte del grupo, claro síntoma de la falta de riesgo interpretativo que ha ido caracterizando a U2 con el paso de los años. Aunque chirría en el concepto global del disco compartiendo espacio con canciones tan antagónicas como Desire o When Love Comes To Town, Heartland pasa por ser una de las mejores y mas hermosas canciones de U2.

Acrobat (Achtung Baby, 1991).

Tildar como "infravalorada" a cualquier canción de un álbum tan redondo como Achtung Baby puede parecer contraproducente. No obstante, a pesar de estar ante el mejor disco del grupo, Achtung Baby también tiene canciones que el paso del tiempo a condenado al ostracismo. Entre ellas, está Acrobat que siempre me pareció sensacional. Condensa en si misma todo el giro creativo y estilístico que dio U2 con el cambio de década. Dotada de una producción perfecta (de nuevo Lanois a los mandos), Acrobat suena mas moderna aún hoy que cualquiera de los recientes y vanos intentos del grupo por recuperar viejas sensaciones. La distancia temporal que hay entre esta canción (y las otras once que componen el disco) y el sonido añejo del album precedente (Rattle And Hum), es de apenas tres años pero escuchándola la sensación es de varios años luz.

Dirty Day (Zooropa, 1993).

Desde siempre, a U2 le ha gustado incluir en sus discos canciones de texturas oscuras y crudas. Dentro del album Zooropa (disco creado y grabado durante la gira Zoo TV de 1993), este Dirty Day representa ese lado mas terrenal del grupo. A diferencia de otras canciones del disco (mas experimentales y provocadoras) Dirty Day suena a los U2 de siempre pero con aires renovados de la mano, nuevamente, de Brian Eno. Es una canción que perfectamente podríamos habernos encontrado en discos como The Joshua Tree o incluso Rattle And Hum, pero colocada aquí su impacto se aminora. "Día Sucio" contiene la frase "Days run away like horses over the hill" del escritor Charles Bukowsky. Y es que en esa época U2 se atrevían con todo y (casi) todo les salía bien. Sin importar nada mas.

New York (All That You Can´t Leave Behind, 2000).

Tras el relativo fracaso comercial del album Pop (1997) y su consiguiente gira, U2 toma la decisión de volver al pasado dejando los experimentos (y los riesgos) para otro momento. Eso les devolvió el favor comercial pero ante los ojos de muchos de sus seguidores perdieron algo de credibilidad. En cualquier caso, All That You Can´t Leave Behind es uno de esos discos para todos los públicos con los que U2 saben engatusar a la masa cada cierto tiempo. De entre toda la irregular colección de canciones aquí recogidas, siempre me gustó este tema dedicado a la ciudad de los rascacielos y que a través de una estructura densa y acompasada (con unos estribillos potentes) retrata la realidad racial, cultural y ambiental de la ciudad. Una canción que demostraba que se puede ser comercial y al mismo tiempo sorprender. Lamentablemente la canción quedó sepultada entre los Beautiful Days y Elevations de turno.

Unknown Caller (No Line On The Horizon, 2009).

Soy de los que piensan que U2 perdieron el norte con el nuevo siglo y al mismo tiempo que su imagen publica quedaba cada vez mas desgastada, su creatividad también iba mermando de forma alarmante. Su album How To Dismantle An Atomic Bomb en 2004 supuso para mi un camino de no retorno. Con No Line On The Horizon (2009) intentaron recuperar algo del terreno perdido entre tanta radiofórmula y  tanta pose artificial, pero tampoco dieron en el clavo, por lo menos, conmigo. No obstante quiero rescatar este Unknown Caller que siempre me llamó la atención por su emotividad y peculiar tratamiento y por ser algo "diferente" en U2. Me habría gustado que todo el album hubiera seguido la inteligente cadencia de esta canción pero mi gozo en un pozo. Una de las ultimas grandes canciones del grupo.

10 canciones subestimadas de U2 (1 de 2)

U2 han sido noticia reciente por la "salida" al mercado de su nuevo album tras cinco años (si, cinco años) sin editar trabajo alguno. Sin entrar a valorar este hecho (no he escuchado el disco como para opinar) ni tampoco el actual momento del grupo irlandés, si me ha parecido interesante rendir tributo a un cancionero que en mis años de adolescencia marcó mi vida. Hoy día la situación es antagónica y mi opinión sobre el grupo y su papel actual en la música es completamente diferente al que tuve en su día. Dicen que del amor al odio solo hay un paso....En cualquier caso, dejando ese debate al margen, sirvan estas dos entradas para repasar diez canciones infravaloradas de U2. Quien dice infravaloradas dice olvidadas, porque dada la fama de sus autores, la popularidad de su cancionero y el fanatismo de sus masas de seguidores, cualquiera dice algo.

Another Time, Another Place (Boy, 1980).

El album de debut de U2 sigue siendo uno de mis discos favoritos de toda su carrera y es un disco que suelo escuchar a menudo. Sigue manteniéndose fresco a pesar del desgaste sufrido por el grupo durante los últimos años. Dentro de la colección de imberbes canciones aquí incluidas, destaca poderosamente este Another Time Another Place que contiene todo lo que años después hizo grandes a sus autores. Buena construcción melódica, una estructura rítmica poderosa y un estribillo semi-épico. Una de sus primeras grandes canciones que siempre pasó algo desapercibida en comparación con los primeros himnos del grupo como I Will Follow o Out Of Control.  Un tema que cuenta con una innegable madurez para una banda que por entonces sumaban 20 años de media.

Tomorrow (October, 1981).

El segundo album de U2 estuvo a punto de no ver la luz por el compromiso practicante y casi sectario que tres miembros de la banda adquirieron con la religión católica. Ese hecho y algunas que otras circunstancias mermaron el impacto del disco que aparece muchas veces como el mas maltratado por la crítica. En October aparecen por primera vez y de forma prominente los teclados y las canciones adquieren un matiz seudo-cristiano muy evidente como en Gloria o With A Shout (Jerusalem). Entre todas ellas, brilla con luz propia la canción que abre la segunda cara del disco: Tomorrow. Una oda sentida de Bono hacía el recuerdo de su madre fallecida de forma prematura y con un tratamiento musical e instrumental que conecta inevitablemente a U2 con la tradición musical mas enraizada de Irlanda. 

A Sort Of Homecoming (The Unforgettable Fire, 1984).

Deliciosa canción que abre el disco que supuso la primera de todas las exitosas colaboraciones de U2 con Brian Eno y Daniel Lanois. Un álbum donde la banda irlandesa encuentra por fin el sonido que les hizo populares y donde optan mas por crear atmósferas y nuevos sonidos que por seguir la línea enérgica de sus anteriores discos, sin perder por ello pasión en las composiciones. Entre himnos del calado de Pride o Bad, sobresale esta emotiva pieza maestra dedicada a su ciudad natal Dublin. Bono demuestra que en aquella época su voz estaba tocada por los dioses y da una lección a lomos de un tema de extraño ritmo y hermosa melodía. Un cambio absoluto respecto a su pasado reciente que catapultó a la banda a un estatus impensable cuatro años antes.

One Tree Hill (The Joshua Tree, 1987).

Primero de los dos temas del album The Joshua Tree que incluimos en esta particular selección. El album superventas de 1987 sufre el mismo mal que muchos discos famosos de su época, y es que "por culpa" de una cara A repleta de exitosos singles, una cara B mas gratificante (a la larga) queda algo oscurecida. One Tree Hill, hermosa pieza en in-crescendo, es un ejemplo muy ilustrativo de esa situación. La canción (al igual que el album) está dedicada a la figura de Greg Carroll, asistente personal de Bono que falleció un año antes en un accidente de tráfico. Nueva Zelanda, lugar natal de Carroll, está contemplada aquí a través de la imagen real de un pequeño árbol situado al final de una colina. Su perfecta estructura y una producción niquelada, consigue que todos los miembros de U2 sobresalgan por igual. Una joya.

Red Hill Mining Town (The Joshua Tree, 1987).

Lo comentado para la canción anterior, bien podría trasladarse a esta épica y olvidada Red Hill Mining Town, canción que abre esa impecable cara B del album. Posiblemente estamos ante uno de los puntos álgidos de Bono como vocalista en toda la carrera del grupo, demostrando y demostrándose lo capaz que era en aquellos años. La canción cuenta con un apasionado estribillo que por su dificultad, jamás ha sido interpretada en directo por la banda. Los U2, siempre sensibles a todo tipo de causa social, rinden en esta canción su particular homenaje a los mineros de su país. No debería pasar por alto la complejidad de la canción, en donde todo parece encajado a la perfección. La canción tuvo un video promocional dirigido por el también irlandés Neil Jordan que no salió a la luz hasta la reedición del disco en el año 2007.

10 canciones subestimadas de The Rolling Stones (2 de 2)

Memory Motel del álbum Black And Blue (1976)

Tras la marcha voluntaria de Mick Taylor, fué Ronnie Wood (ex-Faces) quien ocupó su lugar. Black And Blue (titulo que hace referencia a los moratones y marcas que quedan en la piel tras recibir unos azotes) es el primer disco donde el bueno de Ronnie aparece como miembro oficial del grupo. Un album que ya empieza a mostrar a unos Stones diferentes (juguetean con ritmos latinos, con el reggae) y alejados del sonido sucio y genial de su etapa mas reciente. Entre sus surcos, rescato la maravillosa Memory Motel. Una canción que curiosamente descubrí inicialmente en el album en directo de 1998 No Security (a dúo con Dave Matthews), y donde se nos presenta en una imponente versión, mostrando todo el poso emotivo que contiene. Cantada a medias entre Mick y Keith, Memory Motel es una de las mejores y mas grandes baladas de los Rolling Stones.

Faraway Eyes del álbum Some Girls (1978)

Unánimemente considerado el último album cinco estrellas de los Stones, Some Girls fue el resultado de uno de los momentos creativos mas importantes en la carrera del grupo. Míticas sesiones en los estudios Pathé Marconi de Paris, de allí se recogieron múltiples ideas que dieron como resultado este álbum genial y muchos otros descartes que nutrieron los álbumes siguientes así como la imprescindible reedición del disco en 2010 y que contiene piezas a la altura de las mejores canciones incluidas en el disco oficial. Nueva amalgama de estilos e ideas, se suele tender a olvidar que entre sus canciones aparece una joya de innegable sabor country como es Faraway Eyes. A pesar de la moda disco captada genialmente en Miss You o la sutileza de otras piezas como Beast Of Burden, Some Girls contiene mucho de la esencia rock de los Stones. Y Faraway Eyes lo demuestra. Una canción que perfectamente podría haber tenido cabida en obras maestras anteriores como Beggar´s Banquet o Exile On Main Street.

Worried About You del álbum Tattoo You (1981)

El disco que devolvió a los Stones a la primera página de las revistas del rock y posiblemente, su ultimo album de corte clásico. Impulsado por el exito de Star Me Up, Tattoo You recuperaba el brío perdido tras el pelín decepcionante Emotional Rescue de 1980, y descubría a la banda en plena forma ante las nuevas generaciones de consumidores de musica rock. Plagado de descartes de otros discos, Tattoo You suena sorprendentemente fresco y enérgico. Planteado de forma que la cara A mostrara las canciones mas exuberantes y con un tratamiento mas rock, la cara B contenía las piezas mas tranquilas y sentidas, donde para mi siempre destacó el increscendo genial de Worried About You. Una canción donde el falsete de Jagger domina la escena acompañado de unos compases a los teclados realmente atractivos. Ha sido recuperada ocasionalmente en directo. 

Slipping Away del álbum Steel Wheels (1989)

Siempre he tenido claro que esta deliciosa canción, cantada por Keith Richards, era la mejor y mas aprovechable de todas las incluidas en su disco de gran retorno Steel Wheels, de 1989. Una pieza de sabor acústico (el que le gusta a Keith) que descubrí en el imprescindible album en directo Stripped en 1995, donde aparece en toda su grandeza. Una de esas canciones en las que Richards, con su voz lastrada y cruda, emociona de verdad. Escuchándola en el album Steel Wheels, chirría ante tanta amalgama de sonidos exhuberantes y sobrecargados, pero extraida de ese contexto resulta en si misma una delicia. Realmente es una canción que inaugura una época donde Richards entregaría en cada disco de los Stones, una o varias piezas de este estilo pausado y sensible. Vale la pena rescatar otras como The Worst (del album Voodoo Lounge de 1995), o This Place Is Empty (del A Bigger Bang de 2005). 

Moon Is Up del álbum Voodo Lounge (1994)

Descubrí la música de los Rolling Stones con el recopilatorio Jump Back de 1993 y en paralelo, con este inmediato album de estudio de 1994. Dejando ese factor emocional a un lado, considero este disco como el mejor que han hecho los Stones desde Some Girls. Primero en el que ya no aparece Bill Wyman al bajo, siendo sustituido por el excelso Darryl Jones, Voodoo Lounge muestra a unos Stones eclécticos en cuanto a la variedad de estilos pero algo dispersos. Potentes e impecables en sonido pero alejados del poso sucio de sus grandes obras. En cualquier caso, nuevo album de "regreso" y que contiene mucho de lo mejor que nos han dejado en los últimos tiempos. Entre todas, siempre me encantó Moon Is Up. Digamos que es algo "diferente" a lo que esperas de un grupo como los Stones. Trabajo de producción impecable para una canción difícilmente clasificable en el catalogo Stone. Un ritmo pegadizo pero sorprendente, aprovechando la nueva incorporación de Jones y los nuevos impulsos creativos. No es la única, pero a mi es la que mas me gustó siempre.

10 canciones subestimadas de The Rolling Stones (1 de 2)

Seleccionar diez canciones subestimadas de una banda como los Rolling Stones no es fácil. Elegirlas si, pero decidirse no. Dado el importante volumen de grabaciones en una carrera discográfica tan larga, es complicado rescatar solo diez canciones que, por lo que sea, nunca adquirieron el cartel de clásicos aunque muchas de ellas lo merecieran. Estas diez que hemos elegido creo que representan muy bien ese legado stoninano menos conocido, aunque como pasa siempre, podríamos haber elegido otras diez diferentes y la foto habría quedado igual. Diez temas de diez discos diferentes, que muestran a unos Stones brillantes y creativos. Seguro que vale la pena rescatarlas.

Citadel del álbum Their Satanic Majestic Request (1967).

Citadel aparece en el album mas criticado y confuso de los primeros años de andadura del grupo. Their Satanic Majestic Request ha quedado para la posteridad (quizás algo injustamente, en mi opinión) como el album en el que los Stones quisieron emular a los Beatles del Sgt. Pepper's (experimentación, psicodelia, portada) y no lo consiguieron. Visto en perspectiva, considero este disco como una versión desnaturalizada de la verdadera esencia de los Stones, aunque tiene algunas ideas brillantes, gran variedad de estilos y varias canciones a tener en cuenta. Citadel, la segunda del disco, es una canción potente, bien construida y que para nada se hace tediosa, como algunos otros experimentos del disco. Jamás interpretada en directo, demuestra que aunque los Stones quisieron apuntarse al carro de la psicodelia imperante en esos tiempos, su estilo y su esencia se sustentaba en otros géneros.

Salt Of The Earth del álbum Beggar´s Banquet 

(1968).

El album que puso las cosas en su sitio y directamente, salvó la carrera del grupo. Beggar´s Banquet es una absoluta obra maestra del sonido clásico de los Rolling Stones. Primero de los cinco discos producidos por Jimmy Miller (al que Jagger llamó tras ver sus resultados con Traffic), El Banquete de los Pordioseros es un monumento a la música que apasionaba al grupo desde sus comienzos: blues descarnado, rock callejero, country-rock, etc...Todo está aquí y en un equilibrio perfecto. Entre todas las joyas que jalonan este album, siempre me pareció deliciosa la canción que cierra el album: Salt Of The Earth. No por ser la mejor (que no lo es), pero si por contener varios momentos realmente emotivos. La primera estrofa cantada por Keith, un estribillo delicioso, una emotiva letra...La canción adquirió una relevancia importante mas de veinte años después de su edición, cuando Izzy Stradlin (de Guns N´ Roses) la eligió para ser tocada junto a los Stones en el ultimo concierto de la gira americana del album Steel Wheels. Aunque no fué cara A de single, es todo un clásico de los Rolling Stones.

Moonlight Mile del álbum Sticky Fingers (1971).

Sticky Fingers, con nuevamente Jimmy Miller en la producción, supuso un punto y aparte en la carrera del grupo. Primer album editado por su propia compañía (tras la ruptura con Decca y Allen Klein). Primer disco con Mick Taylor plenamente asentado en la banda (aunque ya estuvo en Let It Bleed, es en este disco donde se destapa plenamente). Y primer disco que contiene el legendario simbolo stoniano de los labios y la lengua. Album del que es dificil señalar alguna canción como subestimada ya que estamos hablando de un disco esencial en la historia del rock y que contiene varias de las mejores composiciones del dúo Richards/Jagger. Pero Moonligth Mile, desde que la descubrí por primera vez cerrando la colección, me parece una joya de innegable valor. Canción compuesta al 100% por Mick Jagger, demuestra el exquisito gusto del cantante por la melodía y los arreglos de viento. No es rock, no es country, pero tiene una extraña mezcla que la hace irresistible. Otro final antológico para un disco de los Stones.

Let It Loose del álbum Exile On Main Street (1972).

Llegamos a la gran obra maestra del grupo. Uno de los discos dobles por antonomasia de la historia de la música popular. Toda una enciclopedia rock que marca el fin de la era mas gloriosa de los Rolling Stones. Compuesto en su mayor parte en una mansión de Niza (los Stones se habían marchado de su país por las razones económicas y fiscales que a estas alturas todos conocemos) y apuntalado en un estudio de Los Angeles, Exile On Main Street es todo un decálogo de estilos y fascinante atmósfera. Let It Loose, escondida en la tercera cara de la obra y totalmente olvidada para sus propuestas en directo, es una extraordinaria muestra del nivel de genialidad que habían adquirido en aquellos años. Mick Jagger la canta como si le fuera la vida y deja para la posteridad una de sus aportaciones vocales mas brillantes. Siempre pensé en ella como un hipotético y brillante final para el disco.  

Winter del álbum Goats Head Soup (1973).

Si me preguntaran cual sería para mi el disco mas infravalorado de los Rolling Stones, mi respuesta sería esta: Goats Head Soup, de 1973. El difícil sucesor del excelso Exile On Main Street y que hoy dia solo es recordado por contener Angie y Star Star. Evidentemente, es un album que supone un cierto bajón de calidad respecto a la impecable racha de discos anteriores, pero contemplado en si mismo, considero a este disco uno de los mejores de toda su carrera. Suena inacabado y a veces algo torpe, pero Goad Head Soup contiene varias de sus canciones mas olvidadas y brillantes. Grabado en su mayor parte en Jamaica y con retazos de sesiones de grabación de discos anteriores, es el album que supuso el canto de cisne del gran Jimmy Miller a los mandos de la producción. En esa época, Richards estaba totalmente absorbido por la heroína y ya denotaba que sus relaciones con Mick empezaban a hacer aguas. En cualquier caso, Winter, con ese rasgueo inicial de guitarra, resulta en si misma una pieza fantástica. Como pasa con muchas canciones de este disco, uno no puede dejar de pensar en lo que habría llegado a ser si las circunstancias y el ánimo habrían sido otros. 

10 canciones subestimadas de McCartney (2 de 2)

Arrow Through Me

del álbum Back To The Egg (1979)

London Town nos recuperaba a McCartney en su estado puro tras la grandilocuencia de los Wings de Venus & Mars y At The Speed Of Sound. Como siempre tiene que haber una de cal y otra de arena, su siguiente álbum intentaría recuperar ese pulso rock del que carecía su predecesor. El problema es que McCartney ya rondaba los cuarenta años y la jugada le salió demasiado forzada. Las canciones de Back To The Egg intentan sonar demasiado enrolladas y los vídeos que se grabaron por aquella época caen con facilidad en la vergüenza ajena. Los Wings exhalaban su último suspiro con la formación menos carismática, pero Macca nos dejaba al menos para el recuerdo uno de sus temas más elegantes y evocadores. Arrow Through Me es la canción más memorable de Back To The Egg, poseedora de un estupendo swing y un desarrollo prácticamente redondo. Puede pecar de un sonido algo desfasado, pero los fans de Macca sabemos que debajo de todo hay un gran tema.

Escucha Arrow Through Me en youtube

One Of These Days

del álbum McCartney II (1980)

McCartney II tiene la merecida fama de ser la mayor ida de olla de Paul de toda su carrera. Quizá tras Back To The Egg se dio cuenta de que no era capaz de acoplarse a los nuevos tiempos y decidió hacer lo que le diera la gana, saliera como le saliese. Entre tanto instrumental vacuo y tanto sintetizador ochentero me gustaría destacar una canción que en el último momento del álbum nos retrotrae al McCartney más clásico cuando ya lo dábamos por perdido tras temas tan desquiciantes como Temporary Secretary. One Of These Days es una balada tocada con guitarra acústica que reivindica un estilo musical que su autor había abandonado prácticamente en los setenta salvo contadas excepciones como, por ejemplo, I'm Carrying de London Town. La canción se sitúa en la línea clásica de temas como Yesterday o Blackbird, aunque el acabado es algo distinto al estar la voz saturada con eco. No será hasta Flaming Pie cuando Macca vuelva a abrazar esa sencillez en la presentación de sus canciones con temas como Calico Skies, Little Willow o Great Day. One Of These Days habla de algo tan sencillo como apartarse por un momento de la rutina diaria y pararse a admirar lo que nos rodea con calma y tranquilidad.

Escucha One Of These Days en youtube

Through Our Love

del álbum Pipes Of Peace (1983)

Lo dije en anteriores entradas, pero lo vuelvo a decir: Pipes Of Peace me parece mejor álbum que Tug Of War. No es por ir a contracorriente, es que me parece un disco con mejores canciones a pesar de haber salido de los descartes de su predecesor. Through Our Love es la canción que cierra Pipes Of Peace, una balada bien construida que no peca de pretenciosa a pesar de crecer y crecer en su desarrollo. Creo que pocos profanos a McCartney han oído hablar de las excelencias de Through Our Love, una canción con excelentes melodías y momentos épicos en su tramo final que ha quedado olvidada injustamente entre la amplia discografía de Macca por no ser habitual en sus recopilatorios. George Martin acierta de pleno con los arreglos orquestales que diseñó para este tema. Esta colaboración entre ambos ya metida en los años ochenta nos retrotrae a aquellos momentos pretéritos en los que adornaba con la misma efectividad otros temas ya míticos de McCartney.

Escucha Through Our Love en youtube

The Song We Were Singing

del álbum Flaming Pie (1997)

Flaming Pie es el álbum que surge después de la implicación de McCartney en el proyecto Anthology. Tal y como cuenta en el libreto del CD, escuchar y revivir aquellas grabaciones de los Beatles le recordó lo fácil e inmediato que era hacer música por aquella época. Replantearse su método de trabajo le vino genial para cambiar de los encorsetados Flowers In The Dirt y Off The Ground al espontaneo Flaming Pie. The Song We Were Singing se beneficia de este ejercicio de nostalgia y en su letra idealiza de forma encantadora situaciones y hechos vividos por Macca durante los años sesenta. Hablamos de un tema folk dulcificado en sus estrofas por letras atropelladas y segundas voces para desembocar en unos estribillos arrebatadores y vibrantes. Flaming Pie fue el primer álbum que compré de McCartney en cuanto fue publicado y no sabía que años después iba a convertirse en mi favorito de toda su discografía por canciones como ésta.

Escucha The Song We Were Singing en youtube

How Kind Of You

del álbum Chaos And Creation in the Backyard (2005)

Chaos And Creation es hasta ahora la última gran obra de McCartney. El productor Nigel Godrich le exigió en el estudio más de lo que le habían exigido en décadas sin importarle la talla histórica del músico con el que trataba y ese choque de personalidades dio como fruto un álbum maravilloso. How Kind Of You nació en un principio como un sencillo tema tocado a base de rasguear la guitarra acústica. Las sesiones de grabación fueron evolucionando hasta añadir una base de loops que terminó por acompañar de forma casi mágica a la voz de McCartney. Mientras el corte se iba desarrollando se incorporaron el piano, la batería y la guitarra eléctrica, pero dicha base de loops, que se mantiene hasta el final, convierten a How Kind Of You en un tema muy especial en su discografía. Macca tocó este tema con la acústica en aquella actuación en Abbey Road en el que presentaba Chaos And Creation, evidenciando que con un acompañamiento tan convencional perdía buena parte de su encanto.

Escucha How Kind Of You en youtube

10 canciones subestimadas de McCartney (1 de 2)

La idea para esta entrada me surgió por un artículo que leí en un periódico online inglés titulado Las 10 canciones subestimadas de Bob Dylan. El autor daba rienda suelta a sus preferencias personales y reivindicaba canciones de Dylan que él consideraba excepcionales y que no habían tenido la fama que merecían. Con Macca vamos a hacer lo mismo, hablaremos de aquellas canciones que a nuestro juicio son geniales pero que, al estar ocultas entre sus discos, sólo pueden conocer los fans más hardcore del músico. Creo que podríamos sacar mucho partido a esta sección en un futuro y veo estas dos entradas sobre McCartney como complementarias a los dos rankings que escribimos hace casi un año sobre canciones inéditas y caras B. Es una forma más de reivindicar su obra apartándonos de sus canciones más conocidas.

Every Night

del álbum McCartney (1970)

El álbum debut de McCartney en solitario destaca por lo irregular que resulta y por contener entre sus surcos una de las mejores canciones de toda su carrera, Maybe I'm Amazed. Sin embargo, pocos se acuerdan de una canción tan soberbia como Everynight. El tema del que hablamos fue compuesto por Paul durante unas vacaciones en Grecia cuando aún pertenecía a los Beatles. De hecho, los primeros esbozos de la canción fueron ensayados por el grupo en enero de 1969 con muy poca fortuna. McCartney habla en ella de la depresión que sufrió durante la disolución de los Fab Four y el apoyo que obtuvo de Linda en aquellos momentos. Yo la descubrí en uno de los Oobu Joobu que Macca grabó bastantes años después y siempre le he visto un intenso sabor beatle. Aunque el estribillo pueda pecar de simplista, encaja perfectamente en el sentimiento del tema y no menoscaba el resultado global. Un tema dulce y visceral a partes iguales.

Escucha Everynight en youtube

The Back Seat Of My Car

del álbum Ram (1971)

The Back Seat Of My Car fue el broche de oro para Ram, uno de los trabajos mejor valorados de la carrera de McCartney. La canción fue publicada como single y llegó al puesto nº 39, pero aparece aquí por ser la gran ausente en recopilatorios varios e interpretaciones en directo de años posteriores. El tema surge de la afición de Paul y Linda por viajar sin rumbo fijo, compartiendo origen con otros temas como Two Of Us y Helen Wheels. The Back Seat Of My Car fue presentada a los Beatles también en enero de 1969, pero descartada tanto para el frustrado proyecto Get Back como para el álbum Abbey Road. La canción alterna unas estrofas nostálgicas al piano con potentes secciones orquestales, usando unas melodías que nos recuerdan poderosamente al tono de apertura de You Never Give Me Your Money o la posterior Dear Friend. El propio Lennon se sintió aludido en algunos versos de la canción considerando que hablaba directamente de su relación con Yoko.

Escucha de The Back Seat Of My Car en youtube

Little Lamb Dragonfly

del álbum Red Rose Speedway (1973)

Little Lamb Dragonfly es uno de los temas con más potencial comercial de su obra de los setenta, pero uno de los más desconocidos. La canción fue compuesta para Ram, pero desechada y recuperada después para Red Rose Speedway. Algunas fuentes indican que Macca la compuso para incluirla en la banda sonora de la película Rupert And The Frog Song, quizás debido a ese tono de cuento de hadas que la hace tan distinta del resto de temas de Red Rose Speedway. La fuente de inspiración es controvertida, ya que podría venir de la muerte de una oveja en su granja de Escocia o de una retorcida metáfora sobre su conversión al vegetarianismo. En varios versos hay quien encuentra incluso palabras de reconciliación con Lennon después de la trifulca Ram/Imagine. En cualquier caso, hablamos de una canción muy dulce compuesta por dos secciones diferenciadas, un breve tema folk que actuaría como intro llamado Little Lamb y otro mucho más elaborado llamado Dragonfly que se llevaría el grueso del minutaje.

Escucha Little Lamb Dragonfly en youtube

Nineteen Hundred and Eighty Five

del álbum Band On The Run (1973)

Nineteen Hundred and Eighty Five fue el tema final y culminante de uno de los discos más aclamados de la carrera de McCartney, Band On The Run. La canción de la que hablamos fue grabada en Lagos (Nigeria), al igual que el resto de cortes del álbum, y registrada en sus primeras tomas con el título de Piano Thing. En Londres se hizo después la postproducción, consistente en añadir al último tramo del tema una épica partitura de orquesta que supone además el colofón y cierre para el álbum al completo. La letra es un verdadero galimatias como se puede ver en algunas versiones subtituladas que corren por youtube, incluso parece usarse como mero recurso expresivo en el conjunto global. Hablamos en resumidas cuentas de una canción emocionante y cohesionada gracias a la habilidad de McCartney al piano, instrumento con el cual logra algunos de los momentos más brillantes.

Escucha Nineteen Hundred And Eighty Five en youtube

Deliver Your Children

del álbum London Town (1978)

London Town es un álbum que pasa bastante desapercibido en la discografía de Paul, incluso los fans del músico se suelen olvidar de él a la hora de enumerar lo mejor de su obra. Deliver Your Children es por tanto una canción subestimada en un álbum también subestimado. Grabado a medias entre los estudios Abbey Road y navegando en alta mar a bordo del barco Fair Carol, London Town marca el retorno de Wings al formato de trio y el nacimiento del tercer hijo de Paul. Deliver Your Children es una excelente canción compuesta a medias entre McCartney y Laine con cierto aire irlandés en sus melodías. La canción tiene una letra inconexa en sus estrofas, ya que igual te habla de un diluvio amenazante, de una mujer infiel o de un camionero que quiere reparar su vehículo a punta de pistola. Lo que le da cohesión es ese galopante estribillo que habla de cuidar bien de tus hijos y ese golpe final de storytelling que se apunta al final a modo de broma. Soberbio tema que no desentonaría en el White Album de los Beatles.

Escucha Deliver Your Children en youtube

Continuará el próximo 21 de junio