Music is my savior

The Beatles según... Ian McDonald (II)

2012-02-17T09:00:00.003+01:00

La historia de los Beatles posterior a los Beatles es, en conjunto, poco edificante. Los cuatro grabaron álbumes en solitario - más de sesenta, hasta el momento -pero ninguno de ellos consiguió aproximarse remotamente a la calidad de la obra de los Beatles. Reflejo de esta triste historia, sus relaciones fueron durante largos periodos distantes y marcadas por el resentimiento. [...] Por separado, los miembros del grupo de pop con más talento de la historia habían caído rápidamente en algo muy parecido a la mediocridad. ¿Por qué?

Lennon y McCartney en 1974

La edad es una de las razones. El pop/rock es esencialmente la música de gente joven, y al llegar a los treinta años y crear un hogar, lo normal es que un grupo sea incapaz de sostener una mentalidad de banda. Hay que sustituirla por algo nuevo, cambiar a otros objetivos: management, producción, televisión, interpretación (en el caso de Harrison, jardinería); o una carrera en solitario basada en una música más introspéctiva que encaje con la creciente madurez, suponiendo que ésta exista. Cuando, en las entrevistas entre 1983 y 1996, McCartney recordaba, entre incrédulo y divertido, la vertiginosa velocidad de la carrera de los Beatles, lo hacía desde la perspectiva de un padre de familia para quien una energía tan monomaníaca sólo puede ser prerrogativa de la loca juventud. Al final, los Beatles se hicieron mayores y se asentaron. Aunque tanto McCartney como Harrison y Starr se aventuraron a salir de gira a principios de los años noventa, ellos mismos hubieran reconocido que, para entonces, hacía ya tiempo que habían perdido la energía adolescente de la que depende la música pop.

Si el tiempo pasó factura a los Beatles en el aspecto personal, también cayeron victimas del tiempo a un nivel más universal. A su manera, autodesprestigiadora e involuntaria, habían hecho y habían cambiado la historia; pero la historia, siempre indiferente, siguió su curso, dejándolos atrás. A medida que avanzaban los años setenta, los apolíticos Beatles perdieron relevancia y, con la llegada de los años ochenta, la prensa pop empezó a considerarlos piezas de museo. Sólo el revival psicodélico que tuvo lugar en la cultura pop a finales de los ochenta hizo que los discos de los Beatles empezaran a significar emocionalmente algo para sus jóvenes descendientes.

Harrison, Starr y McCartney en la boda del segundo, 1981

Pero los Beatles no fueron en ningún aspecto un fenómeno ordinario. Muchos han hablado de la atmósfera carismática que se activaba cuando los cuatro estaban juntos, una disposición de grupo que los mantuvo unidos a lo largo de dieciocho meses de luchas interiores, durante los cuales grabaron más de cincuenta temas y en los que continuaron funcionando, si bien menos informados que antes, como una antena psíquica mediante la cual mantenian el contacto con las corrientes cambiantes del sentimiento popular. La sensibilidad respecto a su contexto cultura, que permitió a los Beatles rehacer su carrera en 1966, sólo ha sido superada por David Bowie en el mundo del pop, y en sus idiomas respectivos por Stravinsky, Picasso y Miles Davis. [...] El corazón de los Beatles era un factor X: una conexión casi telepática que proporcionaba apoyo a domicilio, competencia amistosa, y el refugio de una visión vital común.

Del libro Revolución en la Mente, Ian McDonald.

Top 3: Mejores Canciones Internacionales 2011

2012-02-14T09:00:00.001+01:00

03. Wilco - Whole Love

Si todo el mundo prefiere I Might como mejor canción del último trabajo de Wilco, yo me desmarco con este encantador tema que pone título al álbum. Reconozco que I Might es una canción enorme influenciada por el mejor Bowie, pero Whole Love presenta unas credenciales que la hacen heredera directa de los Byrds. Siempre he sido muy raro en cuanto a mis favoritas de Wilco, ya que mi preferida de Sky Blue Sky siempre será Leave Me (Like You Found Me) en lugar del consabido Impossible Germany. Whole Love es una canción jangle pop con aroma country que atesora unos acordes de guitarra realmente bellos. El etéreo comienzo da paso abruptamente a la voz en falsete de Tweedy en las estrofas, para después desembocar en esa guitarra en bucle de intenso aroma campestre.

02. Death Cab For Cutie - You´re A Tourist

En retrospéctiva, una de las mayores satisfacciones de 2011 ha sido descubrir a un grupo como Death Cab For Cutie. Era reacio a escucharlos porque pensaba que un grupo que empieza por "Death..." sólo puede parir música aburrida y oscura. Sin embargo, ironías de la vida, me encuentro con un pop brillante capaz de competir en igualdad de condiciones con The New Pornographers. You're A Tourist es una canción de una pieza con un comienzo inmejorable, ese riff de guitarra acompañado por la voz de Ben Gibbard saturada de eco. Por cierto, siento repetirme hablando de esta canción en concreto, cuando no hace mucho le dediqué algunas líneas al comentar el último álbum del grupo, Codes And Keys.

01. Bon Iver - Holocene

Hace meses dije que el último trabajo de Bon Iver era con bastante seguridad el mejor álbum que había escuchado en 2011. Sinceramente, veía difícil que alguién pudiera superar el asombroso nivel de este disco y Pitchfork lo ha aupado finalmente al nº 1 de su ranking de álbumes. No haré un ranking de discos, pero tengo claro que el último trabajo de este hombre sería con seguridad mi nº 1 particular. Holocene es quizá su mejor canción, en dura pugna con el precioso vals de Michicant y sus afilados acordes. Siento ponerme poético, pero Holocene parece rezumar calidez humana en un inhóspito paisaje helado. Si antes mencionabamos los acordes de Whole Love por su luminosidad, en este caso la hipnótica guitarra de Holocene transmite todo lo contrario.

Top 3: Mejores Canciones Nacionales 2011

2012-02-11T12:19:00.011+01:00

03. Vetusta Morla - Baldosas Amarillas

El segundo trabajo de Vetusta Morla publicado el pasado año me sorprendió al colmar todas mis expectativas o incluso superarlas. Un Día en el Mundo parece ahora un álbum descompensado en comparación con Mapas, un disco mucho más equilibrado con canciones estratégicamente repartidas que mantienen el asombroso nivel de su opera prima. De entre todos los temas, Baldosas Amarillas fue amor a primera vista. Dejando a un lado los indescifrables textos que se han convertido en seña de identidad del grupo, Baldosas Amarillas mantiene ese bonito tono melancólico desde las estrofas hasta el estribillo. No exagero demasiado si digo que me parece su mejor canción hasta la fecha, superando los ya de por sí excelentes temas que componían su álbum debut.

02. Sr. Chinarro - Vacaciones en el Mar

No sabía muy bien si escoger esta canción u otra de su último álbum, el tema Una Llamada a la Acción. Al final me he decantado por Vacaciones en el Mar muy a pesar de la divertida y juguetona letra de la otra opción. El álbum Sr. Chinarro, Presidente no me parece gran cosa, pero este tema rebosa originalidad a pesar de la evidente influencia de los clásicos de rock de finales de los cincuenta. A mi me lo parece al menos, de hecho durante las primeras escuchas no dudaba que fuera un plagio maquillado de algún tema de Chuck Berry. Tengo que dar las gracias a mi novia por redescubrirme esta canción, ya que el álbum me pareció tan poco interesante que lo abandoné después de muy pocas escuchas. Meses después, empecé a escuchar en casa Vacaciones en el Mar a todas horas y me sorprendió que tanta calidad me hubiera pasado desapercibida.

01. The New Raemon, Francisco Nixon & Ricardo Vicente - Un Apocalipsis

La mejor canción en castellano de 2011 y, si me dejo llevar por el arrebato, de estos últimos años. También de las mejores de The New Raemon, a la altura de glorias pretéritas como La Cafetera o La Gran Caída. Irónicamente, ha sido un disco en colaboración con Nixon y Vicente el que nos ha devuelto el lado más amable y superlativo de Ramón Rodríguez como compositor. Mención aparte merecería otro de sus temas en este álbum, Repartiendo el Sombrero. Un Apocalipsis es una canción breve donde ni falta ni sobra nada, en la que te quedas con ganas de más debido a su escasa duración (dos minutos y poco más). El arranque es espectacular, las guitarras enormes y esos gritos de "... artificial" o "... vamos a vivir" se antojan catárticos y ponen los pelos como escarpias. El broche final es un himno en sí mismo con ese "un lunes cualquiera, un apocalipsis". El buen perfume en frasco pequeño se guarda.

En la siguiente entrada, mi top3 personal de canciones internacionales.

The Beatles según... un forero anónimo

2012-02-08T09:00:00.048+01:00

Los Beatles no son música. Son pura mitología. No importa tanto lo que hicieron -sus canciones- sino lo que ellos eran: el mito, la leyenda. Siempre ocurre así con los grandes mitos: el Grial o el largo nostos que lleva de vuelta a Ítaca no son más que la excusa -el McGuffin, que se dice- para hablarnos de cosas que tienen mucho que ver con la cosa misma de la especie humana. Que tienen que ver con nosotros, los vulgares. Contigo y conmigo. Que hablan de nosotros.
Desde un punto de vista estrictamente mitológico, la historia de los Beatles es, una vez más, la reinterpretación del viejo logos ascenso-apogeo-caída. En eso, ellos supieron ser listos como nadie: comprendieron que el mito había cubierto su ciclo y se negaron a resucitarlo (los Stones, por ejemplo, jamás podrán acceder -por este descuido tonto- a la categoría de los inmortales: nadie se acordarán de ellos, ni de qué hicieron, dentro de cincuenta años, mientras que a los Beatles se les estudiará junto a Schubert o Grieg, o incluso junto a Bach). Casi todos los mitos -la vida también es mito- pasan por esas tres fases inevitables, que coinciden un poco con el ciclo vital, tal y como lo aprendemos en los libros desde niños: los seres nacen, se reproducen y mueren. No hay mucho más que eso: principio, estruendo y fin.
Los Beatles emergieron de la forma más digna: haciendo reir a la gente, dándoles canciones pegadizas que disfrutar, llenando con un poco de alegría sus vidas. Entonces no eran cuatro, era más bien un monstruo de cuatro cabezas. Fue un par de años después cuando el mundo por fin supo que cada uno de los Beatles tenía nombre y apellidos, y que cada uno tenía también su personalidad, su forma de ver la vida. Uno era el cínico, el desengañado, el ser carismático que arrastra multitudes aun cuando sus hechos -lo real, lo comprobable- no acaben nunca de tener una forma definida y reconocible. Otro era el Salieri del grupo, el virtuoso, el enamorado de su profesión que tal vez pueda llegar a ser admirado, o reconocido, pero nunca querido. Otro era el místico, el que encuentra a todo un segundo sentido, y hasta un tercer sentido, el que flotaba siempre por encima de todo. E incluso había uno como tú y como yo, uno que servía para dar la imagen de que cualquiera -tú, yo, el de enfrente...- hubiera podido llegar a ser un Beatle. La fórmula química perfecta. La combinación, en cuatro caracteres, de lo que cada uno de nosotros lleva dentro: el genio, el diplomático, el creyente, el guasón.
Cuando yo andaba por los diecisiete años estaba muy pillado con dos cosas, sobre todo: los Beatles y el Rey Arturo, la mitología artúrica. Ahora -e incluso entonces- veo que aquellas dos cosas eran la misma cosa. Reyes, magos, caballeros puros, caballeros traicioneros, brujas, o lo que es lo mismo, la vieja y eterna lucha de los mejores valores -la utopía, la camaradería, la espiritualidad...- contra los más mundanos -la ambición, el ego, la mezquindad, el rencor...-. La épica es lírica, y la lírica es épica: véase si no Lawrence de Arabia. El gran drama exterior es siempre un drama interior. Hay un salto pequeño (pequeñito incluso, insignificante) entre Morgana y Yoko, entre Merlín y George Martin, entre Arturo y Lennon, entre Lancellot y Macca, o incluso entre el místico Gallahad y Harrison. La mitología, en el fondo, es la única explicación de todo lo que nos pasa: eso los griegos lo vieron como nadie, que todo es simple, que el ser humano siempre se mueve de acuerdo con las mismas pautas.
Porque seguramente lo que nos atrae de la mitología -y lo que nos atrae del mito de los Beatles- coincide en todo con el ritmo, y las pautas, que nos impone nuestro ciclo vital. Uno nace inocente y un buen día se ve arrojado al mundo, y cuando cree que va a poder celebrar que se encuentra disfrutando es cuando se da cuenta de que primero debe encontrarse a sí mismo, saber quién es y qué quiere verdaderamente, más allá de las reglas de la comunidad y de las convenciones y de todos los tópicos. Y en ese viaje al fondo de uno mismo, uno descubre que hay que romper primero con todo lo que nos hizo partícipes de ese mundo. Que todo era un engaño. Que la existencia -como dice Morrissey- es solamente un juego. Y que uno es uno, y el resto es el resto. Imprescindible, pero innecesario.
Es el Upanishad, es Beowulf, es el Cid, es Arturo, es Star Wars, y es Lord of the Rings. Y es también los Beatles. Pero, sobre todo, somos tú y yo. Por eso formamos parte de todo eso. Porque no son las canciones. Es algo mucho más profundo y complicado, y que tiene mucho que ver con nosotros mismos, con estos monos sin pelo que no paran nunca de hacerse preguntas y de intentar explicarse inútilmente.

Tomado de un foro sobre los Beatles. Entrada publicada el 21 de mayo de 2005.

The National - Mistaken For Strangers

2012-02-05T09:00:00.019+01:00

Desmontando a McCartney - The Pound Is Sinking

2012-02-02T09:00:00.063+01:00

Rescatamos una sección algo olvidada para continuar analizando la carrera en solitario de Paul McCartney a través de sus canciones. Dedicamos la última entrega de Desmontando a McCartney a la canción Dear Friend del álbum Wild Life de principios de los setenta. Esta vez toca darnos un garbeo por los ochenta para enfrentarnos a un disco esencial en la carrera del músico: Tuf Of War. Aclarar que esencial no significa magistral, al menos para el que esto suscribe.

Tras discos en los que McCartney se salió por la tangente intentando acoplarse a las nuevas tendencias con el rancio intento por modernizar su sonido en Back To The Egg o esa ruptura con pasado y futuro que fue McCartney II, Tug Of War recupera el clasicismo pop perdido desde aquel London Town de 1978. Estamos hablando del álbum más trabajado y minucioso de McCartney, que marcaría además las directrices a seguir durante el resto de su carrera. Mi teoría es que tras el experimento amateur de McCartney II, Paul se fue hacia el otro extremo creando el álbum más sobreproducido que se le recuerda.

Para ello, su primera decisión fue comenzar las sesiones con un viejo amigo al que no veía desde Live And Let Die: George Martin. La inclusión de Martin en Tug Of War prometía aportar los medios suficientes para recordarnos que McCartney había sido tiempo atrás uno de los Beatles. Sin embargo y a pesar del esfuerzo, el sonido de Tug Of War intenta acercarse a la pulcritud de la obra de los Beatles, pero se queda en el mero intento. No sé si fue por el cambio tecnológico producido después de una década o que Paul se encontraba ya muy lejos del talento atesorado como compositor en los sesenta, pero me da la sensación de que Tug Of War intenta recuperar el sonido beatle sin conseguirlo en absoluto. El resultado es una copia disfrutable, pero una copia al fin y al cabo. Además, Tug Of War pugna por ser el álbum más encorsetado de McCartney junto a Flowers In The Dirt.

La grabación del álbum se prolongó en el tiempo más de lo deseado, ya que fue anunciado en varias ocasiones (noviembre de 1981, febrero de 1982, abril de 1982) y pospuesto otras tantas hasta que, tras el cambio de portada en el último minuto, fue publicado a finales de abril de 1982. Entre grabaciones, revisiones y remezclas que duraron meses, se produjo el asesinato de John Lennon y la disolución de Wings. Una circunstancia llevó a la otra, ya que, tras la muerte de Lennon, McCartney decidió dejar de ofrecer conciertos por miedo a ser el siguiente en caer. Sin el directo, Denny Laine dejo de verle futuro a Wings y abandonó el grupo, así que otra vez en abril (pero de 1981), McCartney anuncia una nueva etapa de su carrera en solitario. Si la disolución de los Beatles me provoca una gran tristeza, la de Wings me alivia: por fin termina esa pantomima que duró demasiados años y que, más que un grupo de músicos, fue un escudo en el que resguardar la carrera de McCartney.

De las sesiones de Tug Of War saldrían tantas canciones que, al igual que ocurrió con McCartney II, podrían haber dado para un doble álbum. Esas canciones descartadas de las sesiones de Tug Of War formarían un encantador álbum publicado en 1983 llamado Pipes Of Peace. No es necesario aclarar que la conceptualidad en un disco de McCartney es tan inexistente como los gamusinos, así que la dualidad entre guerra y paz con la que Paul juega en estos dos álbumes se queda tan sólo en el título (Roger Waters habría creado dos operas fantásticas con ambos títulos). Algún día hablaré de Pipes Of Peace, aunque depende tanto de Tug Of War que temo quedarme sin argumentos después de esta entrada.

Tug Of War inaugura en la carrera de McCartney el gusto por las colaboraciones. Estoy seguro de que Tug Of War habría sido mejor sin Stevie Wonder, ya que Ebony And Ivory da vergüenza ajena y What's That You're Doing? parece más bien un sabotaje que una colaboración. Prefiero obviar estas dos meteduras de pata y centrarme en el resto de temas. Mención aparte merece la portada, obra de Hipgnosis y una de las mejores de toda su carrera.

No hay muchos temas de Tug Of War que me llamen realmente la atención, así que terminaremos pronto. La canción que da título al álbum no esta mal, pero esos violines que parecen salidos de un disco de la Pantoja me han hecho aborrecerla desde que lo compré. Take It Away es una canción tonta que guarda algunas de sus frases más vergonzantes: in the audience watching the show, with a paper in his hand (in his hand, in his hand) some important impresario has a message for the band. Somebody Who Cares me aburre, mientras Here Today nunca me dijo mucho (al menos musicalmente).

Lo mejor de Tug Of War se encuentra en la cara B del vinilo. Ballroom Dancing es un logrado tema pop que volvería a revisitar en Give My Regards To Broad Street. Wanderlust es una de sus baladas más logradas de los ochenta, que data por cierto de las sesiones de grabación de London Town. Este tema repite acertadamente el mismo juego de voces paralelas heredado de canciones como She's Leaving Home o Silly Love Songs. Finalmente, Dress Me Up As A Robber me parece uno de los cortes más refrescantes del álbum, con esa mezcolanza de sonidos que van desde una guitarra española a unas trompetas, pasando por el sonido disco de las estrofas.

Llegamos por fin a The Pound Is Sinking, mi canción favorita por varios motivos. En primer lugar, es el primer medley de McCartney totalmente disfrutable desde You Never Give Me Your Money. Ya lo intentó al final de Red Rose Speedway pero le salieron cuatro canciones perfectamente delimitadas. The Pound Is Sinking es un tema olvidado en su discografía que tampoco ejercería ninguna influencia en su obra posterior, pero que me encanta. Las estrofas desnudas al principio ganan enteros cuando son rodeadas por el resto de instrumentos y esa parte en la que vuelve a romper el ritmo diciendo the market's bottom has fallen right out es genial. También hay otras dos partes diferenciadas del resto, pero perfectamente enlazadas: aquella de voz impuesta que comienza con well I fear, my dear, that it's eminently clear y otra más calmada hacia el final con el hear me, my lover. Maravillosas ambas. Por otra parte, la letra de la canción no podría ser más actual, con todas esas subidas y bajadas de las divisas. McCartney ya vaticinaba en 1982 la preocupación por los mercados en el siglo XXI. Un visionario.

El día que Gregg se libró de la guerra

2012-01-30T09:00:00.006+01:00

Gregg es Gregg Allman. Y la guerra es la de Vietnam.

Corría el año 1965 y, aunque aún faltaban unos pocos años para que los hermanos Allman dieran el salto definitivo, por aquel entonces ya habían montado el grupo con el que empezaban a hacer sus primeros pinitos. Un grupo de lo más peculiar por cierto: contaban con dos guitarras solistas, dos baterías, un bajista... y ningún cantante, y por ese motivo Duane reclutó a su hermano de tan solo 17 para la causa, convirtiéndose en el vocalista, teclista y principal compositor del grupo.

El problema vino cuando en ese año el ejército de los EE.UU. también quiso reclutarlo, pero para fines nada artísticos: le "invitaban" a que ayudara a su amado país a luchar contra esos asiáticos comunistas en el lejano Vietnam. Por supuesto los hermanos no estaban muy por la labor: Duane se había librado anteriormente de ser enrolado al no tener padre y ser el hermano mayor de la familia; pero Gregg difícilmente podría evitar verse metido en este fregado. A menos que...

A menos que Duane se le ocurriera la feliz idea de montar la ya conocida foot shootin' party (la fiesta del tiro en el pie) para la noche antes del reconocimiento médico de su hermano. Hay poco que explicar ya que el nombre del evento es bastante significativo: llamaron a su grupo de amigos y amigas, hicieron acopio de cantidades ingentes de alcohol y otras sustancias recreativas más o menos ilegales (para envalentonar al homenajeado, se entiende) y, cuando todos estaban ya bastante ciegos, Gregg se pintó una diana en el zapato y literalmente se disparó en el pie con una escopeta. Parece ser que el disparo se lo hizo con el ruido de fondo de la sirena de la ambulancia, que había sido avisada con cierta antelación al suceso. Como era de esperar, acudió al día siguiente al reconocimiento médico caminando con muletas, y al verlo en ese estado lo declararon no apto y lo mandaron de vuelta a casa.

Comparado con otros sucesos ligados a la historia y leyenda de The Allman Brothers Band, muchísimo más trágicos y escabrosos, este hecho no pasaría por ser más que una simpática anécdota. Pero sin duda debemos estar agradecidos por cómo el ingenio de Duane y la valentía de Gregg sirvieron para brindarnos algunos de los mejores momentos del rock sureño.

PD: esta entrada está dedicada a nuestro amigo Miguel Dawson, de quien aprendí esta curiosa anécdota en uno de sus conciertos con su grupo Alternativa Dawson.

PD 2: Espero haberla contado bien, por cierto xD. Un abrazo.

Lou Reed - Transformer

2012-01-27T09:00:00.006+01:00

Llevaba mucho tiempo queriendo escribir esta entrada, pero tras la sección sobre la Velvet Underground sinceramente quedé un poco saturado, y supongo que los visitantes de MIMS otro tanto: tan solo hay que ver cómo en ella fueron desapareciendo progresivamente los comentarios.

Lou Reed siempre ha sido uno de los músicos por los que he sentido una debilidad especial, y no sólo por su etapa con VU: desde luego su carrera en solitario es más que irregular, y en ella alterna discos cojonudos con otros tremendamente flojos... y, bueno, también cosas como el Metal Machine Music. Viendo su carrera en retrospectiva no sé si puede decirse de él que sea un músico propiamente dicho. No diré ya que se trate de un poeta, algo que difícilmente puedo alcanzar a discernir con mi escasos conocimientos de inglés pero que puedo intuir por las imágenes y personajes que tan hábilmente retrata, por sus características y personalísimas métricas (no se puede decir que cante en sus discos, más bien declama), por los ambientes que es capaz de crear y por las emociones que transmite; simplemente diría de él que se trata de un Artista en mayúsculas, y eligió la música para comunicarse como podría haber elegido otra disciplina diferente. De hecho, a la vista de algunas de sus llamémosle "experimentaciones", más bien se diría que le interesa investigar cómo jugar con el ritmo y el sonido más que con la música como tal.

A lo que íbamos: Reed abandonó sin pena ni gloria la Velvet tras grabar Loaded, y sin saber muy bien qué hacer estuvo trabajando un año en la empresa de su padre como mecanógrafo. Afortunadamente le seguía picando el gusanillo de la música y al poco grabó su debut en solitario, titulado simplemente Lou Reed (1972): este primer trabajo fue un fracaso ya que, además de tratarse de un músico no muy conocido por aquel entonces, el album se componía básicamente de canciones descartadas de su etapa con la VU; personalmente siempre me han encantado Wild child y sobre todo la stoniana Walk and talk it.

Reed: "David, nunca tendré como agradecerte que me produzcas el álbum, tío"
Bowie: "Ya se nos ocurrirá algo, tonto..."

Pero en estas resultas que se cruza en su camino el ínclito David Bowie, quien se ofrece a producirle junto con Mick Ronson su nuevo trabajo. Como comentamos en la correspondiente entrada al documental The Sacred Triangle, el ofrecimiento del británico no era tan desinteresado como parece, pero centrémonos en la historia: Lou Reed vuelve a Londres para grabar su posteriormente aclamado segundo álbum, Transformer. La conjunción de genios de ese encuentro es mítica: los respectivos talentos compositivo de Reed y musical de Ronson se vieron amplificados exponencialmente por la intuición y el sentido de la oportunidad de Bowie. ¿Quién da más?

Corría el año 1972, el glam había llenado Londres de purpurina y Reed no solo se contagia del ambiente, sino que se pone a la cabeza del movimiento: no es que sus canciones fueran más o menos ambiguas y provocativas hablando sobre maquillarse los ojos para salir a la calle (que de hecho sí que lo hace en Make up, sin ir más lejos), sino que da un paso más y en ellas canta sobre los personajes que había conocido en The Factory de Andy Warhol. Y resulta que toda esa colección de personajes más o menos oscuros con su no menos oscuras perversiones se convirtieron en un gran éxito.

El ejemplo más evidente es Walk on the wild side: extrañamente nunca fue censurada y escaló hasta la parte alta de las listas de éxitos, convirtiéndose en una de las canciones más famosas y recordadas de toda su carrera. No es que no se lo mereciera ni mucho menos, todo lo contrario: gracias a Dios parece que los prebostes no entendían la jerga de Reed y no parecieron darse cuenta que la letra hablaba sobre travestis, chaperos, camellos, mamadas, etc... El hecho es que la canción empezó a radiarse, para regocijo de los que sí sabían de qué trataba, y supuso el espaldarazo que la carrera de Reed merecía y necesitaba. La sencillez del tema es marca de la casa, pero los arreglos le proporcionan el gancho necesario: el ritmo marcado por las escobillas, la guitarra suavemente rasgueada, pero sobre todo los dos bajos tocados por Herbie Flowers. Los motivos para doblar las famosas líneas del contrabajo con un bajo eléctrico no son solamente musicales, como el mismo Flowers revela: sugirió el arreglo porque, por el convenio que tenían los músicos de estudio, así cobraría el doble de su paga por una misma sesión. Personalmente nunca me gustó el saxo en este tema, pero ya es tan parte del tema como los famosos coros femeninos de las coloured girls.

La presencia de Warhol la podemos encontrar en otros temas del disco: desde luego en Andy's chest (todo un grower, como diría Manuel), canción que trata sobre el atentado que sufrió el pintor en 1968 y que la Velvet Underground grabó sin llegar a editar (click), pero también en el tema que abre el disco, Vicious: de hecho, la primera línea de la canción "Vicious, you hit me with a flower", se la sugirió el mismo Warhol cuando le animaba a que compusiera más canciones para la banda. De nuevo la sencillez del tema y las contagiosas y punzantes guitarras nos recuerdan a la VU, pero la espontaneidad y amateurismo de aquellos se ven aquí reemplazados por el buen hacer de Ronson y compañía: sin que el tema pierda ni un ápice de energía y potencia, el sonido es brillante y las guitarras son espectacularmente profesionales.

Uno de los momentos más emotivos del disco y de toda su carrera es sin duda alguna Perfect day. La cálida y plácida letra, que habla de beber sangría en el parque y ver películas en la mejor compañía, contrasta con los arreglos musicales maravillosamente fúnebres (que incluso arrancan los elogios del siempre hierático Reed: "Ronson es un genio, tío"): el magistral piano, respaldado por una conmovedora sección de cuerdas, conduce el tema sobre el tímido ritmo de la batería. La interpretación de Lou es profunda y sentida como nunca, y sin duda estamos ante uno de sus momentos de mayor inspiración. Personalmente siempre me han resultado sobrecogedoras las líneas en que canta "Just a perfect day / You made me forget myself / I thought I was someone else, someone good" (Un día perfecto / Hiciste que me olvidara de quien soy / Y creí que era otra persona, alguien bueno).

Ronson: "A mi con la invitación a comer ya me doy por agradecido, en serio"

El último coloso del disco, que no tiene desperdicio alguno todo sea dicho, es sin duda Satellite of love, otro tema que compuso y ensayó con la Velvet pero que tampoco vio la luz con la banda (click). A diferencia de aquella primera versión del tema, la interpretación de este disco es mucho más reposada y dulce, además de presetar ciertos cambios en la letra con los que sale ganando sin duda. Preguntado por el significado de la canción el propio Reed cree que trata sobre los celos, pero reconoce que no está seguro porque "que yo la haya compuesto no significa que la entienda". Si bien los arreglos del tema de nuevo son sobresalientes, por encima de todo destacan los geniales coros de Bowie, especialmente en la coda final.

Y por el camino nos hemos dejado otros temazos que no desmerecen en absoluto: Hangin' round y sobre todo I'm so free dan buena muestra que Reed estaba totalmente en forma y al día, y son dos temas que enlazan perfectamente su pasado con la Velvet con lo que se estaba cociendo en aquellos momentos. Por su parte canciones más livianas como New York City conversation o Goodnight ladies suponen pequeños respiros, algo que ya ocurría en los discos de VU con canciones como I'll be your mirror o Afterhours, y sirven como simpáticas transiciones o directamente para cerrar el disco de manera más ligera.

Aunque se quedó lejos de llegar a los primeros puestos de las listas, Transformer sí que sirvió para dar a conocer a Lou Reed al gran público: en plena explosión del glam, sus canciones sobre travestis, camellos y prostitutas fueron recibidas con los brazos abiertos por un público que celebraba el descaro y la ambigüedad. Reed se maquilló la cara de blanco, se pintó las uñas de negro, y aprovechó la popularidad para seguir con su carrera y explorar en los siguientes años nuevos caminos con resultado desigual: la deprimente historia retratada en Berlin, la ya mencionada (e insufrible) experimentación de Metal Machine Music, el retorno a la senda perdida en el soberbio Coney Island Baby, etc...

Puedes pulsar aquí para escuchar Transformer en spotify.

The Beatles según... Astrid Kirchherr

2012-01-24T09:00:00.019+01:00

Después de Stu, los que más me gustaban eran John y George. Luego, Pete Best. Él me gustaba mucho pero era muy, muy tímido. Podía ser divertido aunque nunca tuve demasiado contacto con él. Incluso en aquellos días solíamos olvidarnos de él. En realidad, era un mundo aparte.

Me resultaba difícil acercarme a Paul, pese a que siempre se mostraba muy amigable. Era el más popular entre las fans, desde luego. Siempre se encargaba de hablar con el público, de hacer las presentaciones y de firmar autógrafos. La mayoría de las admiradoras le consideraba el líder del grupo. Por supuesto, el líder era John. Él era el más fuerte. No quiero decir físicamente sino como personalidad.

Stu era el más inteligente. Creo que todos pensaban lo mismo. John, desde luego, que sí.

En cuanto a George, nunca pensábamos en su inteligencia cuando hablábamos de él. Sabíamos que no era tonto, pero era un chaval tan joven y encantador... Se mostraba afable y abierto con todo, como cuando se asombró de los bocadillos de jamón. Tenía muchas admiradoras. Jurgen tenía un rótulo que decía "I Love George". Fue uno de los primeros en inventar algo así. George y yo nos llevábamos de maravilla. Él nunca había conocido a nadie como yo antes y lo demostraba, abiertamente y con dulzura. No olvidemos que sólo tenía diecisiete años. Ahí estaba yo, el tipo de mujer inteligente con que nunca se había topado antes, con coche propio, trabajando como fotógrafa y llevando chaquetas de cuero. Es normal que le despertara un gran interés. Nunca me atrajo ni nada por el estilo. No se trataba de eso. Yo tenía cinco años más que él, por eso no importaba mostrarnos desenvueltos. Nos llevábamos muy bien.

Del libro The Beatles. Hunter Davies.

Slint - Spiderland

2012-01-21T09:00:00.123+01:00

Cuando eres más joven y estás descubriendo discos constantemente, te atreves con lo que te echen. Esas ganas de experimentar, al menos en mi caso, se han ido disipando con el tiempo y cada vez tengo menos ganas de probar algo que no mantenga la estructura clásica estrofa / estribillo. Por ejemplo, nunca me atreví con Ummagumma de Pink Floyd y me parece que moriré sin escucharlo completo. Prefiero eso a que ocurra lo contrario: escucharlo completo y morirme después. El caso es que mi dieta musical de unos años atras suele ser bastante convencional y sacarme del tiesto con canciones experimentales me cansa soberanamente. Quizá por eso no me entra Sigur Ros a pesar de todas esas recomendaciones que suelo leer en la prensa musical.

Soy un adicto a los rankings de todo tipo, como ya he dicho en varias ocasiones, y seguidor además del blog No Es Un Blog Habitual de Giancarlo Verástegui. En él hay listados tanto cinéfilos como musicales abarcando décadas completas. Yo me veo incapaz de hacer un simple ranking con la mejor música que he escuchado en 2011, por lo que la sapiencia cultural del propietario de ese blog me desborda por completo. De vez en cuando buceo en esos tops y un buen día terminé mis pasos en una entrada que finiquitaba un ranking con los mejores discos de los noventa. Arranque el emule y me bajé varios álbumes que pensé podrían interesarme. Giancarlo tiene el detalle de incluir el género musical al que pertenece cada álbum, por lo que puedo huir de discos que seguramente no casaran conmigo como el psych-folk o el slo-core.

Por cierto, esto de los géneros en el rock siempre me ha resultado tan fascinante como innecesario. En Rockdelux vi hace tiempo un gráfico detallado con los géneros creados durante la primera década del siglo XXI. Algún día escanearé el documento en cuestión y podréis ver las miles de ramificaciones que van creándose. ¿Quién le pone puertas al campo? No me cabe en la cabeza que haya gente inventándose etiquetas constantemente para definir tal o cual grupo. Me pregunto si los músicos lo tendrán en cuenta y seguirán a rajatabla los salmos impuestos por la prensa musical. Espero que no.

El caso es que en mi reproductor de mp3 cayó un álbum de post-rock sin que yo supiera bien que era aquello, Spiderland de Slint. Me gustaba la portada y ocupaba la posición nº 3 de aquel ranking sobre lo mejor de los noventa, tan sólo superado por OK Computer de Radiohead y Grace de Jeff Buckley. Su etiqueta no se me hacía muy extraña, ya que era rock a pesar de incluir aquello de "post" como prefijo. No me enteré de donde me estaba metiendo, hasta que en unos centros comerciales empezó a sonar el disco en cuestión por mis auriculares. Y lo más irónico es que a pesar de ser un álbum tan inusual, se ha convertido para mí en un verdadero hallazgo y ha roto con el convencionalismo en el que estaba tan a gusto desde hacía algún tiempo. Tampoco es cuestión de ser demasiado duro conmigo mismo, igual lo que escucho me parece convencional a mí, pero para otros puede no serlo.

Según la wikipedia, el post-rock hace énfasis en el trabajo instrumental, usando elementos propios del rock en progresiones armónicas que no son usuales para el género. Además, no hay voces cantadas, y si las hay, se usan como un instrumento más o en simples recitados. En cualquier caso, Spiderland es una auténtica gozada, más si previamente a darle al play te has tomado un café bien cargado. Entonces, me río yo de los efectos de las drogas duras (que no conozco, por cierto).

Hablamos de un álbum grabado por una banda en disolución que no tendría repercusión alguna cuando fue publicado, pero que años después sería reivindicado como precursor del ya mencionado post-rock (el término no fue acuñado hasta 1994 y el álbum salió tres años antes). Guarda pasajes cantados en temas como Breadcrumb Trail o Washer, por lo que como precursor del género no se rige aún por todas esas normas establecidas a posteriori. El disco está compuesto por tan sólo seis canciones, aunque no sabría recordarlas cinco minutos después de haberlas escuchado. Me fascinan sin embargo los pasajes instrumentales, los cambios de ritmo y esa voz fluctuante entre el recitado más inquietante y el grito desnudo. Hay una leyenda urbana que dice que uno de los componentes del grupo fue internado en un psiquiátrico después de grabar el álbum. Espero que siga allí.

Portugal. The Man: "SO AMERICAN".

2012-01-20T23:35:00.002+01:00

Tres discos: Ryan Adams, Death Cab For Cutie & Kate Bush

2012-01-18T09:00:00.000+01:00

Esta es una entrada para ajustar cuentas. No quiero que me ocurra como en 2010, que grandes discos como Shadows de Teenage Fanclub o The Suburbs de Arcade Fire se queden sin mención en el blog por dejar pasar el tiempo. No es mi Top 3 de 2011 ni nada por el estilo, tan sólo dedicar unos párrafos a tres álbumes que merecen la pena.

Ryan Adams - Ashes & Fire: A diferencia de lo que toda la prensa musical afirma, yo creo que Ryan Adams nunca llegó a marcharse ni a perder el rumbo. Ashes & Fire no es su mejor álbum desde Heartbreaker o Gold como muchos afirman, es la continuación lógica a discos como Easy Tiger o Cardinology. Su esperada nueva entrega no desbanca para mí a su mejor álbum hasta la fecha, el doble EP Love Is Hell. Eso si, Ashes &Fire contiene varias canciones que podrían considerarse lo mejor de su historia reciente. Estoy hablando, por ejemplo, de la solemne belleza de Do I Wait. Una canción sin parangón en sus discos anteriores que demuestra lo bien que le ha sentado el retiro de tres años. Tras Do I Wait nos damos de bruces con la epica liviandad de un tema como Chains Of Love. Quizá Ryan Adams haya aprendido por fin a dosificarse para que los críticos valoren como es debido la publicación de sus nuevos trabajos. Lo que si es recriminable desde cualquier punto de vista es la elección de Lucky Now como carta de presentación para el álbum. Además de los temas ya citados anteriormente, podría haberse decantado por temazos como Invisible Riverside, Dirty Rain o la propia Ashes & Fire, que da título al álbum.

Ryan Adams – Ashes & Fire en Spotify

Death Cab For Cutie - Codes And Keys: Desde The New Pornographers y discos como Twin Cinema o Challengers, no me había dado de bruces con un disco tan deliciosamente pop. Tan sólo se me ocurre el segundo álbum de Bon Iver como serio competidor para arrebatarle el puesto como mejor álbum de 2011 en mi ranking personal. Mis primeras escuchas a este álbum fueron el pasado verano tumbado en la playa y sin tener ninguna idea preconcebida sobre el grupo. Durante varias semanas, sonó una y otra vez en mi reproductor de mp3 hasta enamorarme totalmente. Mi canción favorita es sin lugar a dudas, y sin saber aún a día de hoy cual fue el single de presentación, You're A Tourist. Creo que coincido en ésto con el amigo Fran G. Lara de El Pais de los Sueños después de escuchar su podcast con lo mejor de 2011. El comienzo es de clásicazo pop con esa voz proclamando this fire grows higher y esa guitarra acompañando a la perfección. Destacar además el aroma ochentero de Undernearth The Sycamore, el ritmo marcial y solemne de Some Boys o la perfección formal, que me recuerda poderosamente a The New Pornographers, del tema que da título al álbum, Codes And Keys.

Death Cab for Cutie – Codes and Keys en Spotify

Kate Bush - 50 Words For Snow: Un álbum para escuchar frente a la chimenea mientras nieva tras la ventana de la pared de troncos. Resulta curiosa la evolución paralela que han mantenido Kate Bush y Peter Gabriel en sus últimos trabajos, más aún cuando es fácil recordarles abrazados en el hermoso videoclip de Don't Give Up. Sin embargo, donde Peter Gabriel fracasa, Kate Bush triunfa para arroparnos con la sobriedad instrumental de su nuevo álbum invernal. Wild Man fue un primer single que llamó poderosamente la atención de los medios. Es un tema soberbio que podría confundirse fácilmente entre sus grandes canciones de los ochenta. ¿Razones? Su innovación en la forma gracias a ese extraño estribillo y la arrebatadora musicalidad de sus frases recitadas en las estrofas. Snowed In At Wheeler Street, acompañada por Elton John, es junto a Wild Man el caramelo pop para ayudarnos a digerir mejor el resto del álbum, ya que los tres primeros temas capturan con fuerza esa temática invernal de la que ya hemos hablado. Snowflake en particular es una obra de arte en el contenido y en la forma, narrando la lenta caida de un copo de nieve durante 10 minutos. Para terminar, 50 Words For Snow hace un conteo bastante particular acerca de las cincuenta formas que tienen los esquimales para referirse a la nieve.

Kate Bush – 50 Words for Snow en Spotify

The Sound of Music (II): Vinilo vs CD

2012-01-15T08:30:00.000+01:00

Partamos de la base que quiero hablar aquí únicamente del sonido de un soporte y otro. Sé que hay quien valora más los vinilos por el ritual: sacar un disco de su funda (funda espectacular, grande ande o no ande, y no una cajita de plástico pequeña), limpiarlo con cuidado paternal, colocarlo en el plato, atinar con la aguja justo entre las dos canciones… No es eso. Tampoco quiero hablar aquí del componente sentimental que este formato pueda albergar para otros: eso es desde luego incuestionable al mismo tiempo que irrebatible. Me gustaría hablar simple y llanamente de sonido.

El tema es que cualquier melómano que se precie, entre los que no me incluyo yo precisamente por el tema que hoy nos ocupa, afirmará sin titubear el dogma de fe que dice que “el vinilo suena mejor que el cedé”. Y como dogma de fe que es parece ser que no precisa justificación alguna.

Huevos fritos en 3, 2, 1...

Bueno, alguna justificación sí que hay, por ejemplo que los graves suenan mejor en los vinilos que en los cedés. No estoy yo tan seguro, ya que precisamente es a bajas frecuencias donde el vinilo ofrece muchísimo más ruido que el compacto: por el roce de la aguja desde luego, pero también por las partículas de polvo que se adhieren a los surcos. Es ese ruido de huevos friéndose que a muchos les gusta pero que dista mucho de reproducir fielmente la grabación original, y es el que hace que los vinilos tengan menor rango dinámico que los compactos (65dB frente a unos 96dB).

El vinilo supera al cedé sin embargo en las altas frecuencias, ya que los compactos “solamente” reproducen hasta 22’05kHz. Esto realmente no debería ser un problema para prácticamente nadie: salvo rarísimas excepciones, los seres humanos adultos no podemos oír por encima de los 17kHz. Es decir, el cedé realmente puede perder sonidos… inaudibles para las personas. Hay quien opina que aunque no se oigan el oído humano sí que las percibe y transmite la “sensación” al cerebro, pero de todos modos parece ser que en los vinilos esos “sonidos” por encima de los 25kHz no suelen provenir de la grabación original (salvo contadísimas excepciones, como los ultrasonidos que los Beatles añadieron al final de A day in the life y experimentos así), sino que son producto del proceso de reproducción y conversión de la señal analógica a eléctrica.

Un problema real en los compactos es el que se conoce como error de cuantificación o ruido de cuantificación. La explicación resulta un tanto engorrosa y reconozco que no termino de entender por completo, pero a grosso modo viene a decir que en el proceso de conversión de la onda de analógico a digital aparece una distorsión constante e independiente del valor de la señal. Esta distorsión es mínima, pero con señales muy bajas se percibe claramente: no hay más distorsión con las señales mayores como cabría esperar, sino que tiene siempre el mismo valor y por lo tanto se percibe únicamente con señales muy muy bajas. Por lo visto esto se debe a los 16 bits de resolución de los estándares de compactos, aceptados como válidos por la industria pero que resultan insuficientes: por lo que he leído si se elevara por encima de los 20 bits situaría a los sistemas digitales por encima de cualquier medio analógico existente a nivel doméstico e igualaría, posiblemente, a los profesionales.

¿Lo sabías? Incluir una gráfica proporciona un 20% más de credibilidad

Hay alguna teoría con base científica más sobre deficiencias de los compactos, como la del denominado jitter: es un error de los tiempos de lectura del cedé, que no lee toda la información de manera continua sino con pequeños saltos. Esto tendría cierta validez de no ser porque para el audio digital el valor del citado jitter es de 22,67 µs (millonésimas de segundo). Os reto, os reto dos veces: si hay alguien que sea capaz de percibir un error de 0’000022 segundos en una señal de sonido lo invito a una mariscada (salvo a Homer Simpson). En cualquier caso, para admitir este “fallo” habría que compararlo con la precisión que pueda tener el mecanismo de giro del plato, muchísimo menos fiable sin duda. Por cierto, un hándicap del vinilo que casi nunca se comenta: los últimos temas de cada cara tienen "menos resolución" que los del principio, puesto que la lectura de los últimos se hace en menos longitud de surco ya que el radio de giro es menor y la velocidad de giro constante; esto en los cedés no pasa: se leen de dentro hacia fuera y la velocidad de lectura es siempre constante.

Hay otro aspecto muchas veces esgrimido pero ajeno al soporte, y es el de la calidez del sonido. Supuestamente el vinilo tiene un sonido más cálido y agradable que el cedé, cuyo sonido es más frío y metálico. Hay quien dice que el sonido frío del compacto es porque realmente no estás oyendo la grabación original, sino una representación de ella construida a base de ceros y unos (eso es lo que en mi pueblos se llama no tener ni idea y soltar lo primero que se te pasa por la cabeza). Tan solo aclarar que no es tanto el soporte el que proporciona esa cualidad sino el equipo de amplificación y los armónicos pares e impares (los que toquen la guitarra eléctrica saben de qué va el tema): hace años los amplificadores eran de válvulas, que proporcionan unos armónicos que al oído humano efectivamente suenan más agradables; con el paso del tiempo los amplificadores pasaron a ser de transistores y los armónicos que generan suenan más fríos.

Y bueno, luego están las teorías de difícil justificación. Son esas que, escudándose teóricamente en el aspecto sonoro, albergan unas perlas tales como la llamada “Teoría Neil Young”, porque fue precisamente él (loado sea, por otra parte) quien la enunció y dice algo más o menos así: el compacto nos permite percibir absolutamente todos los detalles de una canción y por eso nos da la impresión de que suena mejor, pero poco a poco, con sucesivas escuchas, tal “exceso de información” satura y cansa al cerebro y hace que no queramos volver a escuchar esa canción nunca más. En fin…

Dos por uno: suenan mejor y ahuyentan a las palomas

Y siguiendo el hilo de Neil Young, me pregunto: ¿a alguien le parece que la alta definición haya sido perjudicial para el cine? ¿Alguien diría que por tener más claridad y detalle, las películas actualmente se vean peor? Recuerdo que el director Christopher Nolan comentaba a propósito de rodar en IMAX (formato aún mayor que los 35mm de cine y con mucho más detalle) que lo que más le costaba era camuflar y esconder los trucos y/o efectos especiales, porque con tanta definición se ve “todo”. Pues bien, llevándolo al terreno de la música incluso eso no lo veo como algo negativo, porque no sólo me parece que a mayor fidelidad obviamente se oye mejor, es que incluso poder escuchar los “fallos” me parece que tiene su encanto: me gusta cuando uno puede oír deslizarse los dedos por las cuerdas de la guitarra, o cuando la batería se “cuela” por un canal que no es el suyo.

¡Ah! Y por aquí nos llega algo más en lo que el compacto mejora al vinilo: el estéreo es mucho más nítido y perfecto en el formato digital, puesto que separa los canales con total precisión. En el vinilo se consigue con la vibración de la aguja en dos direcciones, y al ser un proceso mecánico no es totalmente perfecto ya que es imposible que una vibración en una dirección no produzca una leve vibración en la otra y viceversa. Además, siguiendo con la aguja: cada roce en los surcos del disco produce un leve pero apreciable desgaste en la superficie, perdiéndose principalmente las altas frecuencias de las que hablamos un poco más arriba. Por tanto puede decirse que el disco compacto es un formato mucho más durable e inalterable que el vinilo, ya que el proceso de lectura no es destructivo.

En resumen: el disco compacto es un formato que proporciona mayor fidelidad, durabilidad y mejor relación señal/ruido. Cualquier ventaja que quiera atribuirse al vinilo sobre el compacto responde principalmente a motivos sentimentales y no relacionados con la calidad del sonido, a excepción de que se invierta una gran cantidad de dinero en el equipo (principalmente en el equipo de amplificación, como ya comentamos anteriormente). En un mismo equipo de música sonará mejor el compacto que el vinilo. Por tanto, para el 98% de las personas y canciones, el cedé es un formato objetivamente mucho mejor.

Aún así, habrá quien diga: pues mis vinilos me siguen sonando mejor que los cedés, y la verdad es que no le falta razón. Pero si hemos visto que prácticamente cualquier argumentación basada en el formato es totalmente insostenible, ¿a qué se debe?

En la próxima entrada trataremos sobre Mezclas, masterizaciones y remasterizaciones. Si queréis claro.

El día que llamaron Judas a Dylan

2012-01-12T09:00:00.008+01:00

Hablamos de aquel momento histórico en el que se escucha a un espontaneo llamar Judas a Dylan durante su gira por tierras británicas en el año 1966. Ese momento se haya recogido en el bootleg oficial Live At The Royal Albert Hall y es archiconocido por cualquier persona que se haya acercado minimamente a la obra de Bob Dylan.

Pongamonos en antecedentes, no quiero dar demasiadas cosas por supuestas. Ya hablamos hace mucho tiempo de la evolución de Bob Dylan como músico folk a eléctrico gracias al documental Live At The Newport Folk Festival 1963-1965, aunque aquella vez sólo nos limitamos a plasmar un resumen de lo visto en el documental sin pararnos a hacer juicio de valores. Es importante hacer hincapíe en la traición que para los puristas folk supuso el cambio de Bob Dylan a la guitarra eléctrica después de enamorar a propios y extraños con sus ya clásicas canciones folk de su primera etapa. Al igual que ocurre con muchos grupos de los sesenta, la evolución de Dylan desde solitario cantante folk hasta escudarse con una potente banda eléctrica a sus espaldas como los Hawks se produce de forma gradual y evidente a traves de sus discos. Ya me gustaría ver a muchas bandas actuales avanzar paso a paso como lo hacían aquellos músicos de los sesenta. No sé, esa busqueda del camino propio en lo musical que podemos ver en los Beatles o en Bob Dylan si echamos un vistazo global de su obra les da un aura de autenticidad que ayuda mucho a admirarlos más aún. Las bandas actuales van a saltos entre un género y otro, su idea de evolución es romper radicalmente con lo anterior para darse después el batacazo porque no dan pie.

A lo que iba, Bob Dylan se vuelve eléctrico no antes de evolucionar peldaño tras peldaño, pasando de la canción protesta a la temática romántica y menos trascendental con Another Side Of. Bringing It All Back Home supone un álbum de compromiso en el que satisface por igual a sus antiguos seguidores, ofreciendo además el nuevo enfoque que quiere dar a su música. ¿Porque decide volverse eléctrico? Lo admirable de esta decisión, visto en retrospectiva, es no acomodarse en el gran status que había alcanzado a principios de los sesenta. Bob se había erigido como el nuevo mesias del folk estadounidense y había llamado la atención en otros paises con tan sólo dos álbumes de estudio. Fue recibido con los brazos abiertos por la vieja guardia y había usado su discurso para renovar el género, atrayendo a la juventud de los sesenta. Podría haber continuado sacando un disco tras otro perpentuándose y desgastando su propia formula. Es más, no sería difícil imaginar una trayectoria paralela a la oficial con los mismos temas ya conocidos en formato folk.

Puede que esa sea la diferencia entre el genio y el resto de músicos de una generación. Hay que creer mucho en lo que se está haciendo y guardar mucha confianza en uno mismo para agarrar la guitarra eléctrica y aparecer en un festival folk tan afianzado como el de Newport. De hecho, considero su aparición en Newport de 1965 como más trascendental que aquel Judas lanzado por el público durante aquel concierto del Free Trade Hall de Manchester. Sin embargo, aquella sencilla catarsis puntual de alguién del público ha quedado para el imaginario colectivo como el simbolo de la oposición entre Dylan y su público a mediados de los sesenta. Resulta simbólico porque en retrospectiva la pose de Dylan de píe en el escenario, escudado por Robbie Robertson y Rick Danko, se nos antoja heróica frente a un público que aún no sabe lo que tiene frente a él. Estoy seguro de que muchos dylanitas que se jactan ahora de serlo habrían mostrado el mismo rechazo en esos conciertos. En cualquier caso, lo admirable es mantener tal visión de futuro en lo musical y oponerse frontalmente a un público que clama por mantener la tradición, tu propio público. Más aún cuando el tiempo terminaría por darte la razón y, aquellos que te abucheaban en 1966, se rendirían a tus pies ocho años después, cuando Dylan y The Hawks (transformados en The Band) ofrecerían conciertos similares en 1974, saliendo triunfantes como no hubieran imaginado años antes.

Aquel que clamó Judas entre el público capturo en un instante y sin proponerselo toda la lucha que Dylan mantenía con sus seguidores. Por cierto, dos personas reclaman la autoría de ese grito: Andy Kershaw y un tal John Cordwell. Alguién miente, aunque poco importa a estas alturas, ya que ambos estan muertos. La electrificación de alguién como Bob Dylan ha dado para documentales de cuatro horas, así que es imposible negar la importancia de tal cambio en la cultura popular. En primer lugar, nos encontramos ante una figura de primera línea que decide abordar un nuevo género. Si lo hubiera hecho Phil Ochs, poco habría importado. Sin embargo, que alguién con una carga intelectual como Dylan se pase al rock trae consecuencias tan capitales que resulta inconcebible imaginar lo que habría sido del género sin su influencia. Dicen que gracias a Bob Dylan, el rock se intelectualizo y evolucionó a su actual estatus artístico. Si no hubiera sido por Another Side Of, los Beatles no habrían encontrado el camino desde Help! a la sofisticación de Rubber Soul. Si los Beatles aportaron el sentimiento, Bob fue la mente del rock.

Y luego me pongo a pensar y, como fan, poco me importa en retrospéctiva aquel giro radical en su carrera. Admiro a Bob Dylan como compositor, me parece el único junto a David Bowie, que puede rivalizar de tú a tú con el tandem Lennon /McCartney. Es decir, me parecen tan soberbias My Back Pages de su etapa folk como Like A Rolling Stone del Highway 61 Revisited. De un mismo disco como Bringing It All Back Home, siento tanta devoción por Gates Of Eden como por Subterranean Homesick Blues. Esa evolución de Dylan, espoleada por los Beatles según sus propias palabras, no resulta tan impresionante en su sonido como ocurrió con el cuarteto de Liverpool por la misma época. Bob impregnó sus temas con una fuerte base de blues, aunque esas canciones habrían sido igual de buenas si las hubiera tocado tan sólo con una guitarra desenchufada. Es más, siempre he pensado que Highway 61 Revisited abusa demasiado de aquel sonido eléctrico que acababa de encontrar. Canciones como Ballad Of A Thin Man, Queen Jane Approximately o Desolation Row habrían ganado más puntos si se hubieran tocado de una forma más liviana. Blonde On Blonde guarda un equilibrio mucho más justo en cada tema y es, por ese motivo, uno de mis discos favoritos.

Ante aquel Judas!, Dylan se revuelve y clama I don't believe you! You're a liar. Play It Fucking Loud! Alza una mano para dedicarla al público y al instante empiezan a sonar los estallidos de batería, que como una metralleta en esta versión de Like A Rolling Stone, derribarán prejuicios por doquier. El resto, es historia.

The Sound of Music (I)

2012-01-09T08:30:00.002+01:00

No, no es lo que parece, no vamos a hablar aquí de Fräulein Maria ni de las habilidades músico-vocales de la familia Von Trapp, ni de Joy Division. He usado ese título porque es precisamente de lo que quiero hablar en estas entradas: de cómo suena la música que escuchamos.

La idea surgió viendo el documental Lemmy, la película, sobre la figura del mítico líder de Motörhead. En cierta escena acude a la mítica Amoeba Music para comprar la edición remasterizada en cedé de la discografía de los Beatles (edición mono, para más señas); tras pagar tiene una breve conversación con la dueña de la tienda quien le dice que le va a encantar, que suena genial. "Así es como tienen que sonar" responde Lemmy, "el sonido original". Y bueno, reflexionando sobre eso empecé a tirar del hilo, una cosa llevó a la otra, el artículo iba creciendo, y me encuentro ahora con que lo he acabado dividiendo en tres entradas que versan sobre sendos temas. A saber:

- Vinilo vs CD
- Mezclas, masterizaciones y remasterizaciones
- La guerra del volumen

Huelga decir que no se van a tratar aquí cuestiones físicas o excesivamente técnicas sobre acústica: porque no es el lugar (seguramente habrá veces que aquí hayamos aburrido con nuestro material, pero no hasta el punto de querer soltar ecuaciones ni gráficas de onda), pero sobre todo porque servidor no da para tanto. Es más, muy probablemente en algún caso cuele algún dato erróneo o falso, porque repito que no domino suficientemente el tema. Por ello agradecería no solo que quien quiera dé su opinión al respecto (as usual), sino que además quien disponga de conocimientos o información sobre los temas que se van a tratar aporten luz cuando les sea posible.

Espero que el tema sea de vuestro interés. Nos vemos en la próxima entrada.

Andrew Bird - A nervous tic motion of the head to the left (live)

2012-01-06T08:30:00.001+01:00

Passion For Acoustics - Watching The Wheels

2012-01-03T09:00:00.027+01:00

El catálogo beatle se ha expandido contra todo pronóstico durante la última década con varios álbumes, algunos muy criticados, pero casi todos esperados por los fans del grupo. Ha habido lanzamientos muy acertados, como aquel Let It Be... Naked de 2003 o la discografía remasterizada al completo de hace dos años, pero también otros que dejaban mucho que desear, como el innecesario recopilatorio 1 o aquel horripilante álbum llamado Love que hacía una indigesta mezcolanza de canciones de los Fab Four auspiciada por George Martin y su hijo Giles como BSO para Le Cirque Du Soleil.

El catálogo de Lennon tampoco ha estado libre de malas decisiones, teniendo en cuenta además que su obra en solitario resulta raquítica para vivir de sus rentas durante tantos años como pretende su viuda. Lennon estuvo inactivo más de la mitad de su breve carrera en solitario y los dos últimos trabajos que publicó antes de aquel retiro de 1975 para cuidar de su hijo Sean, salieron al mercado por requerimientos judiciales o contractuales. Grabó el álbum Rock'N'Roll por un acuerdo judicial debido al evidente plagio de Come Together/You Can't Catch Me, mientras que con el recopilatorio Shaved Fish se libraba del álbum que le debía a Capitol por contrato discográfico.

Todos los recopilatorios posteriores que se han ido publicando tras la muerte del músico, hacían uso de casi todos los temas de Shaved Fish y abuso de las canciones de Double Fantasy con el objetivo de completar un recopilatorio debidamente durante la era del CD. The John Lennon Collection, por ejemplo, contiene un 40 % de canciones del Double Fantasy, dejando el 60 % restante para singles y canciones publicadas antes de 1974. El resto de recopilatorios posteriores suelen mantener el mismo esquema.

Tampoco hay mucho más donde escoger, y Yoko Ono debería darse con un canto en los dientes por la gran calidad de los temas que su marido aportó para Double Fantasy (tan sólo el tema Clean Up Time se libra de aparecer en recopilatorios). El escualido catálogo de la carrera de Lennon da pocas opciones a su viuda, aparte de la publicación de Greatest Hits periódicos para continuar explotando el mito. Se han publicado antologías, a semejanza de lo que hicieron los Beatles a mediados de los noventa, y varios documentales, algunos de ellos redundantes entre si, como aquel Imagine de 1972 y Gimme Some Truth del año 2000. Casi todos los fans de los Beatles protestamos por el poco amor que la japonesa suele demostrar hacia el legado de Lennon, aunque también hay que reconocer que dicho legado está en los huesos desde hace varias décadas. No queda prácticamente nada inédito, y lo que no se ha publicado a estas alturas debe ser de muy poca relevancia.

El año pasado, debido al trigésimo aniversario por la muerte de Lennon, el blog Plasticos y Decibelios publicaba un artículo bastante duro sobre los últimos días de Lennon (click aquí). En él, se daban datos algo pesimistas sobre las capacidades de Lennon para componer después de su retiro de cinco años. Esta información contrasta con el asombroso nivel que el ex-beatle demostró en las canciones para Double Fantasy. En dicho artículo se usaron tres de sus últimas canciones para mostrarnos los temores que John tenía tras su vuelta al negocio discográfico. Hay que tener en cuenta que Double Fantasy no despegó en las listas de éxitos hasta después del asesinato del músico. Lennon por su parte, siempre fue muy autorreferencial en su obra en solitario, por lo que las hipótesis de Julian Ruiz pueden guardar mucho de verdad. Resumiendo el extenso artículo, podemos extraer que un tema como You Save My Soul deja entrever dos escalofriantes intentos de suicidio por parte del propio Lennon durante los setenta, mientras Dear John y Help Me To Help My Self se destapan como dos composiciones de autocompasión ante los pasados éxitos con los Beatles y la encrucijada en la que se veía el propio Lennon tras el escaso éxito inicial de su vuelta al mundo discográfico con Double Fantasy. Leed el artículo, porque resulta sorprendente.

Después de esta retahila hablando sobre legados y legajos, toca el álbum del que vamos a extraer la versión acústica de Watching The Wheels: Acoustics de 2004. Quizá el disco más criticado por todos los fans de Lennon. Incluso partidarios de Yoko Ono (que haberlos, haylos) asumen que este disco está diseñado con el objetivo de sacar los cuartos al fan de los Beatles y al mitómano medio. Yoko pensaría que si el unplugged estaba tan de moda durante la segunda mitad de los noventa, ¿por que no iba a publicar ella su desenchufado particular de Lennon? El proyecto en concreto tiene dos pegas que se ven a leguas. En primer lugar, varios de los temas publicados en Acoustics habían aparecido ya en el Lennon Anthology de varios años atrás. Por otro lado, se ve que tuvieron que rebuscar bastante para completar este particular unplugged, ya que la calidad de los temas no es muy homogénea. Se cuelan temas de directo, demos caseras y de estudio... así que, igual escuchas una reverberación horrible en la voz que te sorprendes con aplausos entre corte y corte. Un disco por compromiso en toda regla con una de las peores portadas del catálogo de Lennon.

Finalizamos hablando del tema que anunciábamos en el título de la entrada: Watching The Wheels es quizá la última gran canción de la carrera del músico. Sobresale de entre los temas de Double Fantasy, ya que, además de ser una soberbia composición, resume perfectamente los últimos años de Lennon cuidando de su hijo. En un foro de los Beatles escuché decir a alguién que Watching The Wheels era más representativa de la carrera de Lennon en solitario que la propia Imagine. Si Imagine era un tema que hablaba de sus ideales y compromisos con la sociedad como figura pública, Watching The Wheels resumía su actitud ante la vida de una forma más auténtica e intimista. La versión que escuchamos de Watching The Wheels aparece en este Acoustics y nos ha servido para soltar toda esta parrafada sobre Yoko Ono, el legado de Lennon y sus últimos años.

The Beatles según... Lemmy

2011-12-31T09:00:00.010+01:00

Si te atreves, llévale la contraria a Lemmy

Mis influencias son las mismas que cuando tenía 20 años, lo primero que escuchas y te impacta se queda contigo: Little Richard, Elvis, The Beatles... Nunca vas a escuchar algo mejor que eso.
La primera vez que vi a The Beatles fue en Liverpool, todavía no habían sacado ningún disco. Fue mágico... ellos eran mágicos. Yo vivía en un pueblo de vacaciones en Gales, y veía a todas estas chicas que venían de Liverpool y que estaban locas por un cantante llamado Billy Fury, y de un año para otro todo cambió: hablaban todo el tiempo de The Beatles, así que decidí ir a Liverpool haciendo autostop para verlos. Estuvieron perfectos.
Todos dicen que los Stones eran los duros, y los Beatles los blandengues, pero era al revés: los Beatles son de Liverpool y los pijos de los Stones de Londres, iban a la escuela de arte... Así que era totalmente al revés.
Los Beatles siempre han sido la mejor banda del mundo.

Lemmy comprando en Amoeba Music los cd's de los Beatles remasterizados (finalmente compró la caja mono, no la estéreo)

Conversación entre Lemmy y su hijo Paul:

Paul: Mi madre conocía a los Beatles, ¿no?

Lemmy: Oh, sí. Ella salía con John Lennon. Seguramente lo "usaba" para llegar a Paul McCartney.

Paul: No, ella perdió la virginidad con Lennon, eso fue lo que me contó mamá. A George le gustaba ella, la observaba tímidamente cuando ella pasaba a su lado. Pero ella no estaba interesada en George, y tal vez debería haberle prestado atención, seguramente habría durado más tiempo que con John.

Lemmy: No duró mucho con John, ¿no?

Paul: No, no duró.

Lemmy: Pero ella siempre hablaba de eso, le gustaba. Te cuento: ella iba detrás de Paul, no de John. Ella debía pensar en Paul cuando estaba con John. Seguro que una vez le dijo "Paul" y por eso la dejó.

Del documental Lemmy, la película.

Teenage Fanclub - Songs From Northern Britain

2011-12-28T09:00:00.008+01:00

Teenage Fan Club se convirtió en uno de mis grupos de cabecera después de que, tras salir del concierto que Bob Dylan dió en Jerez, un buen amigo me regalara un CD con todos sus discos de estudio hasta la fecha. Hasta entonces, sólo les había escuchado Badwagonesque y no me había convencido. Sigue sin convencerme, lo considero un álbum sobrevalorado. Nunca me enganchó, al contrario de lo que ocurrió con la obra posterior del grupo. Aunque Badwagonesque es considerado su obra cumbre, yo lo considero más bien un álbum de transición en el que aún estaban pasando del duro sonido de su primer disco a la sofisticación armónica de sus trabajos posteriores.

Me gustan Teenage Fanclub por ese positivismo que despliegan en su música. Es imposible escuchar uno de sus álbumes sin encontrar tres o cuatro canciones que te retrotraen a días soleados, comidas en el campo o arroyos cristalinos. Siento ponerme tan poético, pero es así.

Tengo claro cual es la obra maestra del grupo, el álbum al que precisamente vamos a dedicar esta entrada. Songs From Northern Britain es heredero directo del gran legado de los Byrds y el trabajo más brillante que Teenage Fanclub haya publicado hasta la fecha. Los tres compositores de la banda nunca habían estado tan inspirados, sucediéndose un luminoso tema tras otro hasta llegar a la nota final del último tema. Después de este enorme trabajo de 1997 han publicado grandes discos sin volver a alcanzar este asombroso nivel, dicho todo esto sin menospreciar sus discos posteriores y más recientes, que nunca me canso de escuchar una y otra vez.

El álbum abre con la acertada Start Again, el primer tema que ya pone sobre la mesa la deuda que Teenage Fanclub contrae con The Byrds. El sonido de la guitarra y, sobre todo, las armonías de las voces, afirman con rotundidad que este grupo fue el alumno aventajado de Dr. Byrds And Mr. Hyde en los noventa. I Don't Want Control Of You es otro delicioso tema de exuberantes melodías, me parece uno de los mejores temas del álbum en dura pugna con otro que comentaremos más adelante. Ya en la segunda cara del álbum, nos encontramos con otra composición de Norman Blake al mismo nivel que los cortes ya mencionados, Winter.

Por cierto, hasta ahora sólo hemos nombrado temas de Blake y podría suponerse que el éxito del grupo se debe a las capacidades de este hombre en exclusiva. Nada más lejos de la realidad, ya que tanto Gerard Love como Raymond McGinley pueden rivalizar con él de igual a igual como compositores. Gerard Love se sale con Ain't That Enough, el segundo corte del álbum que rivalizaría con I Don't Want Control Of You como mejor canción de Songs From Northern Britain. Take The Long Way Round es otra de sus magistrales composiciones en la cara B.

Resulta increíble lo homogéneo que resulta este álbum, que presenta sus temas en un apabullante bloque compacto a pesar de estar confeccionado por tres personas distintas. McGinley se descuelga con Can't Feel My Soul, un interesante tema que mantiene el nivel entre los cuatro primeros temas del disco (siempre he pensado que esos cuatro primeros cortes atesoran lo mejor de Songs From Northern Britain). Destacar para terminar, la acústica y preciosista Your Love Is The Place Where I Come From, otra canción de McGinley de bella cadencia y armonías que despunta entre los últimos cortes del álbum.

En resumen, Songs From Northern Britain es el álbum perfecto para iniciarse con Teenage Fanclub. Un disco donde cristalizan las melodías y el legado Byrds, además de la madurez de los tres compositores principales de la banda.

Top Ten Beatles Songs - Nº 04: Something

2011-12-24T10:30:00.003+01:00

A punto de llegar a la zona de medallas, nos encontramos con la primera (y única) canción de George Harrison en el ranking. Una posición bastante digna para alguién que no se había planteado componer canciones durante los inicios del grupo, pero que poco a poco fue adquiriendo tablas hasta superar a sus inalcanzables compañeros.

Something fue la primera cara A de Harrison en un single de los Beatles y, además, por pleno derecho. Lennon la reconocía como el mejor tema de un álbum como Abbey Road y, pasados los años, se ha convertido en nada menos que la segunda canción más versionada de los de Liverpool (tan sólo Yesterday llega a superarla).

Aunque Something terminó apareciendo en Abbey Road, Harrison la compuso en un descanso durante las grabaciones del White Album. George se inspiró para el arranque de su nuevo tema en una canción de James Taylor titulada Something In The Way She Moves. Taylor era por entonces otro de los músicos apadrinados por Apple, ese sello discográfico con intenciones filantrópicas que terminó por convertirse en uno de los mayores quebraderos de cabeza para los Beatles en sus últimos años. McCartney fue el que actúo como cazatalentos para el fichaje de James Taylor por mediación de su entonces futuro cuñado Peter Asher, implicándose en cierta medida junto a Harrison en la grabación del primer álbum del cantautor publicado en 1968 (aquel en el que aparece la canción ya mencionada que inspiró a George). Según Ian McDonald:

Harrison y el publicista Derek Taylor tenían una broma recurrente. Cada vez que alguno de los dos tenía una idea, decían sarcásticamente "Ésta podría ser la buena". Something, compuesta al piano a mediados de 1968 en Abbey Road, durante un descanso de las grabaciones de The Beatles, se convirtió realmente en la buena para Harrison. [...] Según Harrison, el cálido y suave suspiro semitonal de la estrofa/estribillo, con la letra sacada, sin pensar, del título de una canción de James Taylor, surgió con facilidad. La parte intermedia, en cambio, tuvo que esperar a encontrar el camino del La mayor en vez de regresar al Do inicial, y para entonces parece que la inspiracion lírica empezaba a flojear.

Aquí no puedo estar más en desacuerdo con el bueno de Ian, ya que Something es para mí perfecta en todas sus partes. La parte intermedia, que aquí es calificada como poco inspirada, resulta uno de los momentos más apasionantes en la última etapa de la carrera de los Beatles. Y digo ésto ahora cuando Something no era precisamente uno de mis temas favoritos en las primeras escuchas que le dediqué a Abbey Road. Deslumbrado con apenas dieciseis años por el fabuloso medley de la cara B, recuerdo que se me hacía algo aburrida. Bastantes años después, coincido con Lennon en que Come Together y Something son lo mejor de Abbey Road. No quiero desviarme mucho del tema, pero Come Together me parece una canción tan revolucionaria como Tomorrow Never Knows, mientras Something se alza como una de las canciones de amor más bellas jamás escritas. Harrison era un compositor serio y en raras ocasiones dejaba escapar su vena romántica como llegó a hacer en Something.

Revisando el cancionero de Harrison dentro de los Beatles, resulta extraño encontrarle tan pocas canciones dedicadas al amor: If I Needed Someone, I Want To Tell You, I Need You, Long Long Long, Something y para de contar. George podía descolgarse con una canción sobre una aburrida espera (Blue Jay Way), críticas a la sociedad (Piggies, I Me Mine), cantos a la llegada del verano después de un intenso invierno (Here Comes The Sun) o incluso una caja de bombones (Savoy Truffle), pero sus canciones dedicadas al amor pueden contarse con los dedos de una mano.

Grabada tras un intento fallido el 16 de abril en cinco sesiones muy separadas, Something llegó a durar casi ocho minutos, debido a un extenso apéndice instrumental que luego fue suprimido. Durante el proceso hubo tiempo de sobra para replanteamientos, y Starr y McCartney aprovecharon la ocasión para adornar o mejorar sus partes.

Ian McDonald afirma que el bajo de McCartney resulta en la canción demasiado sobrecargado. Harrison pensaba lo mismo y, años más tarde, lo afirmó sin medias tintas siempre que hablaba de la canción. Vuelvo a discrepar. Creo sinceramente que el bajo de McCartney en Something es una de sus mejores interpretaciones al instrumento dentro de los Beatles. Es más, hay momentos en los que el bajo roba todo el protagonismo al resto de los instrumentos.

Vídeo grabado con el bajo aislado en el altavoz izquierdo. Si inhabilitáis el derecho, lo escucharéis claramente.

Por cierto, el extenso apéndice instrumental que menciona Ian McDonald en el párrafo anterior fue liderado por Lennon al piano y daría lugar posteriormente a Remember, una de las canciones del soberbio álbum Plastic Ono Band. No me importaría escuchar algunas de esas tomas de 8 minutos de Something.

Por último, si hace algún tiempo citabamos a Jane Asher como fuente de inspiración para For No One, no podíamos terminar la entrada sin mencionar en esta ocasión a Pattie Boyd por el mismo motivo. Esposa de George Harrison desde 1966, aportó con toda seguridad la inspiración necesaria para dar forma a la letra final de Something.

Something es la cúspide de los logros de Harrison como compositor. Carente de sus habituales armonías amargas, despliega una estructura tonal de gracia clásica y efecto panorámico, apoyada por la contramelodía de viola y violoncelo, y los delicados violines en pizzicato, durante la parte intermedia, con arreglo de George Martin. Si McCartney no tuvo celos, debería haberlos tenido.

21 Japonesas - Tiempo Reservado a la Locura

2011-12-22T09:00:00.002+01:00

Después de Waterloo Sunset de los Kinks, me descuelgo con una oscura canción de 1994 del grupo 21 Japonesas de Txetxo Bengoetxea. Las cosas surgen como surgen y reencontrarme en spotify con esta bellísima canción de mediados de los noventa no podía quedarse sin su entrada en el blog. Es la única canción que le conozco y tengo un vago recuerdo de haberlo intentado con alguno de sus discos, pero me da que no llegó a convencerme demasiado lo que pude catar. Esta canción en concreto es genial y, aunque Txetxo Bengoetxea haya terminado componiendo para Ana Torroja después del poco éxito de 21 Japonesas, no deja de sorprender el asombroso nivel que demostró puntualmente con este tema.

Golpes Bajos - Golpes Bajos EP / A Santa Compaña

2011-12-19T09:00:00.001+01:00

El verano pasado me obsesioné bastante con la música de Golpes Bajos, el grupo en el que comenzaron sus carreras German Coppini y Teo Cardalda. No me veía con capacidad para escribir una entrada sobre ellos, pero voy a intentarlo ahora para atestiguar de alguna forma mi pasión por su música. De hecho, ahora que termina el año, el EP Golpes Bajos y el álbum A Santa Compaña son en retrospectiva lo mejor que he escuchado en 2011. Que cosas.

¿Porqué me da ahora por escuchar a esta gente? Todo vino por descubrir en una página web el Top 100 que Rockdelux había publicado hacia años con los mejores discos nacionales de la historia. En una posición que ni era buena ni mala (el nº 36) se encontraba A Santa Compaña, el único LP que publicaron como grupo el año 1984.

La única referencia que tenía sobre ellos hasta hace poco era el vago recuerdo de la reunión que Coppini y Cardalda habían fraguado durante el año 1997 y que terminó con la publicación de un nuevo álbum de directo en el estudio recordando viejas glorias (era la época de los acústicos, cuando Revolver/Carlos Goñi los puso de moda). Yo tenía 18 años y recuerdo la impresión que me causaron temas como Malos Tiempos Para La Lírica o No Mires a los Ojos de la Gente. Por simple curiosidad, y deseando descubrir por fin qué se escondía detrás de esa misteriosa portada, me lancé a escuchar A Santa Compaña durante el verano pasado. La primera en la frente, ya que las canciones que he nombrado y que recordaba de 1997 no aparecían en este disco. Sin embargo, esa decepción se vio mitigada por el descubrimiento de nuevas canciones que no me cansaba de poner una y otra vez.

A Santa Compaña es un álbum arrebatador, donde encajan tan bien elementos tan dispares que no hay otra que dejarse llevar. Esos ritmos latinos en algunos temas, los excelentes textos de Coppini interpretados con esa voz tan personal y, lo que es más importante: las canciones, que podríamos atribuir al dúo formado por Cardalda y Coppini, aunque me da la impresión de que Cardalda llevaba en la sombra la mayor parte de esa responsabilidad. Digo todo esto, teniendo en cuenta que Teo Cardalda era claramente el músico con mayúsculas en Golpes Bajos y, aunque su dúo con Maria Monsonis llamado Complices no quiere reivindicarlo nadie a estas alturas (algo que me parece incomprensible), es innegable que fue el miembro de Golpes Bajos con mayor éxito comercial posterior al grupo. He leído comentarios en youtube donde se exalta la carrera en solitario de German Coppini y se derriba por sistema la obra posterior de Cardalda. Suele ocurrir en estos casos, confundir actitud con aptitud musical. No es la primera vez que pasa, y si no que le pregunten a Lennon y McCartney.

Mi canción favorita es la que le da título al disco. A Santa Compaña es una canción que, de siniestra, da vergüenza ajena en las primeras escuchas, pero que gradualmente se convierte en un temazo. Además, esa temática de mitología rural siempre me ha dado escalofríos y hay que reconocer que Coppini resume perfectamente todo lo referente a esa comitiva de almas que vagan de noche en los bosques gallegos. Colecciono Moscas, por su parte, hace de esas letras totalmente locas una feroz crítica a la sociedad (o vete tú a saber) y Cena Recalentada resulta una excelente composición que, además, juega una baza oculta para los de mi generación, ya que no pocos recuerdan haber visto el vídeo alguna que otra vez en La Bola de Cristal. Escenas Olvidadas es un genial arranque para el álbum, otra gran canción que hace de un defecto una virtud: esos ritmos latinos que chocan en un principio, se echan de menos si no aparecen (la versión de Escenas Olvidadas para el Vivo de 1997 parece desangelada sin ellos). Finalmente, y no menos importante, mencionar un corte como Hansel Y Gretel. Antes hablabamos de la capacidad compositiva de Teo Cardalda, pero sin las letras de Coppini Golpes Bajos no serían ni la mitad de buenos de lo que fueron. El todo vuelve a ser mayor que la suma de las partes.

En una entrevista que podéis ver en youtube para La Edad de Oro con Paloma Chamorro puede verse a dos imberbes Coppini y Cardalda hablar sobre sus influencias y sus expectativas de futuro como grupo. A su lado, Jesús Ordovas no puede ocultar su pasión por la música que el grupo dio a conocer en una timida maqueta. Decía aún incrédulo que de una maqueta pueden gustarte dos o tres temas, pero no en su totalidad como ocurrió con Golpes Bajos. En esa entrevista puede intuirse lo creído que se lo tenía la Movida Madrileña a principios de los ochenta, donde se afirmaba sin medias tintas que Golpes Bajos podría ser el único grupo de fuera de Madrid que podría medirse con las mejores bandas de la capital.

En ese momento, la única prueba de la excelencia de la música del grupo vigués era un EP llamado Golpes Bajos. No Mires A Los Ojos De La Gente y Malos Tiempos Para La Lírica, dos de los cinco temas del EP, han sido considerados por varias publicaciones entre las 50 mejores canciones de la historia del pop español. Poco queda por decir sobre estos clásicos más que conocidos. Sin embargo, los otros tres temas tampoco desmerecen sin llegar, por supuesto, a ese asombroso nivel. Estoy Enfermo y Lágrimas podrían ser dignos descartes de A Santa Compaña, el álbum publicado un año después que ya hemos comentado al principio de esta entrada, mientras Tendré Que Salir Algún Día al piano es una rara avis en el corto catálogo musical del grupo que nos remite a la obra posterior de Cardalda o a Una Décima de Segundo de Nacha Pop (donde Cardalda también tocó el piano junto a Antonio Vega).

Después de la brillantez del EP y LP comentados, sólo faltaría hacer una breve mención sobre el mini-LP posterior llamado Devocionario, que resultó canto de cisne de la banda y del que sólo merece la pena destacar una canción llamada La Virgen Loca. En este tema, la voz de Coppini nunca se había parecido tanto a la de Morrissey, con esos lamentos al final de cada estrofa. Y es que ese paralelismo en lo musical entre The Smiths y Golpes Bajos no deja de resultar curioso. En youtube aparecen comentarios sobre el parecido entre ambas bandas, a pesar de que fueron casi coetáneas en su génesis y la influencia entre ambos resulta prácticamente imposible. Similitudes hay varias: cuatro componentes entre los que hay un excelente compositor (Marr, Cardalda) y un letrista sobresaliente (Morrissey, Coppini). Las pintas de Coppini, incluido el tupé, la delgadez y las camisas de flores, se asemejan a las de Morrissey un año antes de que los Smiths se dieran a conocer con Hand In Glove. En definitiva, curiosas coincidencias fruto quizá de la coyuntura cultural de la época, que generó dos bandas similares en el tono pero muy diferentes en lo demás.

Devocionario es un mini-LP que no recomendaría ni loco. La música es aburrida y las letras tan enigmáticas que, de poco entendibles, sirven tan sólo para aportar nuevas melodías al conjunto. Este último disco nos serviría para una última reflexión: Golpes Bajos fue un grupo que brilló tan fuerte en sus dos primeros trabajos que quemó todas sus posibilidades antes de llegar a despegar por completo. Sin embargo, es preferible brillar tan fuerte al principio que dejar una carrera larga, pero plagada de medias tintas.

The Beatles según... George Martin (II)

2011-12-16T09:00:00.001+01:00

De los cuatro Beatles Paul era el músico con más talento. Cuando lo conocí él no sabia tocar el piano en absoluto, pero pasó verdaderamente muy poco tiempo entre ese momento y Lady Madonna, un complicado y excelente tema de piano tocado enteramente por Paul, y una buena medida de su habilidad. Paul sabía tocar la batería, desde un punto de vista técnico, mucho mejor que los otros, incluso que Ringo (aunque nunca pudo conseguir nada similar al tan distintivo sonido que Ringo obtenía del instrumento). Así que, por defecto, Paul asumió con la mayor originalidad la labor de tocar el instrumento más difícil de una banda de rock’n’roll: el bajo.

John también tenía siempre una buena idea sobre a dónde quería llegar con una canción. Tenía una imagen en su mente, pero no necesariamente una visión clara sobre cómo llegar hasta ella desde un punto de vista práctico. Paul era mucho más práctico sobre lo que quería, con las ideas mucho más claras. John me decía el tipo de atmósfera que quería en la canción mientras que Paul pedía un chelo o, por ejemplo, una trompeta en un determinado momento. De esa manera, al final John no estaba contento con el resultado final porque no era lo que él quería.

Mi vida profesional durante los años con los Beatles tuvo, por supuesto, un propósito por encima de cualquier otro: asegurarme de que los Beatles conseguían lo que querían. Recuerdo una deliciosa frase que oí una vez en una película francesa cuyo título no recuerdo ahora : La música son los sueños. Era a sus sueños a lo que estábamos dando forma : nada más ni nada menos. La música requiere mecánicos, gente dando golpes, o soplando, o rascando, o rasgueando; pero al final es intangible, son sueños. No puedes coger la música, no la puedes mirar. Puedes pensar que la puedes mirar cogiendo una partitura, pero no es más que un trozo de papel. La música no existe sin un par de oídos dispuestos, y sin tiempo. Esta es la razón por la que creo que es la más maravillosa de todas las artes, la razón por la que me siento tan en trance con ella. Por encima de todas las cosas la música necesita tiempo.

Sé que he sido afortunado. He sido un privilegiado por trabajar con algunos de los mejores compositores, escritores, músicos arreglistas, cantantes y actores del mundo. Los realmente buenos se entregaron sin quejarse y sin objeciones. Pero de todos ellos, nadie está ni siquiera al comienzo del camino para alcanzar la genialidad de aquellos adolescentes que conocí hace más de treinta años. Realmente eran fantásticos. Los he amado durante toda mi vida.

Del libro El Verano del Amor. George Martin.

The New Raemon, Francisco Nixon & Ricardo Vicente - El Problema de los Tres Cuerpos

2011-12-13T09:00:00.000+01:00

Tenía muchas ganas de escuchar este álbum, ya que no todos los días se juntan en un mismo proyecto dos de mis compositores favoritos del panorama nacional actual. Fue hace meses que The New Raemon anunciaba en su cuenta de Facebook la preparación de algunas canciones para un nuevo disco en colaboración con Francisco Nixon y Ricardo Vicente. Tenía muchas expectativas puestas en este trabajo y, ahora que lo puedo escuchar en spotify, me pasa lo de siempre cuando llevo meses esperando e imaginándome el resultado final: agradables sorpresas acompañadas de pequeñas decepciones.

Que músicos con una personalidad ya definida y además una gran carrera a sus espaldas colaboren en un nuevo álbum es algo que tiene tantas probabilidades de salir bien como rematadamente mal. Aunque en una entrevista para Radio 3, los implicados afirmaban que su intención era crear un álbum homogéneno, el resultado final queda bastante lejos de ese objetivo. Ramón Rodríguez cuenta incluso que intentó acercarse en la composición a la música que Nixon y Vicente vienen desarrollando durante años en los discos que han publicado bajo el nombre común de Francisco Nixon. Con este apunte y, aunque el batería y el bajista que escudaban al trío fueron los mismos para todas las canciones, El Problema de los Tres Cuerpos es un trabajo que parece más bien atesorar singles individuales de cada uno de los implicados que disponer de una entidad propia como obra en común. ¿Algún problema con ésto? Pues no, porque obtenemos lo que queríamos desde el principio: canciones nuevas de Francisco Nixon y otras tantas de The New Raemon mientras esperamos nuevos largos de cada grupo.

Mi canción favorita de este nuevo álbum es sin lugar a dudas Un Apocalipsis de The New Raemon. Un tema que vuelve al viejo truco ya utilizado por Ramón en otras canciones suyas: lo bueno si breve, dos veces bueno. Un Apocalipsis es un soberbio coitus interruptus de dos minutos escasos que te obliga a pulsar repeat una y otra vez para saborearla como de verdad merece. Te quedas con ganas de más y sabes que el cabroncete de Ramón la ha acortado precisamente por ese motivo. Repartiendo el Sombrero es otra gran canción de su autoría que me enamoró desde la primera escucha acústica que pude disfrutar en Radio 3. Ambos temas me retrotraen a los dos primeros discos de The New Raemon y se agradece la vuelta a las raíces después de resignarnos a que, con Libre Asociación, Ramón hubiera abandonado para siempre su sonido más amable. Las Viejas Luces en cambio, su tercera contribución para El Problema de los Tres Cuerpos, nos agarra del pelo y vuelve a zambullirnos en esa atmósfera recargada que ya usó en su último trabajo como The New Raemon, con ese órgano de iglesia que parece echarse sobre nosotros. No está mal, aunque se desmarca bastante del tono general del álbum en el que está incluida.

Ricardo Vicente, el menos conocido de los tres y fiel compañero de Francisco Nixon desde hace años, se convierte para sorpresa de todos en el compositor más constante del trío. Sus canciones son sobresalientes y, en concreto, El Milagro de Milan pugna con Un Apocalipsis por convertirse en el tema estrella del álbum. Si los temas que aporta The New Raemon son brillantes e inmediatos para el oyente, los de Vicente son growers que crecen y crecen con cada escucha. En la entrevista para Radio 3 que ya hemos mencionado, Nixon y Rodriguez estaban de acuerdo en que los temas de Ricardo Vicente son los mejores del disco, quizá porque este último partía en clara desventaja si hablamos de las expectativas que había puestas en cada uno de los tres. Cosa que no ocurrió (a medias), ya que Francisco Nixon es el que más defrauda en esta entrega. No sé si será por la baja calidad de sus canciones o por las altas expectativas que yo tenía puestas en su material. Supongo que sus últimos discos me han gustado tanto que se había convertido para mí en un compositor infalible. Diseccionar canciones me parece algo horrible, pero de todas sus aportaciones me quedó tan sólo con las estrofas de Sé Que Es Tu Trabajo y el delicioso puente entre estrofa/estribillo de Bares de Taxistas.

The New Raemon Francisco Nixon & Ricardo Vicente – El Problema De Los Tres Cuerpos

El Problema de los Tres Cuerpos parece haber sido concebido como la segunda parte de un EP publicado por Nixon y Vicente a principios de 2010, Gloria y la Belleza Sureña. En concreto, este pack de seis canciones estaba compuesto por tres temas de Nixon y otros tres de Vicente. La inclusión de Ramón en el nuevo proyecto que comentamos más arriba, manteniendo la misma cuota de canciones para cada uno, ha dado para nueve cortes que completan un LP de toda la vida.

Volviendo a Gloria y la Belleza Sureña, es un interesante EP que también me gustaría recomendar. Es una muestra más de lo extraño que resulta que un compositor tan interesante como Ricardo Vicente no quiera lanzarse por fin con un álbum en solitario abandonando la sombra de Francisco Nixon, al menos de forma momentánea. Ya ha dado buena muestra de su capacidad en temas como Amor Bajo Cero, para el último disco de La Costa Brava, o las deliciosas A Cielo Raso y Banderas Rojas, Final Feliz para este EP que comentamos.

Francisco Nixon y Ricardo Vicente – Gloria Y La Belleza Sureña

RORY GALLAGHER. A Million Miles Away.

2011-12-09T23:35:00.001+01:00

The Doors - The Doors

2011-12-08T08:30:00.001+01:00

Puede extrañar que escriba sobre The Doors cuando, hace poco, los coloqué en el primer puesto de mi Top5 de músicos sobrevalorados. Que yo crea que están sobrevalorados (que lo creo) es diferente a que no me gusten. Y ciertamente me gustan, aunque cada vez menos: hace años, en el instituto, incluso visité la tumba de Morrison en París. Con el tiempo las cosas van ocupando el sitio que le corresponde, y aunque The Doors no entrarían ni en mi Top20 de grupos favoritos creo que ha llegado el momento de que se les dedique una líneas en el blog.

The Doors era básicamente Jim Morrison, y el que diga lo contrario o es familiar de alguno de los otros tres componentes o es que no quiere reconocerlo. Sí, los otros ponían su granito de arena: Densmore era un buen batería, que aportó a la banda su interés por los ritmos latinos y el jazz; otro tanto ocurría con Krieger, un competente guitarrista interesado en el flamenco; y luego estaba Manzarek, que daba ese toque bluesero con su teclado, y quien siempre me pareció el pegamento que mantenía a la banda funcionando y aportaba un poco de cordura (quizá sea por llevar gafas, quién sabe).

Pero todo eso palidece frente a Morrison: no solo era el frontman de la banda y componía la mayoría de canciones (letra y melodía), siendo el ideólogo y guía del grupo, sino que su personalidad y magnetismo hicieron de The Doors lo que llegó a ser. Tan solo hay que ver su actuación en el Ed Sullivan Show para comprenderlo: no es un gran cantante y no era músico en absoluto (era incapaz de tocar ningún instrumento) pero su actitud, carisma, teatralidad, expresividad y talento aportan a la banda más que cualquier solo de órganoo redoble de tambores. Por no hablar de su atractivo, pero de eso que se ocupe mejor alguna señorita si es que entra aquí alguna xD

The Doors ofrecían el contrapunto a la sonriente generación hippie, eran algo así como el lado oscuro: en vez de floridas y luminosas canciones hablando del amor y la alegría de vivir (es un decir), sus letras eran tétricas y oscuras, que a menudo hablaban de muerte, sufrimiento y dolor. Muchas de estas canciones fueron "evolucionando" en sus actuaciones: las letras podían ser las que tenían ensayadas, bien, pero Morrison en las actuaciones era muy a dado a improvisar y a insertar pasajes nuevos. Así las canciones pasaban a ser otras muy diferentes: The end, en principio una canción sobre una ruptura sentimental (This is the end, beautiful friend), pasó a hablar de ruinas romanas de dolor, niños enfermos, asesinos que quieren matar a su padre... En sus shows el resto del grupo, conociendo a Jim, se limitaban a acompañarle "temiendo" qué iba a cantar.

El álbum en cuestión es básicamente The Doors en directo, de ahí la fuerza de estas canciones. Sin doblajes, ni instrumentaciones adicionales ni efectos de estudio: así sonaban en sus actuaciones, salvo por la inclusión de un bajista para la grabación, que doblaba con su instrumento las líneas de Manzarek. Break On Through es un inicio demoledor: la batería marca un inusitado ritmo de bossanova, sobre el que bajo y guitarra lanzan el inconfundible riff (del que Elmore James tendría algo que decir) para que Morrison cante, contenido al principio y con rabia en los estribillos. En la parte central, tras el solo de órgano, se cortó una línea que decía she gets high (ella se coloca), para evitar la censura en las radios.

Morrison muestra su otra cara, la de aspirante a crooner, en temas como The Crystal Ship, una etérea balada que compuso para su primera novia. Alabama Song es un simpático tema sacado de una ópera de Kurt Weill; los arreglos del tema son muy apropiados para la etílica letra, así como los despreocupados coros en los que colabora toda la banda.

Light My Fire, uno de sus temas más conocidos y emblemáticos, fue escrito por Robbie Krieger. El compositor habitual del grupo era Morrison: llegaba con la letra y la melodía en la cabeza (él decía que le ponía música a sus poemas para no olvidarlos) para que los demás miembros de la banda hicieran el acompañamiento; viéndose sin temas suficientes exhortó a sus compañeros para que compusieran algo, y Krieger apareció con este romántico tema folkie. En los ensayos la banda fue aportando a la canción su característico sonido, así como la famosísima introducción a cargo de Manzarek. Igualmente, Morrison escribió la letra de la segunda estrofa, en la que introducía el tema de la muerte, algo que chocó a Krieger pero que aceptó como algo natural viniendo de su compañero. Convencidos del potencial de la canción se decidió sacarla como single, para el cual se editó una versión acortada en la que prácticamente se eliminaba toda la parte instrumental.

El tema que cierra el disco, el citado The End, es uno de los momentos más inspirados de toda su carrera: pese a sus once minutos largos, te mantiene en tensión y siempre atento, porque nunca sabes por dónde puede salir la banda. Como ya dijimos, esta es una de esas canciones que prácticamente se fue gestando en directo; su tendencia a experimentar y a dejar a Morrison improvisar fue haciendo que este tema fuera creciendo poco a poco: en temáticas, en sonoridad... y en duración. El acompañamiento resulta hipnótico, como ocurre con la guitarra que suena como un sitar, y ciertamente toda la canción tiene una tonalidad que nos resulta lejanamente oriental; el lento tempo y el reverb dan al sonido mayor profundidad. Morrison declama (que no canta) una enigmática letra. El momento álgido se produce sobre la mitad de la canción, en la parte de el asesino que quiere matar a su padre. Simplemente sobrecogedor.

El álbum fue editado en 1967, alcanzando el puesto nº2 en las listas de EE.UU. tan solo por detrás del Sgt. Pepper's de The Beatles; el single Light My Fire alcanzó el nº1 en las listas. Puedes escuchar el álbum en spotify pinchando aquí.

Top 5 Guilty Pleasures

2011-12-05T09:00:00.009+01:00

O lo que es lo mismo y para entendernos: Placeres Culpables. Es decir, álbumes que te encantan, pero que no recomendarías porque tu prestigio musical caería por los suelos. Todo es relativo, así que igual hablo de discos en esta entrada de los que otras personas no verán de que avergonzarse. Me baso sobre todo en mi museo de los horrores particular y en las ganas de echar unas risas.

Lo más difícil ha sido ordenarlos, ya que... ¿en que te basas para elegir al nº 1? ¿en lo vergonzante de la música? ¿en la sorpresa que te llevaste cuando no esperabas nada? Pues si, en eso último me he basado para ordenar este ranking. Comenzamos:

5- McNamara - Rockstation

Histriónico y petardo como él sólo, Fabio McNamara publica junto a Luis Miguelez, antiguo miembro de Alaska y Dinarama, un divertido disco donde se les va la cabeza en cada canción. Un álbum sin más pretensiones que la de dar rienda suelta al personaje que McNamara se había forjado durante la Movida. Las letras de los temas son divertidísimas y la música sorprende. Ya quisieran muchos discos empezar con la contundencia de Freak Show, haciendo referencia al glam y a Gary Glitter. Boogie Movie es un rompepistas en toda regla que la propia Alaska reivindicó no hace poco en el reality que protagoniza junto a su marido en la MTV. Mi Correo Electronic... Oh! es genial desde el título y guarda una de las frases más memorables, con ese "magia punto mala, punto coma arroba punto mari puri punto mari com punto com tacón". Y no hablamos de la única, ya que en Freak Show nos espera "mucho guiri mucho gay, mucho guirigay" o en Boogie Movie "eres muy protagonista, eres muy Terminator, bonita". El único problema de este álbum es que resulta muy cargante por el petardeo que rebosa gracias a la excesiva personalidad de Fabio. Tan sólo en pequeñas dosis resulta disfrutable.

4- Parade - La Fortaleza de la Soledad

Del histriónismo de McNamara, pasamos a la propuesta de un músico independiente que ejerce como profesor de música en Murcia. Ya hablamos de este disco de Antonio Galvan en el blog, aquí tenéis la entrada en cuestión. Lo rescatamos de nuevo porque, a pesar de que este hombre me parece un gran compositor, puedo entender que la temática de su música pueda resultar sonrojante. Igual te habla de un astronauta con miedo a volar que remedia su frustración convirtiéndose en astrónomo o de Superman, Stephen Hawking o los problemas sociales de un niño zombie en la escuela. La palma se la llevan siete canciones repartidas a lo largo del álbum, todas ellas bajo el título de Rainbows Avenue, que cuentan la historia de Don Ricardo Gil Muñoz, propietario de un negocio de bodas con 96 capillas que irónicamente nunca se ha casado, y Doña Soledad, una chica a la que acaban de plantar en el altar. Estampa costumbrista o rancia historia de amor, se le podrá llamar como se quiera, pero qué buenas son las canciones de este disco. El propio Parade apareció en Radio 3 no hace poco hablando precisamente de los Guilty Pleasures en la música. No me extrañó y, a la vez, con esas declaraciones me hizo encajar todas las piezas.

3- Joe Crepúsculo - Escuela de Zebras

Joe Crepúsculo parece aglutinar todas las cualidades para argumentar que buena parte de la música independiente de este pais es un fraude orquestado por gente sin talento. Una voz horrenda, una instrumentación de saldo y unas canciónes con letras surrealistas que no hay por donde coger. Sin embargo, para un fan de Bob Dylan como yo, es fácil abstraerse del envoltorio y ahondar directamente en la canción en sí. Descubrir a Joe Crepúsculo con este álbum fue un soplo de aire fresco, una forma nueva de entender la música donde la perfección no tiene porque ser lo alcanzable. Tanto desbarajuste le da a sus discos un fuerte carácter orgánico y original. Escuela de Zebras fue su opera prima y guarda canciones tan interesantes como Gabriela, construida a base de rasgueos de guitarra, o Los Cuatro Elementos con ese comienzo de menos a más que desemboca en una de las letras más extrañas de su autor. A destacar también un tema como Fiesta Mayor, donde quedará para la posteridad la frase "el año pasado una vaquilla cogió a un señor y lo fue arrastrando por todo el campo".

2- Jesucristo Superstar BSO

Hablamos en concreto de la versión en castellano del conocido musical Jesus Christ Superstar. Sus dos voces principales no están pasando precisamente por su mejor momento desde hace años. Camilo Sesto ha pasado de figura internacional de la canción melódica a extravagante friki internacional y Teddy Bautista va de mal en peor, desde odiado presidente de la SGAE a presunto ladrón dentro de dicha sociedad. Las comparaciones son odiosas, pero en alguna parte leí que los creadores del musical original se quedaron boquiabiertos al escuchar la versión cañí. La Canción de Judas (Heaven On Their Minds) es una pasada y Getsemani, interpretada por Camilo Sesto, raya el esperpento sin llegar a caer en él, con ese climax alcanzado a base de gritos al final del tema. Mi canción favorita siempre ha sido Jesús Morirá, con esas tres voces alternándose entre la de Caifas, la de otro ladino sacerdote que no puedo identificar, y la de Anás... que me pone los pelos de punta con ese arranque a lo "entonces que hacemos con el Nazareno, el gran milagrero un ídolo es".

1- Miqui Puig - Casualidades

Increíble, pero cierto. El odiado Miqui Puig publicó en 2004 un álbum de pop impecable. Para la mayoria de los mortales es difícil dejar a un lado los prejuicios hacia el personaje televisivo, pero para mí fue cuestión de segundos: el tiempo que tardé en escuchar las estrofas de La Puta Canción de Amor En La Que El Chico Gana. Sólo me faltaba escuchar a Jeanette, que colabora en la segunda mitad del tema, para espolearme a escuchar el disco completo. Es curiosa la brillantez de las composiciones, cuando no recuerdo nada memorable del grupo al que pertenecía anteriormente, Los Sencillos. Casualidades no se queda en el brillante single que he mencionado antes, hay al menos otros tres temas al mismo nivel: Tipo Loft, Revival y Totalmente a Favor. El resto de temas del álbum, sin llegar al nivel de los mencionados, deja un balance más que positivo. Un disco para recordar al que nunca he dedicado una entrada completa por aquello del que pensarán. Una pena que Impar, su segundo álbum publicado en 2008, no alcanzara los excelentes niveles de su opera prima en solitario.

Concierto de Fleet Foxes en Barcelona

2011-12-02T08:30:00.000+01:00

El pasado domingo 27 de noviembre se subieron al escenario de L'Auditori de Barcelona los chicos de Fleet Foxes. Como era de esperar, la expectación que despiertan los de Seattle se tradujo en un lleno hasta la bandera; el público, entregado, disfrutó con verdadera pasión del recital que estos leñadores barbudos tuvieron a bien ofrecer.

Abrieron la noche los californianos Vetiver, con resultado desigual. Lo cierto es que no suenan nada mal: el suyo es un folk-pop intimista y elaborado, de bonitas melodías que seducen a uno casi sin pretenderlo. El problema estriba en lo repetitivo de la propuesta, que a la tercera canción ya aburre. Comentaba el líder de la banda, Andy Cabic, que acostumbrados a salas pequeñas, al verse en un escenario como el de L'Auditori pensaron ampliar su repertorio acústico; nada que objetar, salvo que por insistencia se hizo demasiado pesado. Aún así su actuación tuvo sus momentos, como sucedió con temas como Hard to Break o Wonder Why. No lograron calentar al personal, eso es cierto, pero ayudaron a crear la atmósfera idónea para el plato principal de la noche.

Pasadas las diez de la noche se apagaban las luces para dar paso a Fleet Foxes, quienes en la penumbra del desnudo escenario comenzaron su recital con los acordes y ritmos tribales de The Plains / Bitter Dancer. Desde el primer momento deslumbraron con sus prodigiosas voces: la de Robin Pecknold (solista) desde luego, pero no se quedan atrás las armonías y segundas voces de Christian Wargo (bajo) y Joshua Tillman (batería). Sinceramente, antes de verlos dudaba que fueran capaces de reproducir en directo los juegos vocales de sus discos, pero me llevé una grata sorpresa con ellos. Una completa delicia.

Y como no podía ser de otra forma desgranaron sus dos álbumes (Fleet Foxes y Helplessness Blues) y su EP (Sun giant) casi por completo: no llevé la cuenta en este concierto, pero echando un vistazo a los setlists de eventos anteriores veo que suelen tocar en torno a la veintena de canciones de un total de veintiocho temas que tienen editados hasta la fecha.

Algunos de los momentos más aplaudidos fueron The Shrine / An Argument (sobrecogedora interpretación de Pecknold, y espectacular coda final con el saxo distorsionado), Bedouin Dress, White Winter Hymnal y Raged Wood (cómo iba a faltar su tema más emblemático, aunque en vivo lo interpretan levemente diferente), Blue Spotted Tail (delicioso entremés), Montezuma o Mykonos. Lo cierto es que puede decirse que los de Seattle son más que flor de un día, y que se han afianzado y reafirmado como uno de los mejores y más visibles exponentes de la escena folk internacional.

Recuerdo que tras la publicación de su segundo trabajo, el mencionado Helplessness Blues (que el amigo Beatles analizó en esta entrada en su blog Sexo, drogas y rock and roll es el lema de mi generación), la primera escucha me llevó a pensar que la fórmula se había agotado, que poco podían ofrecer; sucesivas escuchas de este trabajo me hicieron darme cuenta de mi error: tras el deslumbrante debut difícilmente podían superarse, pero este trabajo está a la misma altura del primero, y la banda no se conforma con repetirse y buscan ampliar sus horizontes. Siendo fieles a su propuesta, son ambiciosos y no dudan en seguir avanzando, con paso firme y pausado.

The Kinks - Waterloo Sunset

2011-11-29T08:30:00.003+01:00

El día que no recogieron a Syd

2011-11-26T08:30:00.006+01:00

El carisma y talento como compositor habían aupado a Syd Barrett hasta el puesto de líder natural de Pink Floyd. Sin embargo su presencia se volvió incómoda para el resto de miembros del grupo debido a su inestabilidad psíquica, que se vio acentuada exponencialmente por su ingente consumo de drogas. En un caso parecido al de mi adorado Nick Drake, el abuso de alucinógenos disparó sus trastornos: se habla de esquizofrenia, de trastorno bipolar o de Síndrome de Asperger; desconozco si alguna vez se hizo público un diagnóstico psiquiátrico suyo, pero desde luego por ahí deben ir los tiros.

El hecho es que literalmente perdió la cabeza, y son famosos algunos episodios suyos: desde entrevistas en que era incapaz de articular palabra, delirios de lo más variopintos, temporadas totalmente ausente… Pero lo peor para sus compañeros era su cada vez mayor incapacidad para tocar en directo. No es que no fuera capaz, simplemente era impredecible: podía actuar normalmente desde luego, pero desvariaba en sus actuaciones y cada vez más frecuentemente. Lo mismo podía quedarse inmóvil sin tocar una nota, que se bloqueaba en un acorde y lo tocaba insistentemente durante muchos minutos.

En un principio se decidió sustituirle por David Gilmour para las actuaciones en directo, y Barrett permanecería en la banda como compositor y, siempre que se encontrara en condiciones, tocaría con la banda en algunos shows y en las grabaciones. Pero la fórmula no duró mucho: tras grabar A saucerful of secrets (único trabajo con los cinco miembros juntos) y camino a una actuación, simplemente no le recogieron.

Según cuenta Mason en su biografía Dentro de Pink Floyd no fue algo premeditado: no se sentían cómodos junto a Barrett y, viendo que su estado era cada vez peor y el daño que estaba infligiendo al grupo, se preguntaron unos a otros dentro de la furgoneta ¿recogemos a Syd o no? Y simplemente no fueron a por él. Ni ese día, ni el siguiente, ni nunca más. E igual que no le llamaron para decirle que lo echaban de la banda (de su banda), Barrett tampoco les llamó nunca para preguntarles qué pasaba. No recuerdo el resto de miembros, pero al menos Mason cuenta que aunque se sintió culpable por lo que habían hecho, igualmente se sintió aliviado al quitarse la “carga” de encima.

Mucho se ha hablado y se seguirá debatiendo sobre este tema. Hay defensores de ambas partes, y nunca se pondrán de acuerdo: hay quienes ven una traición imperdonable, los hay que ven un acto necesario, otros una gran pérdida musical... La historia es la que fue, y no la que podía haber sido: aún con un Syd Barrett cuerdo y en forma, la carrera de Pink Floyd habría sido totalmente diferente, y probablemente nos habríamos visto privados en gran parte del talento compositivo de Waters y, en menor medida, de Gilmour.

Personalmente, prefiero mil veces The Dark Side of the Moon o Wish You Were Here antes que The Madcap Laughs.

Belle and Sebastian - Recopilatorio MIMS

2011-11-23T08:30:00.002+01:00

Aquí está el primer recopilatorio que realizo para MIMS, y a sugerencia de Manuel lo dedicaré a una de mis bandas favoritas de los últimos años, los escoceses Belle & Sebastian.

Con quince años de carrera a sus espaldas, los de Glasgow han alcanzado la madurez creativa y musical, y yo diría más: casi que la han dejado atrás definitivamente. El cambio de registro del grupo es igualmente llamativo: han pasado del elegante pop barroco y melancólico de sus inicios a un pop resultón, desenfadado y luminoso, como hemos podido catar en sus dos o tres últimos trabajos. El presente recopilatorio incluye solamente temas de seis de sus primeros siete álbumes de estudio. No incluye ninguna canción de Storytelling (2002), porque ninguna merece especial atención, ni tampoco de God help the girl (2009) o Write about love (2010): son estos sus dos últimos trabajos que personalmente no me gustan y que considero un cambio de registro demasiado alejado a lo que era el sonido de la banda.

Aunque estuve dándole vueltas, he preferido colocar las canciones en un estricto orden cronológico, principalmente por apreciar esta evolución en la banda de la que hablamos.

Su debut, que ya analizamos en esta entrada, fue Tigermilk (1996): grabado casi como un disco amateur, con la banda recién montada y unos pocos ensayos graban el disco en cinco días. La canción que abre el disco, The state I am in es sencillamente sublime. Uno de los temas más emotivos es sin duda We rule the school, sobre adolescentes aburridos y atemorizados a los que dice "haz algo bonito mientras puedas". Mary Jo cierra el disco con elegancia y lirismo.

Tras este debut arrollador, en el mismo año editaron If you're feeling sinister (1996), considerado casi unánimemente su obra maestra. Debo reconocer que es el disco del más me ha costado dejar fuera canciones. Seeing other people es uno de los mejores temas de toda su discografía. The fox in the snow es uno de los momentos más frágiles de su carrera. El otro tema sacado del álbum, Get me away from here, I'm dying, es bastante elocuente en su letra, y el animado acompañamiento supone un curioso contrapunto.

Lazy line painter Jane (1997) es el primer intento de la banda por sacar un single de éxito, y para ello piden a la vocalista Monica Queen que aporte la fuerza y garra de su voz que no tuvo el deseado éxito. No sería el único intento, desde luego, pero eso ya es otra historia.

Tras estos inicios deslumbrantes (musicalmente hablando) se toman su tiempo para sacar su tercer trabajo: The Boy With The Arab Strap (1998). Pese a ser el primer disco públicamente reconocido e incluso premiado en los Brit Awards, advertimos también por vez primera que el nivel de las canciones es bastante irregular. Sleep the clock around es un hipnótico y animado corte de pop. El otro tema incluido aquí es el que da título al álbum, que capta al oyente desde el primer segundo con el sugerente riff del piano eléctrico.

Su siguiente trabajo supone un auténtico pinchazo. Fold your hands child, you walk like a peasant (2000) es un disco no ya irregular sino sencillamente flojo. Murdoch seguía cediendo galones a sus compañeros y así le iba. Entre tanto aburrimiento, The model destaca entre el resto: por su característico clavicordio desde luego, pero también por la deliciosa melodía y los magníficos arreglos de cuerdas. Tras este trabajo editaban el mencionado Storytelling (2001) del que no incluimos ningún tema: este álbum no fue concebido como tal, sino que resulta ser una colección de temas compuestos y grabados para la película homónima de Todd Solondz; como finalmente el director fue descartando la práctica totalidad de canciones, B&S decidieron rescatarlas e incluirlas en este disco. Infumable.

Por suerte no estaba todo perdido ya que con los singles se iban a redimir: Jonathan David (2001) narra un curioso triángulo amoroso cantado por Stevie Jackson. Su siguiente single, I'm waking up to us (2001), es una bofetada sin mano a Isobell Campbell, aún miembro (o miembra) del grupo y ex-pareja de Murdoch; aunque desde luego es un golpe bajo, el tema es de los más inspirados de toda su carrera.

Para grabar Dear catastrophe waitress (2003) reclutaron a Trevorn Horn para la causa y se marcan un giro de 180º con un disco exhuberante y potente: Step into my office, baby con su simpática letra, sus juegos de voces y arreglos de metales. Bob Kildea se hace notar en las guitarras de I'm a cuckoo, tema animado como pocos en toda la carrera de la banda. El ritmo contagioso y bailable de You don't send me dan el toque kitsch y desenfadado.

The life pursuit (2006) supone la confirmación de este nuevo estilo pero sin la inspiración del álbum que le precede. The blues are still blue es un rock que bien podría haber firmado T.Rex, al que añaden un curioso órgano Hammond (que "homenajea" a Too many teardrops en mi opinión). Funny little frog, un tema con toques soul cierra la presente recopilación.

Tras 17 canciones y en poco más de una hora hemos seguido la evolución de la banda en sus primeros diez años. Tras estos, como dijimos al principio, vendrían dos álbumes más, curiosamente los que más atención han recibido de medios y público.Espero no haberos aburrido (vaya tochaco que he soltado), que la lista os interese y que os haya podido transmitir un poco de la pasión que siento por los de Glasgow.

Belle and Sebastian - Recopilatorio MIMS

Kings of Convenience - Me in you

2011-11-20T08:30:00.000+01:00

Top Ten Beatles Songs - Nº 05: For No One

2011-11-17T09:00:00.006+01:00

Me reincorporo al blog con la sección sobre el ranking de canciones de los Beatles. En la entrada en la que presentaba el TOP, afirmaba que habría varias sorpresas. Hapiness Is A Warm Gun fue una de ellas y For No One, que aparece ahora entre las cinco primeras, la segunda en discordía. Podrá haber acuerdos o desacuerdos con esta quinta posición obtenida, por delante de temas tan emblemáticos como Let It Be o Yesterday, pero es difícil negar que hablamos de una de las canciones más bellas de los Beatles.

Relegada a la cara B de un álbum como Revolver, demuestra una vez más el asombroso nivel que alcanzó el grupo en el punto más álgido de su carrera. Compuesta por Paul McCartney mientras estaba de vacaciones en Suiza con Jane Asher, la canción captura uno más de los amargos momentos por los que pasó la pareja hasta su ruptura definitiva en 1968.

Todo el mundo habla de Pattie Boyd como musa inspiradora para temas como Something de George Harrison o Wonderful Tonight de Eric Clapton, pero pocos se paran a recordar que Jane Asher fue la involuntaria fuerza inspiradora de hermosas canciones de los Beatles como Here There And Everywhere o And I Love Her. Canciones de amor acompañadas de otras más amargas como la propia For No One, que unida a We Can Work It Out o I'm Looking Through You, atestiguan la tormentosa relación que Asher vivió con McCartney durante los sesenta.

Jane Asher comenzó su carrera como actriz a los 5 años con el film de 1952 Mandy. Desde entonces, y hasta principios de los setenta, repartió sus papeles entre películas que pasaron sin pena ni gloria, obras de teatro y series de televisión. Hermana de Peter Asher, uno de los componentes del dúo Peter And Gordon, su papel más importante lo consiguió en la película Alfie con Michael Caine como protagonista.

Jane Asher conoció a Paul McCartney el 18 de abril de 1964 en el festival Jux Box Jury retransmitido por la BBC en el Royal Albert Hall. Fue amor a primera vista y McCartney se trasladó a vivir con la familia de ella hasta 1966, momento en el que la pareja se mudó al número 7 de Cavendish Avenue en St. John's Wood, residencia que aún pertenece a Paul en la actualidad. A Jane Asher se le atribuyó el título de la "eterna novia de Paul McCartney" durante los sesenta y, según parece, tuvo que aguantar las constantes infidelidades de su pareja hasta que en el verano de 1968 pilló a McCartney con otra mujer en la cama. Fue la gota que colmó el vaso y el resto es historia. McCartney rehizo su vida sentimental con Linda Eastman, fotógrafa que había conocido un año antes durante la presentación de Sgt. Pepper, y Jane formó un hogar con Gerald Scarfe, el conocido ilustrador de las horripilantes imágenes de The Wall de Pink Floyd.

Sobre For No One como tema, existe poca bibliografía que consultar. Rescatamos, como siempre, algunos párrafos de Ian McDonald en Revolución en la Mente:

For No One es una exposición curiosamente flemática del final de una relación, tan prosaica al reconocer el amor desaparecido como Eleanor Rigby al hablar de una muerte solitaria (el título original de la canción era Why Did It Die?) [...] Ninguno de los dos protagonistas del frío escenario de McCartney despierta demasiada simpatía, y esta indiferencia evita la compasión que provoca Eleanor Rigby. Como entusiasta aficionado al cine, quizás [Paul] buscara algo parecido a la escueta visión cinematográfica que destilaba Darling, de John Schlesinger [...] For No One es formalmente una de las piezas más perfectas de McCartney, está construida con la lógica característica de su autor y avanza metódicamente con paso clásico, como una partida de ajedrez. Accidental o premeditadamente, este progreso reproduce con precisión el obsesivo examen que el protagonista hace de su predicamento: agota todas las posibilidades, pero a la vez duda (en la nota suspendida al final de cada estribillo), antes de volver a empezar para asegurarse de que todas las opciones están contempladas. (Al final, como si fuera incapaz de afrontar una conclusión no deseada, la canción se apaga en una dominante no resuelta.)

Una anécdota que podemos rescatar de la grabación de For No One fue la colaboración de Alan Civil, solista de la Orquesta Sinfónica de la BBC, para el sólo de cuerno francés incluido en la canción. Era muy difícil llegar a la nota más aguda y Civil se resistió hasta el último momento indicando que era imposible tocar aquello. Finalmente, consiguió grabar su contribución al tema en una sola toma, usando como referencia la propia canción ralentizada en velocidad.

Es extraño, porque Ian McDonald indica que Alan Civil compuso él mismo su sólo de trompa, mientras Geoff Emerick insinúa que McCartney presionó al músico para grabarlo tal cual había sido concebido, dejando entrever que el propio McCartney había sido el creador de la melodía. En cualquier caso, fue la grabación más memorable de Alan Civil para profanos como yo a la música clásica.

Tres documentales: Harrison, Davies y The Who

2011-11-14T08:30:00.000+01:00

Aprovechamos una nueva entrada para dar carpetazo al Beefeater In-Edit Festival, al que ya dedicamos una primera entrada a propósito del documental The Sacred Triangle que puedes leer aquí. Dentro de la amplia programación, bastante centrada en homenajear en la presente edición a Murray Lerner, servidor acudió a los pases de tres documentales más:

George Harrison - Living in the material world

Como buen beatlémano, mi presencia era obligada. Puede decirse que la palabra que mejor define a este documental es "bonito"; también el término "emotivo" resulta bastante apropiado aquí pero, como puede tener una connotación negativa al entenderse como lacrimógeno y no es así, prefiero no usarlo.

Pese a durar casi 3 horas y media, no es una biografía exhaustiva, ya que no se dedica a detallar su vida, ni sus logros musicales, ni profundiza en casi ningún tema. ¿Qué es entonces este documental? Es más bien una semblanza del beatle tranquilo: nos cuentan a grandes rasgos hechos importantes en su vida y en su carrera, y las personas más cercanas a él nos cuentan cuál ha sido la huella que George dejó en ellos. No importan los hechos aquí, sino la persona que hay detrás.

Testimonios de primer nivel: mujeres, hijo, familia, y muchos compañeros y conocidos: Paul y Ringo desde luego, Clapton, Yoko Ono, Klaus Voorman y Astrid, los Pythons Terry Gilliam y Eric Idle, Tom Petty, Ray Cooper (de los más afectados), Phil Spector (impresionante, ya veréis), Jackie Stewart... Algunos testimonios, como no podía ser de otra forma, son grabados: los del propio George (del Anthology), Neil Aspinall, Billy Preston... El que todos sus amigos se vuelquen aquí, como ya ocurriera en el Concert for George, creo que resulta bastante significativo y es buena muestra de la calidad humana de George. Hay también alguna ausencia notable, al menos en mi opinión, siendo la más destacable la del Wilbury Bob Dylan (tampoco recuerdo que apareciera Jeff Lynne, pero en la ficha de imdb aparece, así que puede ser una mala jugada de mi maltrecha memoria).

En resumen, un bonito documental que haciendo honor al homenajeado resulta muy espiritual. Imágenes y videos que al menos servidor no conocía, una buena banda sonora de fondo que hace un buen seguimiento a su carrera (tanto en solitario como en sus bandas), y un guión inteligentemente planteado. Scorsese sale triunfante de esta empresa. Imprescindible para todos los melómanos y muy especialmente para los seguidores de The Beatles.

Ray Davies - Imaginary Man

Para mi toda una sorpresa este modesto documental sobre el líder de The Kinks. Es prácticamente una conversación entre Ray Davies y Julien Temple (quién también realizó otro documental sobre Dave Davies, aunque no lo vi), una relajada reflexión de Ray sobre lo que suponen para él The Kinks, el trabajo de compositor y la fama. Si uno espera una biografía al uso se llevará una decepción desde luego, así que prefiero aclararlo: esta película es más bien algo minimalista, una deliciosa retrospectiva contada en voz baja.

Lo cierto es que Ray Davies, por lo visto en el documental, me resultó un tío de lo más simpático. Además de esa fina ironía tan inglesa, del estilo de la de Harrison que comentamos más arriba, sus extravagancias y su forma de ser me resultaron totalmente cautivadoras. Es la anti-estrella del rock, un tipo que en el mismo documental reconoce "es genial ser alguien como yo, prácticamente nadie me reconoce por la calle". Es un tipo con los pies en el suelo, que a pesar del éxito y el dinero siempre ha vivido en el mismo barrio en que creció de niño (se compró una mansión cuando triunfó con The Kinks, pero la vendió al poco tiempo para volver a su anterior casa), que no cayó en los excesos habituales de los rockeros, ni nada de nada...

Un tipo de lo más normal, aunque resulte curioso observarlo paseando sin dejar de cantar ni por un instante. A sus pies Mr. Davies.

Amazing Journey - The Story of The Who

Al contrario del anterior film, esta sí es lo que podríamos definir como una biografía convencional sobre The Who. En dos horas nos ponemos al corriente de las andanzas de los miembros del mítico grupo británico.

Realizado en 2007, tan solo cuenta con la participación de Daltrey y Townshend, únicos miembros vivos de la banda. Cuenta asimismo con los testimonios de managers (actuales y anteriores), familiares y algún que otro amigo. En el aspecto negativo, la elección de los otros músicos que intervienen en el documental dando su testimonio y rindiendo pleitesía: ¿en serio que no había nadie mejor que Sting, Noel Gallagher o The Edge que se prestara a aparecer?

Por lo demás, un correcto film que hace gala de un más que abundante material videográfico, una buena estructura narrativa y, sin conocer previamente su biografía, me da la impresión que no tratan de nadar y guardar la ropa: no se cortan a la hora de explicar sus adicciones, enfrentamientos, excesos, escándalos, etc... Es más, me resultó sorprendente la mala relación entre Daltrey y los otros tres músicos (o más bien al revés, entre los otros tres y Daltrey), y cómo el mismo Townshend no se corta a la hora de menospreciarlo. También hay momentos divertidos, cuando no hilarantes, sobre todo cuando está Keith Moon de por medio (como cierta aparición en la televisión estadounidense en la que explota el bombo de la batería con fuegos artificiales, impresionante).

Un buen documental, al fin y al cabo, con el que disfrutar de una gran banda.

Nick Drake - Bryter Layter

2011-11-11T08:30:00.002+01:00

Tras el anticipo que Manuel dejó en esta entrada, me decido a recuperar esta entrada que escribí en mi antiguo y desaparecido blog.

Aunque se considera en ocasiones que este trabajo es inferior a sus otros dos álbumes (Five Leaves Left y Pink Moon), básicamente por la cargada producción y los arreglos a cargo de Joe Boyd y Robert Kirby respectivamente, lo cierto es que se trata de una completa delicia que casi se diría que mejora con cada escucha. El título de Bryter Layter es una pequeña broma (imagínense, Drake bromeando) en la que la expresión "brighter later", usada con frecuencia en los partes meteorológicos, está escrita en falso inglés medieval.

Las ventas de su primer disco apenas llegaron a las 3.000 copias, lo cual era resultado de una pésima promoción del álbum tanto por la discográfica (Witchseason, propiedad de Boyd) como por el propio Drake, que no concedió entrevistas ni apenas actuó en público para darse a conocer. Además, por lo que se cuenta, sus conciertos solían ser bastante soporíferos para el respetable ya que, además de su casi nula empatía y comunicación con los espectadores, entre canción y canción Drake dedicaba unos minutos a cambiar la afinación de una única guitarra, algo necesario por su tan característica y virtuosa técnica con las seis cuerdas (actualmente cualquier músico cambia varias veces de guitarra en una actuación; en su caso ocurría todo lo contrario, para desesperación de su público). Tras esta desastrosa experiencia se propusieron para el siguiente trabajo hacer algo más comercial y pop.

Se le encargaron a Kirby unos arreglos más potentes para los nuevos temas donde los metales sustituyeran a las cuerdas, al igual que se le pidió al propio Drake que ensayara las nuevas canciones con bajo y batería, algo impensable hasta aquél entonces: el vigor de Hazy Jane II o la alegría saltarina de One Of These Things First son buena muestra de ello. Todo el disco, incluso en los temas más lentos y oscuros, tiene una reconfortante pátina de tibia alegría y optimismo.

Para completar y cerrar el círculo, una figura como John Cale (que por aquél entonces andaba por Londres produciendo a Nico) se trasladó al piso de Drake donde, aparte de consumir juntos cantidades ingentes de drogas, supo conectar con la sensibilidad de Nick al realizar los sobrios y conmovedores arreglos de Fly y Northern Sky; además colabora en el disco tocando la celesta, el piano, el clavicémbalo y la viola. Casi nada.

En su momento y durante mucho tiempo después fueron bastante criticados los temas instrumentales del disco, bajo la acusación de ser "simple relleno". Nada más lejos de la realidad: de hecho Drake se sentía bastante orgulloso de los mismos y no hubiera admitido que los eliminaran del álbum.

Como punto flojo, en un ámbito menor, se destaca la horrible portada: realizada por Nigel Waymouth, en ella Nick aparece sentado totalmente encorvado en una silla, abrazando una guitarra (que pertenecía a Eric Clapton nada menos); en primer plano hay unos enormes zapatos. Para rematar la faena, la fotografía se inserta en un óvalo rosa sobre fondo morado. Un despropósito en toda regla.

Si hace tiempo que no escuchas este disco es buen momento para recuperarlo (spotify): tómate tu tiempo y saborea cada canción. Busca el alma de Drake detrás de cada tema, tras los metales y la batería, en su suave voz susurrada y su guitarra majestuosa.

The Sacred Triangle: Bowie, Iggy & Lou

2011-11-08T08:30:00.006+01:00

Dentro de la programación del Beefeater In-Edit Festival, el otro día tuve ocasión de ver el documental The Sacred Triangle: Bowie, Iggy & Lou, que analiza la relación entre estos tres músicos entre los años 1971 y 1973 que resultarían fundamentales para las carreras de todos ellos.

Sinceramente el documental no merece la pena, no es de los que servidor recomendaría. Más allá de la escasez de medios de que hace gala, nada reprochable por otro lado, lo más destacable del mismo sería la poca profundidad que ofrece. Para empezar: no intervienen en el documental ninguno de los protagonistas, lo cual deja el peso de la narración a un par de biógrafos de los músicos (suponemos que informados, desde luego, pero ni intervinientes ni testigos de la historia que analizan), a una exaltada Angie Bowie (más preocupada en loar y celebrar sus andanzas con su por aquel entonces marido, que en ser fiel a la verdad) y a algún personaje más o menos cercano a los hechos que se narran, siendo el más interesante un tipo del que no recuerdo el nombre y que trabajaba en MainMan, la agencia de representación de Defries que por aquellos años representaba a Bowie. Poco más. Entiendo que Lou no es precisamente un tío simpático que conceda entrevistas alegremente, y que Bowie lleva años totalmente desaparecido. Pero, ¿nada de nada? En fin...

El hecho es que el documental, con estos intervinientes, se limita a contarnos lo que ya conocemos y poco más. Me explico: servidor no ha leído por el momento biografía alguna de ninguno de los tres artistas que componen este triángulo ni de nadie cercano, pero ya conocía al menos el 80% de lo que se narra en el film. ¿Se trata de un fenómeno de precognición o bien que el documental tiene menos contenido del que uno espera? Para mi la cosa está clara: a poco que uno sea más o menos melómano le sonará todo lo que aquí se cuenta. ¿A qué dedican 107 largos minutos? A eso me refiero.

Lo más interesante del film para el que esto escribe es la desmitificación que se hace de David Bowie, con la excepción de Angie por supuesto. Prácticamente todos los que allí aparecen coinciden en este punto. Por un lado, le tachan de copión, algo que todos intuíamos pero aquí denuncian explícitamente. Desde sus inicios, en los que dando tumbos sin rumbo fijo buscaba qué hacer para tener éxito: tras descubrir a The Velvet Underground graba la sonrojante Little Toy Soldier, en la que fusila sin pudor alguno Venus in Furs. Por lo visto el mismo Bowie reconoce esto, al afirmar de él mismo que su "principal talento es saber qué copiar". De ahí pasó a remedar a Marc Bolan (con el paso de los años se dio la vuelta a esta situación, pero a principios de los años 70 Bolan era muchísimo más famoso que Bowie), la forma de moverse de Iggy Pop, las composiciones de Reed... En fin, que fue preparando la receta de su cóctel de influencias, cogiendo de aquí y allá, y hasta que se marchó a Berlín parece ser que no se le ocurrió que estaría bien ser original en algo.

Por otro lado, por lo visto su ofrecimiento a producir los álbumes de los otros dos músicos ni fue tan desinteresado ni tan siquiera fue algo que él mismo hiciera. Me explico: en el caso de Reed, Bowie desde luego admiraba sus canciones con la Velvet y quería ayudarlo en su carrera en solitario, pero en realidad no le produjo su segundo disco en solitario. David fue el impulsor de este proyecto y puso en marcha la maquinaria para que se pudiera realizar, pero realmente el artífice en la sombra de Transformer fue Mick Ronson, auténtico productor del disco. David se limitó a ser el que trataba cara a cara con Lou (que no es poca cosa), pero la producción del disco, los arreglos y demás son obra casi exclusiva de Ronson.

Por otro lado, la producción del disco de Iggy fue... inexistente. A saber: Bowie le convenció para que se trasladara a Londres y que preparara material nuevo para un álbum, pero nunca llegaba el momento de meterse en el estudio. Iggy y los Stooges no sabían qué hacer, ya que el tiempo pasaba y David no parecía tener interés en producirles un nuevo trabajo: las explicaciones a este comportamiento no son ni muy claras ni concluyentes, pero parece ser alguna especie de celo profesional (parece ser que Bowie veía en Iggy un rival directo que le podía hacer sombra) unido al hecho de estar en plena promoción de su Ziggy Stardust, lo que le llevó a simplemente ignorar al de Detroit. De hecho, Raw Power fue grabado cuando la banda se metió en el estudio sin productor ya que Bowie y Ronson estaban de gira por EE.UU. Al regresar a Londres prácticamente se vio obligado a aceptar mezclar la grabación, algo casi imposible: la crudeza y simpleza de los Stooges llegaba hasta el extremo de no querer usar y aprovechar las posibilidades los multipistas, y el álbum completo estaba grabado en tres únicas pistas, lo que hizo que difícilmente se pudiera lograr algo decente en la mezcla (por ese motivo las guitarras prácticamente tapan todos los demás instrumentos, especialmente al bajo casi inaudible). La nula promoción del disco y boicot a una posible gira es otra historia...

Tenemos entonces que Bowie se llevó los honores de haber "rescatado" a sus dos compañeros cuando en realidad se limitó casi simplemente a convencerlos a que viajaran a Londres y aparecer en la foto. Desde luego que todos se vieron beneficiados de este encuentro, pero parece que quien sacó más rédito de toda esta historia fue Bowie. Al menos queda el legado de esta trilogía absolutamente imprescindible: The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (spotify), Transformer (spotify) y Raw Power (spotify).

Gary Higgins - Red Hash

2011-11-05T08:30:00.000+01:00

De vez en cuando uno se topa con joyas ocultas, obras absolutamente geniales que no tuvieron ni el éxito ni la repercusión que merecerían por su calidad. Son discos que uno disfruta doblemente: por la música obviamente, pero también por la sensación de haber descubierto un tesoro secreto. Algo como haber abierto una ostra y encontrar una perla allí. Uno de esos discos es Red Hash de Gary Higgins (Nufusmoon - 1973).

Este tipo es uno de esos personajes enigmáticos con que uno se topa al intentar descubrir algo sobre el artista que está escuchando. Cuesta encontrar cualquier dato sobre su vida y no digamos ya sobre su obra, que se reduce al disco que aparece sobre estas líneas. Un único disco a sus espaldas, y después... la nada. Vayamos por partes.

Resulta que Higgins era un chico de Connecticut que a mediados de los 60's tocaba en un grupo de rock'n'roll llamado Random Concept junto a un puñado de amigos y compañeros de colegio. Higgins estaba bastante influenciado por la música británica (The British Invasion), el folk y la psicodelia. Convertidos en unos de los mejores grupos de la escena local, llegaron a tocar bastantes veces en Nueva York, ejerciendo también como banda de acompañamiento de otros cantantes. Además, Higgins y su compañero Jake Bell se enrolaron en otra banda llamada Wooden Wheel.

En estas se encontraba el amigo Gary cuando en octubre de 1972, en una redada, es detenido por tráfico de marihuana y condenado a 13 meses de prisión. En los días previos a entrar en la cárcel llama a sus amigos de Random Concept (que se habían separado meses antes) y Wooden Wheel para grabar en una maratoniana sesión de 40 horas un disco intimista y reposado, etéreo y oscuro a la vez. Parece increíble la atmósfera lograda por los músicos teniendo en cuenta que se grabó en las horas previas a su encarcelamiento.

El disco, convertido en obra de culto con el paso de los años, fue grabado en un cuatro pistas de manera totalmente amateur. El sonido es un tanto deficiente, pero la frescura del "casi directo" resulta más conmovedora si cabe. Grabado con guitarras acústicas, bajo, cello, teclado y percusión, con la adición ocasional de flauta y mandolina, es uno de los discos más sencillos y emotivos que he escuchado.

Se editaron 3.000 copias de este álbum, en un sello minúsculo, sin promoción alguna y, claro está, sin posibilidad de darlo a conocer en conciertos al estar Gary en prisión. Red Hash, título que Higgins nunca aprobó, pasó desapercibido en su momento para posteriormente ser admirado y venerado , como le ocurriría a otro contemporáneo suyo: Perry Leopold, con dos discos autoeditados deliciosos que son Christian Lucifer y Experiment In Metaphysics.

En los años 90 empezaron a circular copias piratas del álbum y Red Hash se revalorizó de manera exponencial. Las copias originales son por supuesto objetos codiciados por los fans, pagándose cifras bastante altas en las ventas y subastas en internet. Sin embargo, Gary Higgins era un misterio: nadie sabía qué había sido de él, si estaba vivo o muerto, dónde se encontraba o a qué se dedicaba. Es años más tarde cuando los amigos de Splendid se embarcaron en la búsqueda de este enigmático músico y dieron con él, realizándole esta interesante entrevista en 2005.

Resulta que Gary Higgins había salido de la cárcel y, habiendo abandonado todas sus aspiraciones musicales, se casó y tuvo un hijo, desempeñando desde entonces empleos totalmente anónimos. Por supuesto que no dejó de tocar y componer durante todos estos años, pero ajeno totalmente a la cada vez mayor popularidad que adquiría su único disco, ya casi una leyenda. Por aquél entonces, y tras la reedición en el mismo 2005 de Red Hash, Higgins se encontraba ensayando con los músicos originales con que grabó su disco (salvo el cambio en la guitarra de Bell por su propio hijo, los tiempos cambian) para dar una serie de conciertos más de treinta años después.

Gary Higgins en el siglo XXI (obviamente)

Desde entonces ha publicado dos trabajos más, Seconds (2009) y A Dream a While Back (2011), sin mayor repercusión que la que le otorga su primer trabajo.

The Beatles según... Charlie Watts y Rob Bowman

2011-11-02T09:00:00.006+01:00

A los Rolling Stones de los primeros años se les asociaba con los Beatles debido a nuestra edad, porque éramos un grupo guitarrero y porque todo el mundo quería tener el éxito que ellos tenían; pero lo cierto es que éramos una banda totalmente diferente.

Nosotros éramos, para empezar, un grupo de directo – mucho mejor que ellos -, y Andrew [Oldman], comparado con Brian Epstein, era más joven y parecía estar más en la onda. El tipo era un reflejo del Londres del momento. No quiero decir con ello que fuese más listo que Epstein porque nadie ha alcanzado el éxito de que disfrutan los Beatles. Nadie se les acercó siquiera, a excepción de Elvis, Frank Sinatra y Bing Crosby. Epstein puso todo eso en movimiento pero, de otra forma, Andrew puso en el candelero a los Rolling Stones durante cuarenta años.

Charlie Watts, batería de los Rolling Stones.

Toda historia del rock and roll que se precie dedica una buena parte de su espacio a discutir el fenómeno musical de los Beatles, a través de canciones como Tomorrow Never Knows de Revolver y otros sencillos posteriores como Strawberry Fields Forever fueron los precursores de la experimentación ecléctica e introdujeron la noción de arte en el mundo de la música popular. Los Rolling Stones siempre han sido considerados, en tales estudios, como los progenitores del R&B de Londres. Eso significa que desempeñaron un papel fundamental en la difusión del blues entre los jóvenes norteamericanos blancos y dieron pie a la revitalización de ese estilo musical, encarnado en músicos como Muddy Waters y Howlin Wolf.

Aunque todo lo anterior es cierto, este relato estereotípico de la historia del rock de los años sesenta no acierta a reconocer que, mientras los Beatles se hallaban redefiniendo lo que podía ser una nueva forma de música popular, los Stones estaban forjando un estilo idiosincrático que se apoyaba menos en las fuentes europeas clásicas, pero que era igualmente innovador, ecléctico y amplio. Si los Beatles abrieron, entre 1965 y 1968, las puertas al rock progresivo, los Rolling Stones ayudaron a forjar el rock moderno.

Rob Bowman, profesor de música en la York University de Toronto.

Del libro According To The Rolling Stones, The Rolling Stones.

Nick Drake - Hazey Jane I

2011-10-30T09:00:00.000+01:00

Passion For Acoustics - Wooden Ships

2011-10-27T09:00:00.000+02:00

Llevo mucho tiempo queriendo hacer un Passion For Acoustics sobre Wooden Ships, probablemente desde que escuché la versión acústica de Stephen Stills en el álbum Just Roll Tape. Supongo que no la he escrito hasta ahora porque terminé algo cansado de Crosby, Stills, Nash y Young desde que hicimos el TOP10 sobre sus mejores álbumes. Fueron diez entradas escritas en profundidad sobre cada álbum y publicadas entre septiembre y noviembre de 2009. Si no existieran tales antecedentes, ahora podría explayarme hablando de la formación del trío CSN, pero tampoco vamos a repetir la misma información dos veces. Si alguien quiere profundizar un poco más, sólo tiene que entrar en este enlace en el que se le explicara al detalle la expulsión de David Crosby de los Byrds, la desbandada de Buffalo Springfield o el abandono de los Hollies por parte de Graham Nash. Centremonos hoy en la génesis de Wooden Ships paso por paso.

David Crosby creó la melodía de la canción mientras se encontraba en el camarote de uno de sus barcos. Suponemos que su estancia en los Byrds fue lo suficientemente lucrátiva como para poder permitirse una embarcación. En esta demo casera grabada en marzo de 1968 podemos escuchar al propio Crosby tarareando la melodía sin disponer aún de una letra definitiva.

Esta demo pertenece a una interesante colección de CDs con material inédito de CSNY llamado Released Rarities. La persona que publicó este interesante bootleg en 1999 llevaba años recopilando material inédito sobre el grupo. Inicialmente eran cinco CDs, pero la versión de la que yo dispongo abarca hasta ocho. La versión primigenia que acabamos de escuchar da comienzo al primer CD de Released Rarities.

Cuenta también Crosby que la letra surgió gracias a Paul Kantner de Jefferson Airplane y Stephen Stills, contribuyendo ambos con dos y una estrofa respectivamente. En Just Roll Tape, el álbum que recoge las grabaciones caseras registradas por Stills en abril de 1968, puede escucharse una letra definitiva al menos para los estribillos.

Just Roll Tape es un álbum imprescindible para entender la grandeza de la que hacía gala Stephen Stills a finales de los sesenta. Aunque la melodía de este tema en concreto pertenece a Crosby, Just Roll Tape dispone de varios bocetos de canciones que, posteriormente, se convertirían en obras maestras y nutrirían durante bastante tiempo la carrera discográfica de Stills en todas sus encarnaciones: Helplessly Hoping del álbum debut de CSN, Black Queen de su primer álbum en solitario o la magitral So Begins The Task de Manassas.

Wooden Ships fue publicada por partida doble el año 1969 en el álbum debut de CSN y en Volunteers de Jefferson Airplane. Suponemos que el espíritu hippie de finales de los sesenta llevaría a David Crosby a ceder amablemente semejante temazo por la contribución de Kantner a la letra definitiva. El material del que se partía era tan bueno que ambas versiones son geniales. El tema narra el encuentro entre dos supervivientes de una guerra nuclear, de manera que las estrofas iniciales están estructuradas a partir de un diálogo entre ambos. Wooden Ships se suma a otros temas, como A Hard Rain's Gonna Fall de Bob Dylan, en los que se cristaliza el temor a las consecuencias de la Guerra Fría. Sin embargo, el sentimiento catastrófico de A Hard Rain's Gonna Fall se atenúa en Wooden Ships, ya que David Crosby visualizaba la canción de forma que los supervivientes a la hecatombe nuclear parten alejándose de la orilla para fundar una nueva civilización.

Kiko Veneno - Échate un cantecito

2011-10-24T08:00:00.001+02:00

A finales de los años 70 se publicaron dos discos que con los años se consideran como fundamentales, pero que en su momento pasaron casi sin pena ni gloria: el primero de ellos fue el debut homónimo de Veneno (1977), considerado treinta años después como el mejor disco de la historia del rock español; el segundo fue La leyenda del tiempo de Camarón (1979), disco fundamental para el flamenco, y que entonces fue un rotundo fracaso de ventas y críticas (en su momento muchos de los que lo compraron devolvieron del disco con el argumento de que "no es flamenco"). En ambos proyectos se encuentra mezclado en mayor o menor medida el sujeto que hoy nos ocupa, este catalán muy fino que nació con el nombre de José María López Sanfeliu y que todos conocemos como Kiko Veneno.

Cualquiera diría que haber estado detrás de dos trabajos tan colosales le habrían valido para conseguir fortuna y gloria, pero nada más lejos de la realidad ya que, si bien siguió trabajando en mayor o menor medida en el mundo de la música, lo cierto es que se tuvo que buscar el pan por otros lares: lo mismo regentó un chiringuito en la playa que encontró trabajo estable en la Diputación de Sevilla. Por el camino publicó dos o tres discos más sin mucha repercusión, produjo a Martirio... y salió en La bola de cristal.

En estas se encontraba Kiko a principios de los 90 con su tranquilo trabajo de funcionario cuando un viejo amigo suyo de la movida madrileña, el artista Juan Perro también conocido como Santiago Auserón, le empujó a grabar el disco que supondría su auténtica consagración. Kiko, que llevaba varios años sin grabar, no había dejado sin embargo de componer y el tiempo libre que tenía lo dedicó a escribir esta magnífica colección de canciones. Convencido del proyecto, Juan Perro lo montó en un avión rumbo a Londres para grabar con Joe Dworniak. Lo que son las cosas, Kiko tuvo que toparse con este inglés para encontrar al compañero de trabajo que llevaba buscando quince años: a él le debemos la sublime producción de la que hace gala el disco, dando con el sonido y arreglos que cada tema necesita.

Y el resultado es un ramillete de canciones tan sorprendente como variado, con unas letras que magistralmente combinan el surrealismo más disparatado y el más cercano costumbrismo, y una musicalidad tan característica como diversa: es el pop aflamencado al que nos hemos acostumbrado, desde luego, pero juguetea aquí y allí con ritmos latinos y rumbas con naturalidad y frescura, confiriéndole un sonido único. Pero no solo es eso, es que en este disco prácticamente cada corte es un single por derecho propio: de hecho, en una lista elaborada por Rolling Stone de las 200 mejores canciones del pop rock español, se cuelan hasta cuatro temas de Échate un cantecito. Casi nada.

Kiko Veneno, preocupado por el cambio climático, el hambre en África y por aparecer en este blog

El tema que abre el disco es un buen ejemplo de casi todo lo apuntado hasta ahora: el Lobo López, desconozco si se trata de un mote o de una personificación (en su siguiente disco aparecerá El Lince Ramón), se encuentra con su amor perdido a ritmo de bossa nova. La calidez de la instrumentación, el tempo irresistible y la letra tan irrelevantemente cotidiana hacen que una historia tan minúsculamente trágica encierre sin embargo un guiño optimista ("Y pensar que ahí fuera/ hay todo un plantel/ de chicas hermosas/ flores temblorosas por dejarse comer"). No en vano se trata de un lobo... Y si el primer tema es todo un number one qué decir de Echo de menos, convertido ya en todo un clásico de su repertorio. Compuesta en principio para que la interpretara Martirio, Kiko no estaba del todo seguro sobre la calidad de esta canción, pero se convirtió en todo un éxito: ¿quién no ha repetido alguna vez aquello de "Lo mismo te echo de menos, lo mismo, que antes te echaba de más"? Kiko se encuentra aquí como pez en el agua, y desgrana todas las pequeñas cosas que echa de menos a ritmo de rumba, para llegar a ese estribillo que magistralmente resume toda la sabiduría popular en tres versos.

Superhéroes de barrio es otro temazo, un rock basado en el riff de guitarra que engancha desde el primer segundo. El ritmo vacilón y la surrealista letra que canta sobre niños jugando a ser superhéroes dan paso a una lista de héroes infantiles del propio Kiko: desde Joselito El Gallo a Rita Hayworth, pasando por Bob Dylan y Di Stefano. Una lista tan kistch y ecléctica resulta sin embargo natural viniendo de quien viene, ¿no es cierto? Fuego es otro tema movido y festivo, que a ritmo de samba contagia la alegría libidinosa de Kiko: "ni con agua en los bolsillos se me enfría el pensamiento"... Se pone cariñoso y picarón pero, con tanta metáfora, lejos de quedar obsceno resulta hasta romántico.

Otro de los momentos álgidos llega con Joselito, basada en un personaje real: era un viejo marinero y cliente habitual del chiringuito que regentaba Kiko en Conil, que cuando se emborrachaba se ponía a cantar La Zarzamora. Kiko se limita a musicar las vivencias que el mismo Joselito relataba en el bar, y convertirlo en un temazo de principio a fin. El final del disco, por todo lo alto, viene con En un mercedes blanco, una rumba que trata el drama de la droga entre los gitanos: al "diez duros de papel albal / y el cielo se ha iluminado" le sucede el "qué pena de muchacho le dicen la gente en los bares".

El disco fue creciendo en popularidad por el boca a boca y sobre todo con la gira Kiko Veneno y Juan Perro vienen dando el cante, que supuso el auténtico espaldarazo que, no solo el álbum, sino el propio Kiko necesitaba y merecía desde tiempo atrás.

Escucha Échate un cantecito en spotify pulsando aquí.

BackTrip: "GRIN"

2011-10-22T08:47:00.009+02:00

Grin

"GRIN"

Spindizzy (1971)

Nils Lofgren es un excelente guitarrista conocido mundialmente por formar parte de la banda de Bruce Springsteen, la E-Street Band. Algo menos conocida es su pertenencia a la primera formación de Crazy Horse, banda que acompaña a Neil Young en el álbum "After The Gold Rush" de 1970. También aparece en el disco homónimo que la formación publicó en 1971, "Crazy Horse". A partir de aquí, Nils se dedica a su propia carrera, primero con el grupo Grin, con el que publicaría cuatro álbumes, y más tarde en solitario.

El LP que recuperamos hoy es el primero de la formación, un trío de guitarra, bajo y batería, que contiene un puñado de composiciones propias donde la gran protagonista es la guitarra, tanto eléctrica como acústica. Las partes vocales se reparten entre los tres miembros de la banda y el resultado es un álbum de Rock básico, pegadizo y algo duro, que generó buenas críticas y pocas ventas.

Como el álbum no se encuentra en Spotify, os pongo un enlace de YouTube donde se encuentran la mayoría de las canciones del disco. Que lo disfrutéis.

Escuchar Grin - Grin (1971) en youtube

Jens Lekman - Night Falls Over Kortedala/An Argument With Myself

2011-10-20T09:00:00.004+02:00

No hace poco se publicó un nuevo EP de Jens Lekman, un músico sueco del que no teníamos noticias desde 2007. El EP atiende al nombre de An Argument With Myself y, a la vez que me despertaba una gran curiosidad, me hizo recordar lo tremendamente bueno que era su último trabajo hasta la fecha, Night Falls Over Kortedala. Su talento no ha cambiado un ápice desde entonces. No me considero un experto en Jens Lekman y, de hecho, me acabo de dar cuenta de que este hombre tiene multitud de EPs e incluso un álbum llamado When I Said I Wanted To Be Your Dog que aún no me he dignado a escuchar. Sin embargo, bien merece la pena repasar la parte de su obra que mejor conozco: el nuevo EP y el encantador Night Falls Over Kortedala.

Escuchar Jens Lekman – Night Falls Over Kortedala en spotify

Vayamos por partes. Night Falls Over Kortedala fue el último trabajo publicado por Lekman en 2007. No voy a deshacerme en elogios diciendo que es un buen exponente del pop barroco, cuando The Left Banke o The Zombies en los sesenta dejaron grandes obras maestras del género. Sin embargo, y para ser sueco, Lekman creo con Kortedala un disco que se acerca bastante al encanto de singles como Walk Away Renee o álbumes como Oddessey And Oracle. No tengo muy claro si para la confección del álbum contrató a una orquesta de verdad o si utilizó fragmentos orquestales que después fue repitiendo como samples debido a la insistencia con la que aparecen en las canciones. En cualquier caso, esos fragmentos resultan tan geniales en temas como Sipping On The Sweet Water o I'm Leaving You Because I Don't Love You que poco importa su procedencia. El disco además suena con una textura similar a si se estuviera reproduciendo como vinilo, incluso en Spotify podéis hacer la prueba (al menos, esa es la sensación que siempre me ha dado).

Y volvemos a lo mismo que en entradas anteriores. Poco importaría el sonido vinilo o los añadidos orquestales si las canciones no merecieran la pena. En este caso, el conjunto al completo es de una gran belleza. Tengo varias canciones favoritas, pero siento una gran debilidad por A Postcard To Nina, un tema lento con campanitas que, todo hay que decirlo, tocado en directo por Lekman suena tan torpe como excelente en su versión de estudio. Aunque las canciones son soberbias gemas pop por sí solas, los acompañamientos orquestales las elevan aún más si cabe. The Opposite Of Hallelujah, If I Could Cry o Your Arms Around Me son de lo mejorcito del disco y se encuentran repartidas estratégicamente para que el álbum no decaiga en ningún momento. Mención especial merece para finalizar I'm Leaving You Because I Don't Love You, con ese encantador piano como baza principal.

Portadas de Night Falls Over Kortedala y el EP An Argument With Myself

El EP recientemente publicado nos devuelve a un Lekman en plena forma que demuestra otra vez la misma genialidad de hace años. Las excelentes canciones regresan con fuerza, aunque esta vez el músico parece haber dejado aparcadas las orquestas para abrazar con estilo y elegancia una nueva vertiente de ritmos más exóticos como el reggae o la salsa. No soy muy amante de ambos géneros, pero las nuevas influencias armonizan tan bien como los violines de antaño las nuevas composiciones. Es un EP sin desperdicio, aunque yo destacaría una canción llamada Waiting For Kirsten, encantador homenaje que se ha marcado Lekman dedicado a la actriz Kirsten Dunst.

Escuchar Jens Lekman – An Argument With Myself en spotify

Band Of Horses - Recopilatorio MIMS

2011-10-17T09:00:00.013+02:00

No tengo muy claro si alguien escuchará los recopilatorios que publicamos en el blog a través de spotify, pero al menos disfruto de estas largas entradas donde analizo mis canciones favoritas de tal o cual grupo.

Hoy le ha tocado a Band Of Horses, una banda genial que tiene una discografía tan corta como soberbia. Tres grandes discos que he ido descubriendo gradualmente desde su último trabajo hasta llegar a su álbum debut no hace poco. Aquellos que tienen un blog sabrán que es frecuente planear más entradas de las que llegas a publicar y Band Of Horses ha sido siempre una de mis asignaturas pendientes. Me habría gustado escribir algo sobre Infinite Arms en su momento, o también cuando quedé deslumbrado con su segundo disco, Cease To Begin, pero o no encontraba el tiempo suficiente o me decantaba por escribir sobre cualquier otra cosa. Aprovechamos la excusa del recopilatorio para hacer un breve recorrido por su discografía. Sólo conozco sus tres largos, así que obviaremos el EP de cinco canciones con el que se dieron a conocer.

Empecemos desde el principio: Everything All The Time, su álbum debut, me resulta tan potente como los dos posteriores, aunque parece apuntar sutilmente hacia otra dirección distinta. No sé, yo lo visualizo algo más desenfocado que los otros dos, en los que la personalidad de la banda parece mucho más definida. Quizá sea su disco más rocoso en cuanto a guitarras, evitando en cierta medida los medios tiempos que tan buenos momentos nos han dado en su obra posterior. De este álbum me gustaría destacar The First Song, corte que abre el recopilatorio como no podía ser de otra manera. El rasgueo que antecede a los estribillos y los acordes de guitarra son enormes. Si tuviera que hablar de la voz de Ben Bridwell cada vez que contribuye a engrandecer un tema, tendría que hacer mención a ella en cada uno de los siguientes cortes que vamos a desgranar, así que ya queda dicho para The First Song y para el resto. Wicked Gil es una canción menos ceremoniosa que la anterior y más acelerada. En cuanto a la tercera en discordía, dudé entre The Funeral, The Great Salt Lake y Weed Party. Me costó mucho decidirme, pero al final me quedé con la tercera, al ser uno de los cortes que más elevan el nivel en la segunda mitad del disco.

Cease To Begin es mi álbum favorito de la banda, por encima del laureado Infinite Arms. Es una auténtica delicia y guarda un equilibrio perfecto entre los temas lentos y aquellos en los que se dejan llevar por el guitarreo. La portada es la mejor de su corta discografía y el álbum al completo no tiene desperdicio, creo que es su trabajo más redondo. Is There A Ghost, la canción que da el pistoletazo de salida, comienza tímida para desplegar después una gran contundencia. La melodía de la voz queda tan bien en el sobrio comienzo como después, secundada por potentes guitarras y una machacona batería. Sin darme cuenta, he seleccionado para el recopilatorio los cuatro primeros temas de este álbum. Además de Is There A Ghost, han caído Ode To LRC, No One's Gonna Love You y Detlef Schrempf. Este último tema con su extraño nombre, es mi favorito de Cease To Begin y compite directamente con Laredo para alzarse como mi canción favorita de la banda. Ben Bridwell no puede cantar mejor que en Detlef Schrempf ni hilvanar melodías de una forma tan sobresaliente. Por su parte, No One's Gonna Love You empieza con una guitarra con eco que desemboca en unas preciosas estrofas. Cigarettes, Wedding Bands es de lo mejor de la segunda parte del disco. Un tema que empieza fuerte y marca la diferencia. El estribillo desbocado es un arrebatador ejercicio de potencia bien dirigida. Repito, Cease To Begin es para mí su mejor disco hasta la fecha.

Y finalmente aterrizamos en Infinite Arms y el éxito internacional tan merecido. No lo sitúo como su mejor trabajo, porque escucharlo de principio a fin como Cease To Begin se me hace un poco cuesta arriba. En Infinite Arms soy más de picotear que de ponérmelo entero. Factory, secundada por esa orquesta, es otro arranque de álbum excepcional. Laredo es, ya lo dije antes, uno de mis temas favoritos de la banda, si no el que más. Cuando me decidí a abordar Infinite Arms por primera vez, me di cuenta con claridad de que Laredo le sacaba varias cabezas al resto de cortes del álbum. Es más, dejándonos de tonterías, creo que es uno de los mejores temas que he escuchado en mi vida. Si está canción es grande por sí sola, mayor se vuelve si tenemos en cuenta esa segunda voz potenciando los estribillos, o esa guitarra que no da tregua al corazón desde el principio hasta el final. Es simplemente perfecta. Infinite Arms, el corte que da título al álbum, es un medio tiempo marca de la casa con voces corales donde no sabes que destacar, si la melodía en sí misma o el excepcional trabajo vocal del grupo. Y finalmente, Dilly. ¿Sonaría repetitivo si hablo otra vez del trabajo vocal? En este caso, los estribillos entrecruzan voces de una forma excepcional.

Poco más que decir, espero no haber sonado muy apasionado. Por cierto, a principios de octubre, Tyler Ramsey anunciaba en una entrevista a Mondosonoro que el grupo estaba trabajando en su cuarto trabajo. De seguir a este nivel, podría ocurrir que se convirtieran en la mejor banda del mundo.

Band Of Horses - Recopilatorio MIMS

Top Ten Beatles Songs - Nº 06: Let It Be

2011-10-14T09:00:00.008+02:00

Después de las tormentosas sesiones para el White Album en las que los Beatles habían hecho malabarismos para evitarse los unos a los otros en el estudio, el grupo comenzaba en 1969 un nuevo proyecto que llevaría el título provisional de Get Back. La idea consistía en grabar una película sobre la génesis de un nuevo álbum que terminaría con la interpretación de un único concierto tras varios años alejados de las tablas.

McCartney seguía intentando mantener ocupados a sus compañeros tras la muerte de Brian Epstein, siendo además el miembro de los Beatles que más echaba de menos la energía de las actuaciones. Si mostraba abiertamente su deseo de volver a las extenuantes giras sabía que contaría de entrada con el rechazo tajante de Harrison, por lo que el proyecto Get Back con película/concierto fue la opción más conciliatoria para todos.

Sin embargo, grabar una película durante las sesiones del nuevo álbum se convertiría en una tortura para el grupo y terminaría minando la poca camaradería que les quedaba. Si los Beatles se habían acostumbrado a crear relajadamente en los estudios EMI desde los tiempos de Sgt. Pepper, ahora tenían que trabajar a contrarreloj en un ambiente menos familiar, el de los estudios Twickenham, mientras un equipo de cámaras seguía todos sus movimientos.

Se habían autoimpuesto además no realizar recordings para el nuevo álbum, por lo que no les quedaba otra que ensayar y ensayar hasta que las canciones salieran perfectas en una sola toma, una idea diametralmente opuesta a los nuevos métodos de grabación que habían potenciado desde Revolver. Ian McDonald afirma que todo aquello era del todo innecesario, ya que no había razon ecónomica para que un grupo con el status de los Beatles en 1969 tuviera que trabajar tan duro.

Let It Be fue uno de los temas propuestos por McCartney durante esa epoca, aunque la composición del tema data de los tiempos del White Album. Según cuenta Ian McDonald:

Durante el verano de 1968, en que las sesiones para The Beatles fueron especialmente hostiles, [McCartney] se pasaba las noches en vela, en un estado de inseguridad muy diferente al del personaje tranquilo y encantador que gustaba de interpretar en público. Al final, tuvo un sueño impresionante en el que su madre, Mary, se le aparecía y le decía que no se preocupase tanto por las cosas, que las dejase estar. Como tantas otras experiencias, esto se convirtió rapidamente en canción.

A pesar de que críticos musicales como Julian Ruiz se empeñen en repetir hasta la saciedad que Let It Be está inspirada en el tema Bridge Over Troubled Water de Simon & Garfunkel, nada más lejos de la realidad. Let It Be fue creada durante el verano de 1968, un año antes de que Paul Simon compusiera la canción que daría título al disco más conocido del dúo folk.

Personalmente, nunca he sido muy devoto del tema. De hecho, durante las votaciones para el presente ranking allá por 2004, me sorprendió el aluvión de puntos que Let It Be iba recibiendo día tras día. Por poco se nos cuela en el Top 5. Ian McDonald de nuevo:

Con su aire de consuelo celestial y su letra universalmente comprensible (muchos supusieron con toda naturalidad que se refería a la virgen María), Let It Be ha alcanzado una popularidad desproporcionada a su peso artístico. Acercándose más al rock que al pop, el cuadrado ritmo de gospel, las suspensiones religiosas y la monotonía armónica general, ofrecen una complaciente elevación del alma, más que una revelación; un Hey Jude sin la liberación musical y emocional.

Uno de los aspectos más interesantes de Let It Be, dejando a un lado su sorprendente génesis, fue el maltrato al que fue sometida antes de ser publicada. Por un lado, a Lennon le desagradaba profundamente ese halo de catolicismo que emanaba el tema. En cierta ocasión, preguntó a McCartney mientras la ensayaban si tenían que reír durante el sólo de guitarra. Esto podría haber quedado como una simple anécdota dentro del estudio, pero la malvada secuenciación del álbum original de 1970 fue también sugerida por Lennon: así, Let It Be quedó encajonada entre un comentario del propio Lennon en el que decía "Ahora nos gustaría hacer que Hark el Angel se corriera" y Maggie May, una balada sobre una prostituta de Liverpool que los primeros Beatles utilizaban para calentar antes de los conciertos.

Y la cosa no quedó ahí. La inclusión de Phil Spector como productor para sacar algo decente de las caóticas sesiones del proyecto Get Back tampoco resultó muy favorable al tema. Según cuenta Geoff Emerick en su libro, Spector arrinconaba las grabaciones de los Beatles en una o dos pistas para poder agregarles todas las orquestaciones posibles. Cambiaba acordes en algunos temas e incluso borraba pistas que se convertían en irrecuperables sin consultar con los propios Beatles. No es de extrañar que McCartney anunciara la disolución del grupo cuando descubrió el estado en el que iban a ser publicados temas propios como Let It Be o The Long And Winding Road.

Let It Be cayó, como enésima casualidad afortunada en la historia del grupo, al final de su discografía como perfecta despedida póstuma. El sentimiento de impotencia que inspiró la canción a McCartney ante la inevitable desintegración del grupo fue reinterpretado por los fans como un canto de consuelo ante el triste final de los Beatles. Como no me gusta la versión de Spector y creo que, aunque adulterado, el álbum Let It Be... Naked está más cerca de la idea original del grupo, dejo aquí la versión de este tema según fue reciclado en 2003.

TOP 5 Canciones sobre rupturas

2011-10-11T08:30:00.003+02:00

Advertencia a la población: a pesar de la temática de la entrada, en el siguiente texto en ningún momento se nombra ni se hace referencia alguna a Pimpinela.

Seguimos bajo la influencia de Rob Fleming (pues a ver si se nota, pensará alguno xD), y continuamos con la cada vez más cansina costumbre de elaborar rankings, a los que estamos llamando TOP5 y que ya ha tenido algunas entregas previas de dudoso gusto.

Todos sabemos que básicamente hay solo dos temas para componer canciones: las que hablan de amor, que se escriben para poder ligar (en eso consiste el rock básicamente), y las que se componen después de haber intentado ligar, que tratan sobre rupturas y calabazas varias. Hay quienes escriben canciones tocando otros temas, es cierto, pero son pelmas como Ismael Serrano y gentuza así que nunca aparecerán en esta página.

La presente lista está compuesta por cinco canciones que tratan el tema de las rupturas. No de cuando uno se siente solo, o deprimido, o se lamenta del amor que tuvo y se fue... No, tratan sobre rupturas en primera persona y en tiempo real, algo así como el Minuto y Resultado de los fracasos sentimentales pero sin el mítico "Goool en Las Gaunas" de fondo.

¡Ah! Y como siempre, desde luego que hay ausencias notables y llamativas, pero se trata de una lista personal e intransferible. Estas canciones quizá no sean las mejores, pero son las cinco que en algún momento han significado algo para el autor de estas líneas.

5. The New Raemon - Tú, Garfunkel

Uno de los habituales de la página, el ínclito Ramón Rodríguez, publicó un primer disco minimalista y conmovedor en el que este tema destacaba como eje central del mismo y se erigía en himno para los fans del grupo. Una canción redonda donde la única pega que le encuentro son las líneas de la última estrofa sobre la comida china y el repartidor (sobre todo después de que un fan en su versión casera cambiase cierta rima dándole un toque más cómico, desde luego, pero perdiendo la tensión totalmente). Ramón más emotivo y cercano que nunca.

El coro final, "yo soy Simon / tú Garfunkel", un clásico ya entre sus seguidores.

4. Jeff Buckley - Last goodbye

Su muerte prematura nos privó de su talento, pero con un único álbum editado Jeff Buckley alcanzó la gloria para no abandonarla nunca. Quizá no tan famoso ni tan inspirado como Grace o su versión del Hallelujah, este tema es emocionante y sentido por la letra tan directa y, sobre todo, por la magistral interpretación vocal. En sus versos dice a su pareja cómo este es el último adiós, el último abrazo, y cuando canta "Kiss me, please, kiss me /But kiss me out of desire, babe, and not consolation" logra emocionar y transmitir la mezcla de sentimientos que le invaden en ese momento.

3. Glen Hansard - Leave

Desgarrada y cruda balada que aparece en la banda sonora de la película Once, donde servidor descubrió al magnífico cantautor que es Glen Hansard. Se trata de un minimalista y sobrecogedor tema cuya continua ascensión culmina con el irlandés, a voz en grito, pidiéndole a la chica que se vaya, todo ello con el único acompañamiento de su ajada guitarra acústica.

Atendiendo a la mínima letra y la simplísima instrumentación, pocas veces con tan pocos elementos se logró transmitir tanto.

2. Gloria Gaynor - I will survive

Da igual que sea una de las canciones más quemadas del mundo, que no falte en cualquier celebración, o que se haya convertido en himno gay... Por encima de todo estamos hablando de un señor temazo. Considerada una de las canciones feministas por excelencia, el contagioso ritmo disco y la fuerza de la interpretación casi nos hace olvidar que estamos ante una canción que trata sobre una ruptura y la posterior reafirmación de la independencia de la mujer.

Con una canción así da gusto que lo dejen a uno.

1. Led Zeppelin - Babe I'm gonna leave you

La banda de rock más excesiva de todos los tiempos versionó este tema (originariamente folk) que le habían oído a Joan Baez, pero lo hicieron tan suyo que nadie daría crédito a que la compositora del tema original es una tal Anne Bredon. La alternancia entre arreglos acústicos y eléctricos así como el característico sonido blues-rock de banda hacen de la canción una auténtica apisonadora, guiada por las guitarras de Page y la arrebatada interpretación de Plant.

Grandiosos.

T-RESeñas: Wilco - The Whole Love

2011-10-08T08:30:00.001+02:00

The Whole Love, octavo álbum de estudio de Wilco, fue publicado el pasado 27 de septiembre de 2011 por el sello dBpm Records.

Manuel J: El primer álbum que escuché de Wilco fue A Ghost Is Born. Por entonces no conocía ninguno de sus trabajos previos, así que esa experimentación que todos destacan en ese álbum pasó totalmente desapercibida para mí por falta de referencias anteriores. A Ghost Is Born sigue siendo mi disco favorito de Wilco y lo es gracias a la enorme calidad de sus canciones, no a los interesantes trucos de estudio de los que hace gala. Los que esgrimían a Wilco como punta de lanza para la escena independiente por lo arriesgado de su propuesta llevan años sintiéndose decepcionados porque, después de A Ghost Is Born, sus trabajos se han vuelto más convencionales. The Whole Love mantiene esa misma línea alejada de sorpresas, aunque deja una falsa pista en el tema que abre el álbum, Art Of Almost. A pesar de esa ida de olla del principio, el nuevo álbum de Wilco retoma a partir del segundo tema la misma línea que sus dos anteriores trabajos. Y no falla. El álbum es difícil de atrapar, pero después de varias escuchas se descubre como la mejor colección de canciones que hayan publicado desde A Ghost Is Born sin llegar a superarlo. Nunca fui devoto de Sky Blue Sky ni mucho menos de Wilco (The Album), pero The Whole Love me ha atrapado con la frescura de I Might (que me recuerda al Bowie de Jean Genie), las estrofas de Born Alone que se cuelan debajo de ese memorable riff de guitarra o esos encantadores acordes que acompañan al tema The Whole Love. Mención especial recibe One Sunday Morning, un tema hipnótico que salé airoso de una dura prueba como son sus doce minutos de duración.

Lo mejor: The Whole Love

Lo peor: Standing O

Nota: 7

Bruno: ¿Debería sentirme culpable por preferir al Jeff Tweedy de vida turbulenta (con sus adicciones, depresiones, jaquecas, peleas con los miembros de la banda...) que al actual de vida más cómoda y placentera? El primero parió discos geniales donde experimentaba y sacaba afuera sus demonios, mientras que el segundo disfruta marcándose discos de folk-pop más calmados y pulcros. Y esto último es precisamente lo que encontramos aquí, una prolongación del espíritu de Wilco (The Album): cada corte es una elaborada y pulida gema de pop, y el disco una buena muestra de la amplitud de registros de la banda. Salvo algún escarceo experimental que suena más a impostura que a otra cosa (Art of almost), el resto del álbum es una bonita colección de canciones muy disfrutables y magistralmente interpretadas. Sin duda es un disco recomendable y que degustamos con alegría y fruición, pero adolece de la chispa y el atrevimiento de aquellos colosales Yankee hotel foxtrot y A ghost is born. Parece que estamos ante la reafirmación de un nuevo ciclo de los de Chicago.

Lo mejor: I might, One Sunday morning

Lo peor: Art of almost, y la cada vez más notable complacencia de Tweedy

Nota: 6'5

revolver: Yo creo que Jeff Tweedy ha completado el círculo que inició con “Sky Blue Sky”. Repite banda por tercera vez y repite estilismo musical (¿Trilogía?). Si bien nos da unas cuantas de cal y otras de arena, tal vez para contentar a todos sus seguidores, a aquellos que siempre esperan otra vuelta de tuerca apuntando hacia la vanguardia y, también, para los que se conforman con canciones redondas y bien ejecutadas. Porque se les podrá tachar de lo que se quiera, pero la banda ha adquirido una cohesión en la ejecución musical que es apabullante. Son auténticos artesanos del Rock. En cuanto al contenido del disco, ellos mismos manifiestan en entrevistas que están encantados con el resultado y dicen que es el álbum que les apetecía y que querían hacer. Incluso ‘Art of Almost’ está tal cual la fueron pariendo en el estudio, de forma casual/experimental. Este álbum es su “Sgt. Pepper’s” particular; la independencia de trabajar con un sello propio, sin presiones de la multinacional Warner y el poder utilizar más el estudio para experimentar les ha llevado a calificarlo como su mejor álbum:

“Él (Jeff) dijo algo como: “Ey, nuestro siguiente disco debería ser nuestro Sgt. Pepper". No es que lo hayamos hecho, pero creo que ese impulso inconsciente fue lo que nos hizo grabar un disco en el que realmente utilizásemos el estudio.” – Pat Sansone

“Si dije eso, quería decir que hiciésemos el mejor disco de todos los tiempos. Siempre me siento así. No creo que haya nada divertido en hacer un disco bueno de Wilco. Lo realmente divertido es probarte contra las cotas más ridículas de gloria que puedas imaginas, pero teniendo bien claro que alcanzar algo así es imposible”.- Jeff Tweedy

“Para mí ha sido como cada vez que escuchaba por primera vez un disco de los Beatles. Hay tanto que explorar en The Whole Love”.- Bob Ludwig, responsable de masterización de The Whole Love

“Grabamos todo el disco en el ordenador así que teníamos la oportunidad y la maldición de usar pistas ilimitadas. Yo me impuse un límite: no iba a tocar el piano en este disco, sino usar sintetizadores y tecnología para crear texturas diferentes”. – Mikael Jorgensen

Lo mejor: I Might, Born Alone.

Lo peor: Sunloathe, Capitol City.

Nota: 7

The Beatles según... The Byrds

2011-10-05T09:00:00.004+02:00

Los Beatles reciben la visita de David Crosby mientras graban Sgt. Pepper

Fueron los Beatles, que a principios de 1964 conquistarían los Estados Unidos, los que unieron al trío de folkies. McGuinn empezó a aplicar el sonido de los de Liverpool a canciones folk e incluso a interpretar temas suyos con la guitarra acústica de doce cuerdas. En busca de una oportunidad, se trasladó a Los Angeles, donde coincidió con Clark, que había dejado a los New Christy Minstrels después de escuchar a los Beatles. Decidieron formar un dúo, pronto ampliado a trío con la incorporación del impulsivo Crosby, que no pudo evitar subir al escenario a cantar con ellos al verlos actuar en el Trobadour.

El impacto de los Beatles en los tres fue enorme: "Debía haber oído I Want To Hold Your Hand en la radio, pero realmente ser golpeado con todo un álbum en la cara fue una conmoción. En ese tiempo el Rock'n'Roll tenía tres cambios, quizás cuatro. Y aquí había unos tipos tocando música parecida al folk, con acordes menores, pero con un ritmo de Rock'n'Roll" (Crosby). "Supongo que lo que más me sorprendió fue que estaban utilizando muchísimos cambios de acordes de la música folk. Estaban utilizando acordes de paso que yo había aprendido de Bob Gibson y otros músicos de folk, y el Rock'n'Roll no había utilizado acordes de paso hasta ese momento, de modo que, de alguna manera, estaban combinando sutimente folk y rock. Supuse que eran folkies que se habían pasado al rock. Estaba equivocado, según descubrí después" (McGuinn).

La influencia de los británicos no se limitaba al terreno musical, especialmente después de que la película A Hard Day's Night ofreciera una versión idealizada de su vida como estrellas, tal y como recuerda Crosby: "El formato de banda, sus instrumentos, la banda como un intento de democracia o una especie de familia... aprendimos todo aquello de los Beatles. Queriamos ser como ellos, pero lo que pasó es que, afortunadamente, acabamos lanzándonos en nuestra propia dirección. Pero es incuestionable que cuando comenzamos queríamos ser como los Beatles, llevar el pelo como ellos, tener guitarras como las suyas y tener chicas como las que ellos tenían".

Del libro Pájaros de 12 Cuerdas. Guillermo Soler.

R.E.M. - The Great Beyond

2011-10-02T09:00:00.004+02:00

Josh Rouse And The Long Vacations

2011-09-29T09:00:00.016+02:00

Las novedades discográficas que más he esperado este año se están convirtiendo una tras otra en grandes decepciones. Circuital, el nuevo álbum de My Morning Jacket, no me dice absolutamente nada, a pesar de las buenas críticas que ha cosechado en varias revistas especializadas. Por otra parte, la oportunidad que tuve hace varias semanas de escuchar The Whole Love, lo nuevo de Wilco, me dejó muy mal sabor de boca. Escuche el álbum al menos tres veces durante aquel domingo a través de la página web y me quedé con la impresión de que sólo salvaría de la quema tres canciones (una de ellas, demasiado larga como para escucharla habitualmente). Aún quedamos a la espera de saber que puede ofrecer Ryan Adams, resucitado para la escena musical después de varios años, o The Jayhawks con su vuelta a la formación clásica en Mockingbird Time. Este último lo tengo pendiente y aún no me he puesto a pesar de las buenas críticas.

Entre tantos grupos que han vuelto y otros que están por llegar, se cuela el nuevo proyecto de Josh Rouse que lleva por nombre Josh Rouse And The Long Vacations. He tenido la oportunidad de escuchar el disco desde que está colgado en la página web del músico y me he hecho una idea bastante clara para evaluarlo con conocimiento de causa. En primer lugar, dejar claro que The Long Vacations no supone una vuelta al alto nivel de discos como Nashville o Subtitulo, aunque si parece una tímida remontada después de El Turista. Quizá las críticas que le llovieron por su acento cuando cantaba en nuestra lengua han hecho recapacitar al músico y este nuevo álbum no da ninguna concesión al castellano, gracias a Dios.

Las canciones que avanzabamos en una entrada anterior no nos daban muchas esperanzas, menos mal que lo mejor del álbum aún permanecía escondido. Tampoco es para tirar cohetes, pero yo apostaría fuerte por Movin' On, el segundo corte del álbum que se descubre como un tema muy bien construido. Fine Fine se deja llevar de nuevo por ritmos allende los mares y nos ofrece una canción suave con aroma de clásico. Mi canción favorita es la breve Bluebird St, un tema precioso tocado al piano que se eleva como lo mejor de esta nueva entrega con menos de dos minutos de duración.

Después de hablar de lo más destacable, ahora toca evaluar el resto. Echando cuentas, Josh Rouse And The Long Vacations es un trabajo demasiado breve, ya que parece sobrepasar los 20 minutos casi por los pelos. Y es que este hombre está haciendo últimamente cosas muy raras. ¿Cómo puede publicar un álbum tan corto? Lo normal, después de El Turista, sería responder con más contundencia. En cualquier caso, las canciones son nueve y tampoco parecen pedir más desarrollo del que su autor les ha dado. En cuanto a la portada, parece que se ha puesto de moda el minimalismo en 2011, ya que hace gala de un estilo muy similar al del nuevo álbum de Wilco.

En resumen, lo nuevo de Josh Rouse no satisface ni llega a colmar expectativa alguna como obra global. No hay ninguna canción que recuerde glorias pasadas y la monótona suavidad que envuelve a todos los cortes juega en contra del impacto que pueda causar en el oyente. El disco es breve incluso para aquellos que abogan por condensar el material después de que, con la aparición del CD, se disparara la duración de los trabajos musicales.

De propina, el pasado mes de julio apareció en la página de Noisetrade una especie de avance/ recopilatorio/ rarezas ofrecido por el propio músico de forma gratuita. Estamos hablando de Summertime Noisetrade Sampler, que contiene un par de temas que ya avanzaban el nuevo álbum (Digging In The Sand y Oh, Look What The Sun Did!, esta última en una versión más básica), temas de siempre como Quiet Town o Hollywood Bassplayer, cortes en directo de Sad Eyes o Love Vibration... y, para rematar, otros inéditos como Start Again, Paros Island o 123. Esta extraña mezcla, que dura hora y media, se ofrece gratuitamente siguiendo este enlace con sólo escribir un email en el que recibir el link de descarga. Yo lo recomendaría sólo para aquellos que sean muy fans del músico, si es que queda alguno después de tanto desbarajuste. Los temas inéditos no son nada del otro mundo, aunque gracias a esta extraña colección de canciones acabo de redescubrir un tema que ya conocía, pero al que no había prestado mucha atención: These Long Summer Days del EP She's Spanish, I'm American.

Geoff Emerick y Howard Massey - El Sonido de los Beatles

2011-09-26T09:00:00.006+02:00

Horrible, pero reveladora portada: McCartney reluce con luz dorada en el centro

Que yo recomiende un libro sobre los Beatles, teniendo en cuenta la pasión que demuestro en cada una de las entradas que les dedico, no debe darme mucho crédito como lector imparcial, pero creo que merece la pena intentar convencer al que lea estas líneas de lo recomendable que resultaría hacerle un hueco en cualquier bibliografía sobre música que se precie.

En primer lugar, me gustaría hablar del tipo de literatura que me gusta leer sobre los Beatles. Mi libro de cabecera sobre el grupo siempre ha sido y será Revolución en la Mente de Ian McDonald. Lo considero indispensable para cualquier fan de los Fab Four. Dejando un lado que es un libro intensamente crítico con el que se podrá estar más o menos de acuerdo, transmite una pasión por la música del grupo que apenas he llegado a apreciar en ningún otro. Es un libro de revelaciones muy bien documentado que se centra en los aspectos musicales y técnicos, echando mano de las circunstancias personales de los miembros de los Beatles sólo cuando son necesarias para contextualizar las canciones de las que habla. Después de Revolución en la Mente, iría el resto.

El libro de Geoff Emerick le pisa los talones a la insigne obra de McDonald por varios motivos: entre sus líneas encontramos el testimonio de un valor incalculable de un hombre que conoce al detalle los entresijos técnicos de la etapa dorada del grupo. Geoff Emerick entró a trabajar en Abbey Road siendo un adolescente recien salido de la escuela. El segundo día de su trabajo como ayudante del ingeniero auxiliar se topó con otros recien llegados de Liverpool que empezaban a grabar con el ingeniero Norman Smith y el productor George Martin. Poco a poco, Emerick fue demostrando su valía hasta convertirse en el ingeniero de los Beatles durante cuatro años, abarcando su obra cumbre desde Revolver hasta el White Album, saltándose el fiasco de Let It Be para volver a reencontrarse con el grupo en el álbum Abbey Road. No hablamos de un testimonio imparcial, ya que se le nota su apego por McCartney, pero si de un espectador privilegiado que aporta una visión imprescindible para entender la forma de trabajar del grupo dentro del estudio.

Emerick no deja títere con cabeza cuando evalúa las personalidades de todos los que le rodeaban: acusa a George Martin de falta de liderazgo para encauzar los últimos álbumes del grupo, habla de la falta de personalidad y el desinterés de Ringo en las sesiones de grabación y se deshace en adjetivos cuando describe al seco de George Harrison o al irritante y bromista Lennon. Si Ian McDonald en Revolución en la Mente tiende a idealizar las circunstancias que rodearon cada canción, el relato de Geoff nos muestra por el contrario a unos Beatles demasiado humanos. Las conversaciones transcritas y las situaciones recordadas por Emerick resultan tan reveladoras que entiendes como pudo dejar al grupo en mitad de la grabación del White Album, cuando cualquier otro ingeniero de la época hubiera suspirado por grabarles.

También resulta de agradecer que el libro esté dedicado casi en exclusiva a la relación de Emerick con los Beatles, hablando lo esencial sobre su biografía personal para poner al lector en antecedentes sin llegar a impacientarlo. Entre tanto recuerdo se desvelan algunas anecdotas bastante interesantes desconocidas por mí hasta ahora, como aquella en la que Lennon intentó sustituir la cara A del single Lady Madonna por su tema Hey Bulldog en el último momento, o cuando se cuenta que el truco de empalmar trozos de organo en Being For The Benefit Of Mr Kyte ya había sido utilizado antes sin éxito en el tema Yellow Submarine. Además, El Sonido de los Beatles no termina con Abbey Road, ya que queda un jugoso capítulo dedicado a la difícil grabación en Lagos del álbum Band On The Run de Paul McCartney en solitario.

Compré el libro el sábado pasado y, en cuanto lo tuve en mis manos, no pude resistirme a aparcar otros que estoy leyendo en beneficio del de Emerick. El poco tiempo libre que he tenido lo he dedicado al libro, ventilándome cuatrocientas páginas sin apenas darme cuenta.

Top 5 Grupos Indies Nacionales

2011-09-23T09:00:00.007+02:00

Cuando le dedicamos una entrada a hablar sobre las virtudes y defectos de la escena independiente de este país, comenté que la idea original era hacer un pequeño ranking con mis cinco grupos independientes nacionales. Se podría decir que el prólogo empezó a crecer y crecer hasta fagocitar el ranking que tenía pensado. De ahí viene esta entrada, publicar sin más dilación el top 5 prometido. Advierto que es una selección muy personal que he confeccionado teniendo bastante claras todas las posiciones.

5. Los Planetas

Ya por ser el primer grupo nacional del que compré un álbum original, merecían aparecer en este ranking. Me hice con Unidad de Desplazamiento porque había sido elegido el mejor álbum nacional del año 2000 según Mondosonoro, y no me arrepentí de la compra para nada. Tengo varios de sus discos originales, aunque en los últimos tiempos me he desconectado un poco de ellos por esa fusión flamenco rock que llevan desarrollando desde La Leyenda del Espacio. Esa nueva dirección en su música no termina de llegarme, aunque el proyecto paralelo de Jota con Grupo de Expertos Solynieve, que también bebe de influencias sureñas, me es más afín por aquello de aligerar el enfoque (por cierto, su segundo álbum será publicado en breve). Esa es la dirección que deberían haber tomado y no tanta sobrecarga angustiosa por tientos y soleares. Al contrario que toda la gente que les crítica, me parece muy original esa especie de noise rock de sus primeros discos en el que la voz se convierte en un instrumento más.

Disco favorito: Unidad de Desplazamiento (2000)

Canción favorita: Un Buen Día (Unidad de Desplazamiento)

4. Vetusta Morla

Han publicado sólo dos álbumes, pero algunas de sus canciones me parecen de lo mejor que he escuchado nunca en castellano. Es un grupo con una personalidad arrolladora, aunque se diga por ahí que son una mala copia de Radiohead o que la voz del cantante es insufrible. Su rápido ascenso a la primera plana de la escena musical de este pais es sólo comparable a la de los Arctic Monkeys hace algunos años. Un Día en el Mundo me parece súblime en su primera mitad y aborrecible en la segunda. Aún no he decidido si su segundo álbum me gusta más que el primero, aunque si me parece mucho más equilibrado al contener canciones de un nivel más parejo. Podrían haber subido más puestos si sus discos no me parecieran tan irregulares, pero ya digo que están aquí por un puñado de canciones sublimes. Si el tiempo y el trabajo lo permite, espero verlos por primera vez en directo el próximo 29 de Octubre en Sevilla.

Disco favorito: Mapas (2011)

Canción favorita: Sálvese Quien Pueda (Un Día en el Mundo)

3. Love Of Lesbian

Lo mejor que pudieron hacer estos chicos fue cambiar del inglés al castellano en sus canciones. Desde entonces, su ascensión ha sido imparable subiendo peldaño tras peldaño con cada nuevo trabajo publicado. Su último disco, 1999, parece imposible de superar, quizá por eso llevan dos años promocionándolo en una interminable gira que ya empieza a cansar al grueso de sus fans. La principal virtud de este grupo es su pasmosa facilidad para crear canciones épicas con momentos verdaderamente vibrantes. Y si hay una de cal, también otra de arena, porque de la épica pueden pasar a la carcajada en cuestión de segundos, aligerando sus álbumes al intercalar temas tan bizarros como Villancico Para Mi Cuñado Fernando o El Ectoplasta. Su próximo álbum es el que más curiosidad tengo por escuchar a pesar de haberlos dejado en el tercer puesto de esta lista. Si la línea ascendente continúa, no sé que podrían sacarse de la manga con lo que ya llevan a sus espaldas.

Disco favorito: 1999 (2009)

Canción favorita: Incendios de Nieve (1999)

2. La Costa Brava

Lamentablemente, este es el único grupo de la lista que ya no está en activo por la temprana muerte de uno de sus principales pilares, Sergio Algora. Supergrupo constituido a partir de Australian Blonde (Francisco Nixon), El Niño Gusano (Sergio Algora) y Muy Poca Gente (Dani Garuz, Eloy Cases), La Costa Brava fue capaz de crear a través de sus canciones un universo único de playas y melodías con reminiscencias retro, utilizando para ello influencias tan peregrinas como las orquestaciones del Festival de San Remo (según sus propias palabras). Sus discos funcionan a las mil maravillas, a pesar de parecer fragmentados por las diferentes voces y personalidades de dos compositores tan contrapuestos como lo eran Nixon y Algora. Me habría encantado verlos en directo, pero la continuidad de parte de su música está asegurada con la intachable carrera de Francisco Nixon y Ricardo Vicente o en las sorprendentes marcianadas de Dani Garuz, también en solitario.

Disco favorito: Llamadas Perdidas (2004)

Canción favorita: Falsos Mitos Sobre la Piel y el Cabello (Llamadas Perdidas)

1. The New Raemon

Quién le iba a decir a Ramón Rodríguez que su nuevo proyecto en castellano iba a tener más éxito que ninguna de sus otras encarnaciones. Lo he colocado en el primer puesto porque me parece sin lugar a dudas el mejor compositor actual en castellano, poseedor de una discografía breve pero intachable. Nos deja de momento tres grandes discos y multitud de EPs que van mutando junto a su creador desde la intimidad de lo sublime a lo arriesgado en su propuesta. Un músico que además no tiene miedo a evolucionar para ofrecer siempre algo nuevo. De hecho, estoy deseando escuchar con que ha contribuido al inminente álbum que ha preparado este año junto a Francisco Nixon y Ricardo Vicente. The New Raemon no es para mí sólo un grupo de música, sus canciones guardan recuerdos imborrables como aquella vez que los vimos en concierto mientras atardecía en Cádiz, donde se desmarcó en los bises con una versión del Shot In The Arm de Wilco y nos firmó su álbum debut cuando le abordamos al salir de los servicios. O cuando charlamos con él meses después en la barra de un bar momentos antes de tocar en la Monkey Week de El Puerto de Santa María.

Disco favorito: A Propósito de Garfunkel (2008)

Canción favorita: La Cafetera (A Propósito de Garfunkel)

Gloria Jones - Tainted Love

2011-09-20T08:00:00.000+02:00